BELLEZA

El Artium acaba de presentar un “triplete” de exposiciones. Y desde “Periscopio” se han puesto en marcha once más. Por lo tanto, el ciudadano puede acabar enfermando, no de gripe A, sino de la más enfermedad más “artística” conocida por la ciencia médica: el “Sindrome de Stendhal”. Como algunos sabrán, esta enfermedad escogió como primera víctima a Stendhal. De ahí su nombre. La historia dice que el escritor después de una maratoniana jornada de paseo florentino-allá por el año 1817- visitando museos, iglesias, concentrado en todo aquello que veía, loco por no perderse detalle de nada para poder así describirlo en su Diario, súbitamente sintió intensos mareos, sudores y palpitares. Y, medio arrastrándose, fue a visitar a un médico. Éste, tras tomarle el pulso y chequearle a la usanza de hace un par de siglos, dictaminó: “usted padece una sobredosis de belleza”. Desde luego, hoy en día los médicos ya no dicen cosas tan bonitas…
Pero hoy en día no corremos tanto peligro de pillar ese síndrome, pues la belleza no es valor cardinal a la hora de estimar una obra: lo bello no deja de ser un concepto volátil, subjetivo… y la buena obra no puede levantarse sobre criterios tan vaporosos. Es por eso que valores como la originalidad, la capacidad de seducción, de hacernos reflexionar sobre nuestra realidad… se anteponen hoy al valor “belleza”. ¿O no?
Tomemos el ejemplo de la primera exposición de “Periscopio”: “Maras” de la fotógrafa Isabel Muñoz. ¿Cómo valoramos su obra? En principio vemos imágenes de jóvenes tatuados, pandilleros –llamado “Maras- surgidos de la miseria de “El Salvador”. Pero aunque retrata una cruda realidad, las imágenes no dejan de ser bellas. ¿Debe el artista embellecer, “cocinar”, lo crudo?
Recomiendo la lectura de una “interviú” al fotoperiodista Chistian Póvera - recién fallecido en un tiroteo en el Salvador- en la web: centroamerica21.com/edit/25-7/cultura1. Porque hace dos años, Christian acusó públicamente de plagio a la fotógrafa Isabel Muñoz. Christian llevaba varios años estudiando, fotografiando a los “Maras” cuando Isabel presentó su serie sobre ellos. Serie que ahora podemos ver en Vitoria. Las fotografías de Christian fueron expuestas en enero de 2005 -un año antes de que Isabel fuera a El Salvador a hacer las suyas- en la Photo Biennial de China, bajo el título “Las Maras”. Y en 2006 las publicó en revistas tan conocidas como “Picnic” de México, “Playboy” en español y “Le Monde”. Viendo el trabajo de Póvera y comparándolo con el de Isabel, uno no puede dejar de pensar que, aunque son muy similares, el del primero tiene un valor más documental, más comprometido, resultado de un trabajo riguroso de investigación. En cambio, el trabajo de Isabel es más superficial pero más atractivo visualmente. Isabel estuvo trabajando en “el Salvador” seis semanas, y Chistian cuatro años. Y eso se nota. Es una pena que no podamos ver la obra de Chistian en Periscopio.

PARTICIPACIÓN

El otro día, varios miembros de grupos ecologistas que acudían al Consejo Sectorial de Medio Ambiente se levantaron airadamente de una reunión y se fueron, argumentando que desde el Ayuntamiento no se hace caso a sus propuestas y que "se guardan en un cajón”. Ese hecho parece ser la punta del iceberg: muchas personas y colectivos que forman parte de este tipo de consejos, se sienten frustrados por la misma causa.
Recapitulemos: la Carta Europea de la Autonomía Local, ratificada por España en 1988, considera necesario que los ciudadanos participen en la gestión de los asuntos públicos. Y la ley española de Medidas de Modernización del Gobierno Local -aprobada en 2003- viene a establecer una serie de órdenes concretas para fortalecer la democracia local: garantizar el derecho de los ciudadanos a participar en las decisiones importantes que afectan a su futuro, buscar nuevas vías de participación, potenciar el papel de las agrupaciones de ciudadanos como socios esenciales del desarrollo de una cultura de participación, etc. A rebufo de esa ley, en Vitoria existen nueve consejos asesores y siete territoriales, además del Consejo de la Ciudad. En total diecisiete órganos de –en teoría- participación ciudadana. Y digo “en teoría” porque sus resoluciones son meramente consultivas. Es decir: se opina pero es el ayuntamiento el que decide. Y la verdad es que no hay nada más frustrante que acudir, gratis total, a las reuniones, preparar proyectos, aportar informes, formular preguntas…. y que el ayuntamiento ni siquiera te conteste. El altruismo no es tan altruista, valga la redundancia. El que aporta su tiempo y su experiencia quiere verse “recompensado”. ¿Cómo? Viendo cumplidos algunos de los proyectos presentados. Porque uno participa cuando puede influir en su entorno. Participar es, por lo tanto, tener capacidad para cambiar las cosas. Si sólo eres un espectador, o una mera comparsa, no se puede hablar de participación. Pero una de cal y otra de arena: el otro día miembros del Consejo Amárica explicaron en la Comisión de Cultura del “congreso alavés” (me refiero a las Juntas Generales de Álava) un proyecto participativo que sí está funcionando: el Proyecto Amárica. Tres salas de exposiciones de la Diputación están siendo programadas desde hace nueve meses por un colectivo amplio –y abierto- de artistas, creadores y personas relacionadas social o laboralmente con el arte y la cultura: la Asamblea Amárica. En este caso el Consejo Amárica “aconseja” una serie de actividades, de exposiciones, de líneas de trabajo a la Diputación Foral de Álava y ésta asume los “consejos”. Se trata, por lo tanto, de un caso real de participación ciudadana. Un caso, desgraciadamente, no demasiado habitual en el Estado. Es por eso que desde multitud de ciudades españolas se está invitando a los miembros de la Asamblea para que expliquen esta interesante iniciativa. Desde aquí les deseo suerte en ese intenso “tour” rebosante de espíritu participativo.

RUIDO Y HUMOR

Cada uno sufre la actual crisis económica a su manera. En mi caso -que no es el peor, obviamente- la crisis me ataca cual ruido infernal. Me explico: trabajo en la calle Pintorería, así que llevo cuatro meses aguantando las hormigoneras, los martillos hidráulicos, las amoladoras… Es ésta una obra, la de adecuar el pavimento del suelo de la Pinto, bastante surrealista: va a ritmo de caracol. Lo lógico, lo habitual, sería ventilarse una cosa así en un mes, pero no: en esta época de crisis hay que alargar las obras para dar trabajo a la gente. Y todos los ciudadanos tenemos que ser solidarios con estas medidas. Pero tengo un problema: soy un descreído. Es más: observando esta obra uno piensa que este país está acabado. Porque no puede ser que la mejor fórmula que tengamos para sortear esta crisis consista en dar trabajo así: realizando obras por doquier y a ralentí.
Mientras escribo esto, unos tapones de oídos cubren mis orejas, y por encima de éstas y aquellos, llevo unos aparatosos cascos. Unos cascos contra el ruido que compré hace meses. Y la cómica escena se recorta sobre la pantalla temblorosa de mi ordenador, que tiembla, no porque tenga miedo de mi aspecto, sino a causa de las vibraciones de las obras. Y mientras, un servidor se siente un mártir. Pero un mártir gratuito, estúpido, pues no le veo utilidad a esta sobredosis de contaminación acústica. Y me resulta complicado concentrarme. Por mi cabeza pasan idean absurdas. Como que parte de ese dinero que se están gastando en estas obras -cada uno de los cartelitos anunciadores del “Plan Ñ” ha costado la friolera de 6.000 euros- se inviertan en la realización de una estatua en homenaje al vecino sufridor. Sufridor por los ruidos de las obras. Y así daríamos trabajo a los escultores. Que también son trabajadores.
Sí: lo único que mantiene mi sesera sana en estos ruidosos momentos es el humor. Porque me siento ridículo escribiendo con tapones de oídos y cascos. Pero me río de ello. Y de la crisis. Y pienso que es una lástima tener tan poco humor en nuestras vidas. Es una lástima que la cultura, el arte, los museos, la música… casi no nos aporten humor hoy en día. Porque lo necesitamos. El humor es cosa seria.
Pero, afortunadamente, estos días podemos visitar una muestra salpicada de humor: los hermanos Roscubas exponen en la galería Trayecto. Mucho humor y mucho erotismo. La exposición se titula “Punto ciego (secret sex)” y se divide en tres partes bien diferenciadas: la primera muestra imágenes de seducción reconstruidas a partir de pequeños segmentos de imágenes eróticas de los años 50 y 60. Imágenes que invitan a pensar en el secreto del deseo, pues estas imágenes no muestran sexo, sino cuerpos. La segunda parte se compone de dos objetos que mezclan la obscenidad de la marca y la publicidad. Y en la tercera se funden ilusión, fantasía y juego: una serie de espejos y objetos de cosmética sirven de reclamo para la transformación más allá de las identidades y el género.

El VUELO

El otro día, debajo del brazo, en una inauguración de arte, llevaba un cómic. Rodeado de gente supuestamente culta, mi cómic debajo del brazo desató cierta inquietud: la mayoría no se habían leído un cómic en los últimos veinte años. Y es que en eventos de ese tipo, en los que los parloteos giran sobre arte, cine, literatura, el cómic es un medio exiliado, nunca objeto de interés. Y así, no es raro que un artista, un crítico de arte… te reconozcan que no leen cómics. Para mí este hecho es un sacrilegio, pues no hay más que ponerse a leer ciertos cómics -de autor, fundamentalmente- para percatarse de que este medio está aportando a la cultura sus obras más maduras. Sobre todos estos últimos años. Y un servidor, que lee literatura, ensayo, cómics, y visiona películas o asiste a múltiples movidas artísticas, compara lo que se está haciendo en esos campos y no puede dejar de llegar a una conclusión: el nivel medio de las obras que surgen del campo historietístico sobrepasa en calidad al de otros medios artísticos.
Pero volvamos a ese cómic de “debajo del brazo”, porque ejemplifica lo que acabo de comentar en líneas anteriores. Era “El arte de volar”, del escritor Antonio Altarriba y del dibujante Kim. Si no sonara a tópico, simplemente lo tildaría de obra maestra.
“El arte de volar” narra la vida del padre del coautor del título: Antonio Altarriba. La historia arranca con un hecho trágico: el 4 de mayo de 2001 su padre, con noventa años, se arroja al vacío desde la cuarta planta de la residencia de Lardero (La Rioja). Sólo después de leernos la novela entenderemos esta frase escrita, casi grabada con tinta, en sus primeras páginas: “mi padre tardó noventa años en caer de la cuarta planta…” Porque “El arte de volar” reconstruye la dura vida de un idealista frustrado, desengañado. De una persona que luchó toda su vida por ser libre pero que no pudo conseguirlo, pues sus circunstancias -sociales, económicas, históricas…- parecían aliarse siempre para impedirle alcanzar ese sueño.
Y Antonio utiliza un recurso narrativo perturbador y efectivo: se introduce en el papel de su padre, relatando su vida en primera persona. “Mi padre, que ahora soy yo, no conserva buenos recuerdos de su infancia”, dice al comienzo el autor. Y así, página a página, en plena simbiosis con el excelente dibujo de Kim, Antonio reconstruye la biografía de su padre, mutada ahora en autobiografía. Una vida de un español medio que vivió lo que le tocó vivir, siempre arrastrado por los sucesos de la historia: infancia en un pueblo de la España profunda, guerra civil del lado “rojo”, exilio en Francia, vuelta a la España de Franco para crear una familia… y en ese largo camino le van arrancando sus ideales. “El arte de volar” es una obra grande y honda, madura, con múltiples niveles de lectura. Una obra sentida, pero no trágica. Una obra que más que biografiar a una persona, nos hace vivir la historia de un país, de sus gentes. Y de sus sueños y anhelos arrancados por la historia.

CIERRE

En cuatro días se gastaron 240.000 euros. Buena parte de ellos en pagar viajes y hoteles a una legión de famosos salidos de la “caja tonta”. ¿La finalidad? Promocionar sus culebrones en Vitoria. Y era un presupuesto destinado a cultura. Pero nadie dijo nada. Y hoy parte de ese “nadie” dice: “el Artium cierra sus puertas por sorpresa un mes”. Ahora parece que sí les interesa la cultura… Paradójicamente, el rotativo que se “inventaba” el cierre forma parte del patronato –del grupo gestor- de Artium. O sea: ellos mismos aprobaron en diciembre pasado el proyecto del nuevo director. Proyecto en que se refleja la necesidad de no realizar en Artium exposiciones en septiembre –es el mes con menos visitas del año- para iniciar la nueva temporada presentando al unísoro las nuevas exposiciones. Conclusión: algunos de los patronos no se han leído el proyecto que aprobaron. Su mano derecha no sabe lo que está haciendo su mano izquierda. O haciendo un chiste fácil: su cabeza lleva “cerrada” varios meses.
El Centro-Museo Artium no es sólo un museo al uso, sino que también es un centro de arte, por lo tanto su biblioteca, las visitas guiadas, las múltiples actividades… siguen vivas durante este mes. Y durante el resto del año. Artium, en definitiva, no es sólo un sitio donde sólo se cuelgan cuadros para que los turistas puedan hacer “zapping” con ellos, sino que es un lugar en el que se enseña, se divulga, se estudia, cultura contemporánea. Así que no se puede hablar de “cierre” de Artium-Museo, sino de un parón temporal de la programación expositiva de Artium-Centro de Arte. Un parón que servirá para sincronizar las inauguraciones de las exposiciones consiguiendo así un mayo “gancho” de cara al ciudadano. Y ese cambio de rumbo no se puede hacer con el motor en marcha. Porque si queremos sincronizar los relojes, tenemos antes que pararlos para mover sus agujas. Otra cuestión es que algunos patronos de Artium no estén de acuerdo con esa decisión. Pero que lo hubieran dicho en diciembre y no ahora. No han hecho sus deberes a tiempo.
La pregunta es la siguiente: ¿por qué un centro de arte tiene que estar ofreciendo exposiciones sin parar? Para algunos hay que emular a las fábricas de churros… siempre produciendo. Por poner un ejemplo cercano: desde el Consejo Amárica se está programando en tres salas expositivas de la Diputación. Y no siempre éstas permanecen abiertas: hay semanas en las que no se hace nada en ellas. Y nadie se ha quejado de ello, pues se apuesta por la calidad, no por la cantidad. Y es que en nuestro territorio hay una oferta desmesurada de exposiciones. Quizá sea porque en este territorio la cultura se entiende como un recurso o como un servicio. Es decir tiene que funcionar como un parque de atracciones (atraer turistas) o como un restaurante (dar a la clientela lo que te pide para comer). Y no es así: la cultura es como la educación, pues nos forma como personas. Por lo tanto, pidamos calidad y no cantidad.

PASO ATRÁS

Sinopsis del primer episodio de “Sin tetas no hay paraíso”: unas menores asisten a las fiestas de "el duque" -“macizo" traficante de drogas que habla como si acabara de beberse un bote de lejía- para animar con sus cuerpos a señores forrados y muy “salidos”. El objetivo de las chavalas es convertirse en fulanas de postín para darse así la gran vida. Pero la “prota” del culebrón conoce al tal "duque" -tío al que le da igual matar, extorsionar... aunque ¡oh! ¡tiene su corazón!- y se enamora locamente de él. En resumen: un folletín que las púberes devoran sin apenas masticar babeando por “el duque”. No es de extrañar que muchas pidan después a sus papis unas tetas “talla noventa”, pues sin ellas –según la serie- es difícil llegar a ser algo en la vida.

Y más de 1.000 “fans”, la mayoría quinceañeras, acudieron al FesTVal de Gasteiz para recibir a los “protas” del culebrón que vinieron a promocionar el primer capítulo de la nueva temporada. Nada que objetar a la movida si nuestro Ayuntamiento, nuestra Diputación y la televisión pública ETB, no la hubieran apoyado. Es obvio que desde el FesTVal también se han realizado actividades de interés, pues no sólo se ha difundido un culebrón machista y frívolo, se ha traído a participantes del “Gran Hermano”, se ha homenajeado al “inventor” de “Operación triunfo” o se ha dado cuerda a grupos de niñas “fanáticas” (“fan” es el apócope de fanático-a). Pero, señora concejala y diputada de cultura, no se puede servir en el mismo menú cultura e idiocia. Esa mezcla despista al ciudadano. Pues no es de recibo, por una parte, apoyar una cultura de igualdad, una cultura que genere reflexión y pensamiento crítico para, al mismo tiempo, apoyar algunos subproductos descerebrados de las industrias del entretenimiento por mucho que les guste ver a miles de posibles votantes acudiendo a un evento apoyado con ese dinero público que ustedes gestionan.

Y es que no es de rigor que desde la cultura pública se apoye a las macro televisiones privadas: sus fines son únicamente conseguir un gran público al que poder inculcar nuevos -y viejos- hábitos de consumo. Pero si se empeñan en programar cultura tal como se programa televisión, intenten al menos difundir la escasa televisión de calidad y no legitimar la que promueve alevosamente el meretricio gratificado a base de silicona, carrazos de lujo, copas, rayas y bolsos de marca. Eso es un paso atrás para nuestra ciudad.
Leonardo Baltanás, director de contenidos de Telecinco, argumentaba hace días que los festivales de televisión como el de Valladolid, León, Vitoria, Isla Antilla y Barcelona son necesarios porque pueden ayudar «a limpiar la mala imagen que la televisión tiene». Ana Rivas, directora de programas de Antena 3 decía también al respecto: «En televisión tenemos el problema de que a veces nos avergonzamos de nosotros mismos y de lo que hacemos». Pues bien: parece ser que nuestros departamentos de cultura no son tan puntillosos como los que fabrican “telebasura”.

DESATINOS

Una nueva revista se presentó en el museo Bibat el otro día. Cascobizia-así se llama la publicación- “servirá como guía de servicios del Centro Histórico, soporte de orientación para quienes nos visitan e instrumento de divulgación a través de cuidados reportajes de la actividad de todo tipo que se desarrolla en el Casco Medieval”, explicaron sus artífices. Es un proyecto editorial –dijeron- financiado por el Plan Urban de la Unión Europea, orientado a poner en valor los recursos comerciales, hosteleros, de servicios y socioculturales del Casco Medieval. Y han distribuido 50.000 ejemplares por la ciudad. Es innegable que toda herramienta que sirva para dar a conocer la realidad del Casco Viejo es bienvenida. Pero para que esa herramienta sea efectiva es fundamental que la información ofrecida se elabore con sumo cuidado. Pues un medio de comunicación puede causar más perjuicios que beneficios si ofrece una imagen distorsionada o incompleta de la realidad. Todos sabemos que actuar con premura en las elaboraciones de proyectos pero con suma eficacia en sus difusiones, es un mal de nuestro tiempo. Y así lo que podrían ser “proyectos vacunas” se convierten en “proyectos-virus”. Virus que se propagan con rapidez.

Al grano: me parece incomprensible que en una revista que quiere ser una guía del Casco Viejo no aparezca ninguna referencia al Centro Cultural Montehermoso. Aparece sólo su sede referenciada como “monumento histórico”. Y suma y sigue: en el listado “centros y asociaciones” no se nombra al Centro Cívico el Campillo, ni al Centro Cívico Aldabe. Para la revista no existe la Federación de Asociaciones Gauekoak ni el programa de ocio nocturno que -desde hace diez años- se dirige especialmente a los jóvenes que hacen vida en el Casco Viejo de nuestra ciudad. Tampoco se menciona a Zuloa Espacio como lugar expositivo que lleva una década mostrando el arte emergente de nuestro entorno. Ni se menta a la mítica revista de cómic TMEO, que desde hace quince años tiene su sede en la calle Herrería. Por otra parte la galería de arte contemporáneo Trayecto aparece en un apartado que lleva el título de “Arte, muebles y decoración”. No entiendo cómo se puede meter en el mismo saco a una galería de arte contemporáneo y a una tienda de muebles. Y se me acaba el espacio… ¿a qué vienen tantos errores? ¿Será porque la dirección editorial de la revista está en Bilbao? ¿Es que los propios editores de una publicación que quiere divulgar la realidad de nuestra “almendra” la desconocen? ¿No debería ser ésta una revista pergeñada por los propios agentes sociales y culturales que desarrollan en el Casco Viejo sus actividades?

Termino diciendo que la revista tiene sus aciertos: se referencia a personas y a organismos que sí forman parte de la vida del Casco Viejo. Pero esa mezcolanza de atinos y desatinos puede despistar más a todo aquel que se acerque a la “almendra” con el Cascobizia bajo el brazo.

PRINCIPIANTES

El joven y moderno fotógrafo Colin se enamora de la aspirante a diseñadora de moda Crepe Suzette, pero ella sólo está interesada en su propia carrera. Entonces Colin intenta ganarse su afecto haciéndose famoso. Pero mientras tanto, las tensiones raciales en el barrio londinense de Colin se están caldeando... ¿Qué estoy contándoles? La sinopsis de una película: “Principiantes” (“Absolut beginners”). ¿Y a cuento de qué? De que mañana se inaugura una sugestiva exposición colectiva que lleva el nombre de dicha película. Y esa coincidencia no es fortuita, pues la muestra toma dicho film –o más bien su espíritu- como telón de fondo. Y sobre ese telón cinco artistas jóvenes y un escenógrafo han ideado un interesante proyecto colectivo –en clave de arte contemporáneo- orquestado por la comisaria afincada en Vitoria Nekane Aramburu.

Los artistas que participan en la exposición pertenecen todos a una nueva hornada de creadores vascos nacidos entre 1976 y 1986: el dúo Anamnese, Karmelo Bermejo, Daniel Mera con la colaboración de Arcadi Ballester, Ana Nieto y Daniel Llaría. Todos ellos fueron seleccionados a partir de la convocatoria de Inmersiones promovida por el Proyecto Amárica en diciembre del pasado año. Si la idea de “Inmersiones” era hacer visible el arte joven y cercano parece ser que esta iniciativa empieza a dar sus frutos.
Como cómplice, el escenógrafo Francisco Javier Larreina hilvana el recorrido de la sala huyendo de la idea de compartimento estanco que acompaña habitualmente a las exposiciones colectivas y plantea un acercamiento más compacto, más vertebrado, a la muestra. Absolute Beginners trata, en definitiva, de construir en complicidad con los autores y sus trabajos una gran ficción cuyas historias se entrecruzan, contaminan, enriquecen o incomodan, componiendo así una especie de relato "novelistico". Un relato que se construye a traves de las obras expuestas, pues sus lecturas se entrecruzan. Y la selección de los artistas ayuda a que esto sea así: todos ellos indagan con sus proyectos en los límites de lo real y lo imaginario.En definitiva: una sustanciosa muestra que visitar. Podemos acercarnos a ella hasta el día tres de septiembre. La cita es en la sala Amárica. Un sala que es pública pero que se gestiona “desde fuera” por el colectivo de artistas “Asamblea Amárica”. Un colectivo que, dicho sea de paso, está dando bastante que hablar –bastante y bien- fuera de las altas –e invisibles- murallas de nuestra ciudad. Tanto es así que recientemente desde el Observatorio Vasco de la Cultura del Gobierno Vasco han considerado al Proyecto Amárica como un ejemplo del uso de las buenas prácticas en el campo de la gestión del arte y de la cultura. Conclusión que publicarán en su publicación electrónica “Kulturkaria” del mes de julio en la que van destacar el carácter participativo del proyecto y el interés de esa gestión compartida de las tres salas expositivas por parte del colectivo de artistas y la Diputación.

AMARICA

No me cabe la menor duda: lo más interesante que está sucediendo últimamente en el ámbito cultural cercano, el de Vitoria, surge del entorno de la Asamblea de agentes culturales locales denominada Amárica. Una asamblea abierta, constituida en un principio para gestionar las tres salas expositivas de nuestra Diputación. Con esto no quiero decir que su programación sea la más interesante de la saturada parrilla cultural local. No. En ese sentido quizá sea más sugestivo lo que nos pueden ofrecer desde Artium, Montehermoso o Krea. Los tiros van por otros derroteros: el principal interés del Programa Amárica radica en su inusual fórmula de gestión. Porque una gestión colectiva, desde la ciudadanía, de unos equipamientos públicos dedicados a la cultura -como son la sala Amárica, la sala de la Casa de la Cultura y del Archivo Provincial- es, cuando menos… inaudita. Y eso, en cultura, ya es decir mucho. Quizá a algunos ese modelo de gestión colectiva, activista y centrada en lo local les pueda parecer “demodé”, trasnochada. Supongo que serán los mismos que opinan que una gestión vertical, personalista, basada en el “director-a” estrella es la repanocha de lo “in”. Cuando el “modus operandi” más gastado es precisamente el que tiene por protagonista al gestor carismático, individualista, de turno. Protagonista que apostará por el proyecto “emblemático” de rigor que nunca veremos cumplido. ¿Y por qué todavía en el ámbito cultural se apuesta por los modelos personalistas en detrimento de los colectivos? Posiblemente porque la fórmula del “gestor estrella” es más productiva, más ágil, más mediática... y más fácil de controlar –en la acepción menos positiva del término- por los poderes públicos.

Está bien que un poco de “pensamiento colectivo” sea el que gestione parte de los presupuestos destinados a la cultura. “No deja de ser un experimento”, dirán otros. Pues sí. Y bienvenido sea. Si en el ámbito de la cultura no se experimenta, que es el terreno de la creación… ¿dónde si no? Por eso la gestión de la Asamblea Amárica (a través del Consejo Amárica) es un soplo de aire fresco dentro de un ámbito cada vez más invadido por los genios de las finanzas. Pues las lógicas económicas son, hoy en día, las que configuran los entornos culturales. Nos prometen “situar a la ciudad en el mapa”, cuando lo que realmente hacen es generar beneficios, privilegios, para cuatro. Así que un poco de hiperrealidad, de personas que trabajan a pie de calle, de “riqueza cultural” no medida en euros, de arte atravesado por lo social y por lo cercano, nos levanta el ánimo a algunos. Pues no es necesario que las salas de exposiciones acojan todos los meses la exposición de turno, ni es imprescindible editar siempre lujosas publicaciones que ilustren dichas muestras. Y tampoco pasa nada si en vez de mostrar el trabajo de un artista neoyorkino mostrarnos el de uno de Bilbao. Se puede producir y difundir la cultura de una forma diferente. Lo estamos viendo.

GRATIS

El asesor del ayuntamiento en materia cultural declaraba hace unas semanas que en Vitoria la gente está muy mal acostumbrada: no quieren pagar por consumir cultura. Se refería a que en esta ciudad todos queremos asistir a obras de teatro, conciertos… y que pague buena parte el Ayuntamiento. Y que esa situación es insostenible. Estas afirmaciones pueden parecer lógicas. Pero la cuestión es: ¿de qué lógica estamos hablando? Yo no estoy de acuerdo con el asesor. Ni la Constitución Española. Porque ésta contiene numerosas referencias a la cultura de libre acceso, que empiezan en el Preámbulo, donde se dice: “corresponde a los poderes públicos (...) facilitar la participación de todos los ciudadanos en la vida cultural”. O: “los poderes públicos garantizarán la conservación y promoverán el enriquecimiento del patrimonio (...) cultural de los pueblos de España.” También: “los poderes públicos promoverán las condiciones para la participación libre y eficaz de la juventud en el desarrollo (...) cultural”. Y: “los poderes públicos promoverán el bienestar de los ciudadanos de la tercera edad mediante un sistema de servicios sociales que atenderán sus problemas específicos de (...) cultura”. Es decir: hay que garantizar un acceso a todo ciudadano a la cultura. Y si queremos que todos los ciudadanos tengan las mismas posibilidades de acceder a la cultura -si no fuera así el conocimiento estaría en manos sólo de quien pudiese pagarlo- es lógico que este acceso se subvencione. Incluso que sea gratis. Pues para que ciudadano que no cuenta con recursos económicos pueda leer, ver arte, oír música… las instituciones tienen que subvencionar la cultura.
El malentendido surge cuando se entiende la cultura como un producto. Si es un producto, como puede ser un coche, entonces ese acceso a él sólo es posible desde la adquisición. Así –recalcamos porque es importante- las personas cultas serían sólo aquellas que tuvieran dinero. Por eso el Estado garantiza el acceso a la cultura para todos, tengan dinero o no. Y habilita los mecanismos necesarios para que eso pueda ser posible: educación y cultura gratis para todos. Y en eso radica la rentabilidad social de una infraestructura cultural pública (Museos, bibliotecas, auditorios...). El caso más claro son las bibliotecas. Por otra parte una biblioteca no es socialmente menos rentable por ser menos visitada. Pues todas ellas posibilitan el acceso del ciudadano interesado a las áreas del conocimiento. Sea cual sea su condición económica o social. Es verdad que no todo el mundo saca partido de ello. Pero vuelvo a lo siempre: cualquiera hoy en día puede leer poesía gratis. Si la gente no lee poesía es porque decide no hacerlo. Pero a nadie le gustaría que alguien le cerrase esa puerta. Por eso las puertas de los museos, de las bibliotecas, están abiertas para todos. Y eso tiene un coste, desde luego. ¿A algunos les puede parecer mucho? Entonces ofrezcan menos cultura, pero gratis, en vez de mucha de pago.

RANKING

Como todos sabemos los motores de búsqueda nos sirven para encontrar en Internet información sobre cualquier tema. Tecleamos una o varias palabras clave y ya está: el buscador nos ofrece la lista de páginas web en las que ese término se menciona. Si ahora mismo, por ejemplo, tecleo “Airotiv” en el motor de búsqueda Google éste me dirá (esperen un poco que ahora mismo mientras escribo esto lo estoy haciendo…) que exactamente en 967 páginas se menciona “Airotiv”. Pero Google no sólo nos sirve para encontrar información sobre algo, sino también para saber cuántas referencias se han escrito sobre un tema, sobre algo o sobre alguien. Por tanto nos sirve para pasar el tiempo con un juego: saber qué o quién es más popular en Internet. O sea: en el mundo.
Juguemos, entonces. Vamos a averiguar cuál es la entidad local dedicada a la cultura más referenciada en Internet. Esto es: cuál es la más afamada. Pero antes de jugar, os ruego que no os toméis demasiado en serio el juego. Porque está establecido en base a criterios de popularidad. Y la cultura, aunque muchas personas piensan otra cosa, no se debe medir con la cinta métrica de la fama. Por otra parte, podemos errar: este juego depende mucho de las palabras clave que tecleemos. Si éstas son acertadas o no. Pero aunque el juego muchas veces no es justo, siempre es divertido para el que lo practica. Practiquemos, entonces.
Tecleo “Galería Trayecto”, la única galería de arte contemporáneo afincada en muestra ciudad. Aparecen 1.710 referencias.
Tecleo “Hell Dorado” seguida de “Vitoria”, para restringir así la pesquisa e intentar evitar que salgan referenciadas otros posibles entes foráneos homónimos. Obtengo 2.520 reseñas.
Tecleo “Krea” seguida de “Vitoria. También para acotar la indagación. Salen listadas 5.990 menciones.
Tecleo “Zuloa”, el espacio alternativo de arte, seguida de “Vitoria”. Aparecen 6.170 entradas.
Tecleo “Centro Cultural Montehermoso”. Registradas 9.180 referencias.
Tecleo “Departamento de Cultura” seguido de “Ayuntamiento de Vitoria”. Obtengo 9.520 reseñas.
Tecleo “Departamento de Cultura” seguida de “Diputación” seguida de “Álava”. Obtenemos 9.690 menciones.
Tecleo “Gaztetxe” más “Vitoria. Son 15.600 entradas.
Tecleo “TMEO”, la revista de cómic con sede en Vitoria. Consiguen 35.000 reseñas.
Tecleo “Artium de Álava”. Me salen sólo 4.700 referencias. ¿Lo habré hecho mal? Voy a teclear “Artium” más “museo”. Esto ya es otra cosa: salen 101.000 referencias. Ya ven ustedes cómo influyen las palabritas claves.
Y ya vamos diez entes locales relacionados con el arte y la cultura. Paremos. Faltará alguno, pero tampoco es cuestión de aburrir. En conclusión: Artium, medalla de oro; TMEO, plata; el Gastetxe, bronce.

CULEBRONES

La agencia de renovación urbana del Casco Viejo sigue apostando por el muralismo populista para “renovar” las ajadas fachadas de ciertos edificios. Mi casa está situada entre el mural de los trapos agigantados de la Brullería y el del zoológico de la escuela infantil. Yo prefería esos espacios tal como estaban antes de ser “renovados” así. “Sobre gustos no hay nada escrito”, “cada uno tiene su opinión”… me podrán decir. Pero la validez del arte no se puede medir con un criterio tan vaporoso como el “gusto”. Por poner un ejemplo: la gente gusta más de una telenovela que de un drama shakesperiano. Y eso que todo culebrón se basa en la obra de Shakespeare (“Romeo y Julieta”, por ejemplo) Pero claro: el culebrón no tiene medida, es más “populista”, superficial. Pero son legión los que disfrutan de los culebrones y sólo unos pocos leen el Romeo y Julieta original. La cuestión es: ¿tenemos que educar a nuestros hijos leyendo a Shakespeare o viendo culebrones? La calidad es la clave. Y la pregunta es: ¿quién nos dice que una obra tiene calidad? Creo que la mayoría del planeta reconocería que la obra Shakespeare contiene “más arte” que los “culebrones”. Pero lo reconocería porque lo ha estudiado en el cole. Aprendiendo de libros de literatura escritos por expertos. Cosa que con el arte actual no sucede: no se estudia en el cole. Y a los expertos no les hacemos caso de mayores.
Pasé un día por la Brullería. Los pintores llevaban muy avanzado el mural ese de los trapos. Me paré a mirarlo. Me preguntaron mi opinión. Por mis adentros pensé “Cállate Iñaki, di que está bien…”. Pero me oí a mí mismo decir: “ese mural no se integra en la Plaza”, “¿por qué no habéis optado por algo más sutil, que dialogue con ella”… “Menos es más”, recité, parafraseando a el arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe, uno de los más importantes de este siglo. Es decir: salían por mi boca los argumentos de los “expertos” que estudié en la Facultad de Bellas Artes.
Y la verdad es que siempre que paso por la Brullería echo en falta esa enorme fachada con ese blanco resplandeciente de antaño –antes tapada por mugre, ahora por el mural- que aportaba luz a la plaza. No sé quién dijo que muchas veces la mejor música es el propio silencio. Con las artes visuales pasa lo mismo: la mejor intervención es la que menos interviene. Pero vivimos en la sociedad del ruido. Del exceso. La cultura japonesa, por ejemplo, compara el ruido visual con el sonoro. Por eso los japoneses guardan en sus casas todo en armarios empotrados. Y justo sacan de ellos lo que utilizan en el momento. Porque les gustan los objetos. Y les gusta el espacio. “Tienen gusto”, dirían otros. “Saben”, diría yo.
Y paso por la Brullería, y veo las enormes farolas postmodernas, la entrada siempre en obras a la catedral… y ahora el mural. Pobre plaza. El arte tiene que ser necesario. Pero quién dice cuándo es necesario y cuándo no? ¿La agencia de renovación urbana? Está claro que les falta criterio en ese asunto.

NÓMADA

Todos estudiamos en el cole la diferencia entre el nomadismo y el sedentarismo. Dos maneras distintas para el ser humano de construir su existencia, su modo de vida. La humanidad fue nómada durante casi dos millones de años: viviendo de la pesca, la caza, recolectando alimentos… viajando con la casa a cuestas. Gracias al nomadismo el planeta entero fue poblado por el hombre. Y la historia nos enseña que este nomadismo poco a poco dio paso a otro modelo supuestamente más avanzado: el sedentarismo. La razón principal por la cual muchos pueblos nómadas mutaron en sedentarios se encuentra en uno de nuestros descubrimientos más importantes: la agricultura. Entre la tribu nómada y la tribu sedentaria pasaron muchas generaciones, muchos experimentos e incluso regresos al nomadismo, hasta que diversas tribus se apalancaron, estableciéndose definitivamente. Y así surgió el urbanismo, la arquitectura… internet y todos los grandes avances. Pero aún existen en la actualidad cuarenta millones de nómadas en el mundo. Gentes que se desplazan en busca de pastos y agua. Pero… ¿son sólo cuarenta millones? ¿Acaso no vivimos ahora en un mundo en que las migraciones globales son un fenómeno de una importancia nunca antes conocida? Nos referimos a la inmigración.
Vivimos, todos nosotros los sedentarios, entre muros y barreras. Nuestra cultura es, por tanto, la del ser humano asentado: queremos comprar una casa, tener un trabajo fijo, echar raíces. Pero… ¿cuál es la visión que tiene el ser humano nómada sobre nuestra cultura sedentaria? En el cuento “La construcción de la muralla China” de Kafka los albañiles que trabajaban levantando ese gran muro observan cómo las tribus nómadas cruzaban frente a las obras para luego perderse por las inmensas estepas. Kafka anota que quizás los nómadas tuvieran una mejor visión de la muralla que los mismos constructores y albañiles: tenían más perspectiva.
Y hoy se inaugura una exposición en Zuloa que trata sobre esa visión que vierte el nomadismo sobre el sedentarismo. Porque las obras de Michael Grudziecki tienen como tema la arquitectura, la inmigración y la interacción que surge entre ambas. La nueva serie que muestra en Vitoria -en el Espacio Zuloa y en la taberna Gora- lleva por título "Take away" ("Para llevar"). Michael emplea la arquitectura nómada como espejo de la sociedad: sus obras son plegables como equipajes, listas para transportar y montar. Como las tiendas de campaña, las casas prefabricadas, las caravanas que son casas portátiles o los innumerables platos para llevar de un restaurante chino". Se trata de una arquitectura de urgencia. Y es así como en la sala podemos ver un estandarte ficticio realizado con materiales humildes que funciona como una pared. O una serie de edificios que se levantan sobre el suelo de la sala como si fueran puzles tridimensionales. Michael Grudziecki es un artista polaco que vive en Alemania. Aunque él se considera, un sin patria, un nómada.

DISCRIMINACIÓN

El martes pasado leíamos en los periódicos una pequeña –pequeña en tamaño- noticia: la Defensoría para la Igualdad de Hombres y Mujeres del Gobierno Vasco finalmente ha resuelto que el cartel anunciador de la 43ª edición de la Durangoko Euskal Liburu eta Disko Azoka no puede considerarse discriminatorio por razón de sexo. Recapitulemos: dicha Defensoría anunció hace seis meses que estaba analizando si dicho cartel rdiscriminaba a las féminas, ya que "la imagen y el lema de esta edición omite la presencia de las mujeres en esta importante cita de la cultura vasca". La Defensoría se mostró disconforme con la "invisibilización de las mujeres en la imagen y el lema del cartel anunciador (“El hombre invisible en la feria”). El proceso comenzó con la petición de "pruebas y documentos a Gerediaga Elkartea", entidad organizadora de la feria. En el cartel -del gasteiztarra Aritz Zabala-, sólo ser podían ver, según explicaba el autor, "las gafas para leer, los auriculares para escuchar y la txapela para dar a entender la relación que tiene la feria con el euskera y con la cultura vasca". Zabala explicaba que el cartel era un guiño a un personaje literario: el hombre invisible.
“El gato escaldado del agua fría huye”, dice el refrán. Así que la entidad organizadora de la feria ha anunciado ahora que "impedirán" que el cartel de la próxima edición contenga "iconos discriminatorios" por razones de sexo, religión u opinión. Así aparece reflejado en las bases del concurso en una nueva clausula “antidiscriminación” Bases que –curiosamente- fueron dadas a conocer el mismo día que la Defensoria para la Igualdad emitió su “veredicto de inocencia” para el cartel de Aritz. Hubo acuerdo por lo tanto, podemos adivinar.Está claro que la Defensoría ha conseguido lo que quería: que todos aprendamos la lección. Porque después de esta polémica tan mediática en su día, todos tendremos que tener mucho cuidado cuando elaboremos las bases de cualquier concurso. O cuando nos prestemos a ellos. Y es más: tendremos que llamar a algún experto en cuestiones de discriminación para que forme parte del jurado. Pues la cosa es peliaguda: si en un cartel sale algo parecido a un hombre, eso puede ser discriminatorio. ¿Y quién sabe entonces lo que es discriminación? ¡Pero si la misma Defensoría para la Igualdad se ha equivocado! En fin: no se han equivocado. Ya que, repito, han conseguido que todos tengamos a partir de ahora, mucho cuidado. Pero… ¿justifican los medios los fines? La resolución, el veredicto de “inocencia” para el autor, ocupa a penas unas líneas en los medios de comunicación impresos. ¿Quién le resarce a Aritz Zabala de toda esta movida? "Era el mejor de los tiempos, era el peor de los tiempos; la edad de la sabiduría y también la de la locura; la época de las creencias y la del escepticismo (…) caminábamos directos al cielo, pero nos extraviábamos por el camino opuesto", escribía Dickens en su novela “Historia de dos ciudades”. Era todo un adivino…

VIRUS

Parece ser que una especie de virus está atacando a algunos centros de arte y cultura contemporánea. O, más bien, a la propia cultura. Porque las críticas por parte ciertos políticos a la gestión de Montehermoso, el caso del Centro José Guerrero en Granada, la campaña de un diario conservador contra el Centro Gallego de Arte Contemporáneo y, en Bilbao, el despido de la directora de la sala Rekalde, son síntomas de algo que de no atajarse cuando antes, puede convertirse en epidemia. ¿En qué consiste ese virus? Ya hemos hablado de él en varias ocasiones: entender la cultura como un recurso económico y no como un valor en sí misma. Cualquier Museo o Centro de arte público que no atraiga a miles o millones de personas –y sobre todo de turistas- a sus puertas es una mala “inversión”. Y ahora se compara el número de visitantes de la Sala Rekalde con el del museo de BBAA de Bilbao o el Guggenheim para justificar el despido de la directora de dicha sala. Cuando este espacio es una pieza clave dentro del entramado cultural de Bilbao. Un lugar que apostaba por el arte del entorno y con ciertas dosis críticas. Es decir: por un arte no domesticado. Pero, claro, la sala sólo recibía 15.000 visitas anuales y el Guggenheim un millón. De seguir así llegará el día en el que veremos retirar los libros de poesía de las bibliotecas públicas porque éstos no se prestan tanto como los best-sellers.
Con el turismo cultural está pasando lo mismo que en el turismo de “sol y playa”. De la misma forma que esté llegó a degradar los entornos naturales en los que se instalaba, el turismo cultural va a acabar minando nuestros entornos culturales. Y se prima la cultura consumista, espectacular, banal... con el propósito de entretener al visitante. Esto ya es un fenómeno imparable. Parafraseando a Begout cuando habla de Las Vegas “”se trata de seguir ahora una sola ley: proponer experiencias a los visitantes y a los turistas” Porque la cuestión es clara: si la efectividad de una infraestructura cultural se pondera en esos términos, en los económicos- los centros de arte y cultural van a acabar siendo algo similar a un parque de atracciones.
Así como el turismo de sol y playa sólo genera dividendos cuando el sol brilla, el cultural puede atraer turistas todo el año. Y estamos sufriendo las consecuencias de este hecho. Pues al final son los turistas culturales –que no difieren en mucho a los de “sol y playa”- los que acaban marcando los contenidos de los centros culturales. Pues el que está de turismo no quiere entrar en un museo que le haga pensar o reflexionar en demasía. No quiere ver obras complejas, sino obras “de sol y playa” Pero nosotros –los ciudadanos que pensamos que la cultura no es mero entretenimiento- vivimos aquí y necesitamos otra clase de cultura. No somos turistas culturales. O por lo menos, aquí donde vivimos, no. Queremos, por lo tanto, una cultura de calidad. Pero no esa “calidad” que nos vende el empresario o político de turno.

MEDIEVO

Hoy en día parece impensable que alguien no cobre por su trabajo, por los servicios que presta. El panadero, el camarero, la peluquera… todos perciben un salario regulado por un contrato. Pero imagínense que alguien le propone a un fontanero lo siguiente: “arrégleme el inodoro señor fontanero, pero no le voy a pagar. Lo que haré será hablar bien de usted y así es posible que otros le llamen y le paguen.” Absurdo ¿no? Pero en ocasiones es real. Nos pasa a los artistas.
Estos días una empresa enviaba una convocatoria abierta a los creadores de la ciudad solicitando gratuitamente sus obras para ser expuestas en diversos locales comerciales del Casco Viejo. La idea es “dar un impulso fundamental al desarrollo del Casco medieval vitoriano”. Un proyecto apoyado y subvencionado por la Diputación, el Ayuntamiento, el Gobierno Vasco y la Caja Vital. “Los artistas interesados en participar en esta iniciativa que, por su novedad, tendrá una importante repercusión mediática, tendrán que escoger una de sus obras ya realizadas y facilitar el/los soportes adecuados para su exposición en el interior de estas empresas-comercios”. Esto es: se paga el curro de los artistas con la “repercusión mediática” que genera su trabajo. Y de las otras “repercusiones” que son las económicas, cobran la empresa, cobran los diseñadores gráficos, cobran los funcionarios de las instituciones... ¿Y los artistas? Los artistas que se queden con la fama, que es lo que les mola, deben pensar. Los artistas vivimos en otro mundo, bajo otras leyes. O en otro tiempo: en el Medievo, supongo. Por eso nos llaman para participar en este proyecto del Casco Medieval.
La empresa organizadora del asunto me preguntó si yo quería participar en la movida. Les dije que gratis no. Y se lo razoné:
“El problema es de índole laboral, sin más. Olvidaros de si somos o no artistas: hay una gente a la que se llama para que trabaje y no se le paga. Eso no pasa en otros ámbitos. El trabajo de un artista no es sólo consiste en realizar obra: le llamáis, invierte su tiempo, se coordina con el comerciante, lleva la obra, la coloca... y no se le paga. Está claro que vuestra intención no es mala, pero demostráis un gran desconocimiento del medio artístico. No hay nadie que haya velado por que la relación con el artista (¿un contrato?) sea digna. No entiendo por qué el trato con los artistas tiene que ser distinto al trato con el gremio de diseñadores gráficos, por ejemplo”. Lo lógico, en el caso de este proyecto en el Casco Viejo, sería pagar por las obras un alquiler, les dije. Pues sin esas obras no hay proyecto.
Montehermoso, Krea, Artium… tienen estipulados unos honorarios cuando trabajan con artistas. Lógicamente. Porque a nadie se le puede pagar diciendo que va a salir en los periódicos.
Lo curioso es que esta iniciativa la coordina una empresa. No sé qué se estudia hoy en día en “Empresariales”, pero la lección 1 es fácil: el trabajo –de todos- se paga con dinero, no con papel de periódico.

ARTE DEGENERADO

Estos días estoy leyendo algunas críticas sobre el gasto de dinero público en cultura que me preocupan. Parece ser que para algunos ciudadanos la cultura es un adorno, un aderezo. Que se invierta dinero público en ella no les gusta. Creen que en tiempos de crisis es mejor destinar el dinero en asuntos que ellos estiman más importantes. O predican que los museos tienen que generar dividendos. O proclaman que, cuando menos, en los centros culturales y museos se tiene que exponer cultura que sea del agrado de todos. En fin, algunos atacan la cultura desde la incultura. Y eso es alarmante. Desde la incultura, lo inteligente es defender la cultura. Porque el que no sabe leer no debería defender la quema de libros, sino la enseñanza universal de la lectura. De la misma forma que el padre que no ha podido en su vida culturizarse, quiere que sus hijos lo hagan. La mayoría de los ciudadanos no leen poesía, por ejemplo. Un 1% de la población la lee de vez en cuando. Pero siendo la poesía un arte tan minoritario, a pocos de los “analfabetos” de la poesía –que son una aplastante mayoría- se les ocurriría predicar su eliminación de la faz de la tierra. Eso sería estúpido: la poesía es una actividad minoritaria, pero todos entendemos que es vital para no deshumanizarnos. Y los músicos se nutren de ella para poner letras a sus canciones.
Los que critican los gastos en cultura aprovechando estos tiempos de crisis, son incapaces de leerse los presupuestos generales de un ayuntamiento. Si hiciesen ese esfuerzo antes de hablar se darían cuenta de que aunque en los periódicos la cultura puede ocupar un diez por ciento de sus páginas, en los presupuestos de los ayuntamientos ésta ocupa sólo un porcentaje ínfimo. En el caso del ayuntamiento de Vitoria, un 0,2 por ciento. Y también me parece preocupante que algunos opinen qué libros hay que echar a la hoguera y cuáles no. O que algunos juzguen qué arte es digno de ser expuesto en un museo y que arte no. No les gusta cierto tipo de arte y quieren que éste no se muestre, o ni siquiera se desarrolle fuera de él. “Arte degenerado” llamaba Hitler al arte de vanguardia (Paul Klee, Pablo Picasso, Vincent Van Gogh, Marc Chagall…) Simplemente porque a él no le gustaba ese tipo de arte. Hitler pintaba en sus tiempos libres cuadros realistas de paisajes. Era el único tipo de arte que él defendía.
Coinciden los expertos en que esta crisis económica la hemos provocado entre todos. Todos hemos vivido por encima de nuestras posibilidades materiales: créditos, casas, más créditos, más casas. En definitiva, esta crisis no la ha provocado el sector cultural. Ni el dinero invertido en ella. Por eso la crisis no nos puede arrebatar ahora la cultura. La crisis no debe privarnos de la lectura de un libro tomado en préstamo de una biblioteca que se nutre de dinero público. Y no nos puede impedir acudir a un museo, a un centro de arte. Sería injusto. Y estúpido.

VIVA BIBAT

Al fin se ha abierto el Bibat. Un museo inicialmente proyectado para ser estrenado en 2006. Como soy vecino del lugar -vivo a pocos metros de él- he visto crecer a la criatura. Y cuando uno ve crecer algo, y que además crece con reveses, aunque sea un edificio, se le coge cierto cariño. Cuando robaron veintitantas toneladas de bronce, la sisada me fastidió. Fue como si me alguien me hubiese mangado la cartera en mi propio barrio. Después, el edificio sufrió inundaciones. Y por esa empatía vecinal sus humedades casi me producen reuma. En definitiva: retrasos y más retrasos. Pero por fin el niño problemático se ha hecho grande, parece listo y tiene buena planta. Y hace buena pareja con el Museo de Naipes. No voy a entrar en detalles si la pareja es homo o hetero. Que opinen los expertos.
Por otra parte el edificio viene con plazoleta incorporada. Así que ahora tenemos –por fin- una plaza en la Cuchi. Se agradece. Son los beneficios colaterales que generan a veces estas infraestructuras. Y es que el Bibat pone también sobre la mesa los fuertes contrastes existentes entre los espacios públicos y privados en el Casco Viejo: desde varios de sus ventanales podemos ver las destartaladas ventanas, patios interiores y balconadas de los edificios que lo rodean. Y si miramos hacia dentro vemos la impresionante arquitectura interna del edifico. Es como contemplar el día y a la noche con un mero giro de cabeza. Pero claro, es más fácil poner en pie una nueva infraestructura cultural, que conseguir que todos los habitantes del barrio vivan en condiciones.
Pero volviendo al tema: lo que no yo conocía era el interior del edificio. Y la verdad es que me ha sorprendido positivamente. Del exterior puedo decir que me parece inteligente. Esos muros recubiertos de placas dobladas de ese bronce traído de Alemania impiden a cualquiera realizar pintadas o pegar carteles sobre ellos. Porque no hay hijo de vecino que pueda colocar o pintar nada en unas paredes que tienen una superficie tan endiablada. Podemos afirmar que va a ser el único edificio de la Cuchi con las paredes exteriores limpias. Ahí el arquitecto se ha apuntado unos cuantos puntos. Por otra parte el uso de materiales pre-actuales, como la madera y, sobre todo, el bronce –algo poco habitual en la arquitectura de hoy en día- es un acierto. Porque son materiales que conviven en armonía con los utilizados en las arquitecturas del entorno.
Y sé que suele ser más pertinente hablar de los contenidos de un museo antes que del continente. Pero en este caso el continente me parece relevante. Porque en esta ciudad es muy difícil ver un edificio construido con gusto e inteligencia. De verdad que dan ganas de sentarse en una de sus salas y pedir a un maître inexistente que te habilite una mesa para ponerte a comer ahí mismo un menú estilo Adriá. Que un espacio sea amable, agradable y que te den ganas de usarlo, no son tareas fáciles de conseguir, hoy en día. Y Patxi Mangano lo ha conseguido.

DONUTS

Mil dos cientos millones de las viejas pesetas cobrará el arquitecto por idear y levantar el nuevo auditorio en Lakua. Y treinta mil millones de pesetas costará el edificio. No tendremos un edificio tan guay como el “Guggy”, pero si uno que superará al bilbaíno en un aspecto muy importante hoy en día. Le supera en precio. Somos tan chulos que podemos pagar más que los del Athletic. Para eso somos la capital de Euskadi.
Y en breve el arquitecto que quedó en segundo lugar en el concurso convocado para elegir el proyecto arquitectónico del auditorio, presentará un recurso al fallo del jurado. Porque el ingeniero contratado por el ayuntamiento para idear la acústica -contratado por un millón de euros- le puntuó con un cero patatero. El experto en sonido pencó a un total de nueve arquitectos con sendos “donuts”. Pero bueno, podría ser peor: podríamos tener nueve recursos en marcha, porque algunos de los concursantes tienen en su currículo varios auditorios construidos. Al menos, se merecían algún punto. Pero no: nueve “cerazos”. Uno de los cinco miembros que conformaban el jurado -jurado que cobraba sobriamente por valorar los proyectos presentados (900 euros)- calificó el procedimiento seguido de «disparatado». “Una persona aislada, sin contrastar sus pareceres, no puede calificar con cero a técnicos nacionales de gran solvencia y que, con la ayuda de peritos, podrán demostrar que su trabajo no es merecedor de esa valoración», sentenció. Y es que al final, el peso del veredicto recaía en el ingeniero de sonido. Era el único que podía valorar la acústica del proyecto. Veinte puntos eran suyos, sobre un total de ciento veinte. El resto de los apartados (40 puntos a la calidad arquitectónica, 40 a la funcionalidad, 20 a la congruencia económica) fueron valorados por un equipo de arquitectos. En definitiva: al final una persona contratada a dedo por el ayuntamiento movía la balanza del concurso. No me extraña que el arquitecto que ha quedado en segundo lugar esté mosca. Con una par de puntos del ingeniero (sobre 20), hubiera ganado. Se quedó a tan sólo 1,28 puntos de empatar con el vencedor. El PNV y el PSOE ya zanjaron en su día esta tontería de polémica diciendo que el concurso había sido “transparente, legal e intachable”. En fin, a ver qué piensan los tribunales de eso. Pero yo particularmente, espero no presentarme en mi vida a un concurso que sea tan transparente y tan legal como éste. Prefiero los concursos justos, aunque sean opacos e ilegales.
Pero una de cal y otra de arena: me parece acertada la iniciativa municipal puesta en marcha para reformar la plaza de los fueros, obra de Chillida, para –por fin- poderla apreciar tal como él la ideó. Porque no deja de ser –toda ella, la plaza en su conjunto- la “escultura” de Chillida más, cuando menos, ambiciosa por él realizada. Y es patrimonio de la ciudad. Veinte puntos para nuestro ayuntamiento, en este caso. Cero en el anterior. Recurran, si no les parece justa mi puntuación.

CRUZADA

La última batalla de la injusta cruzada contra la cultura del sector privado -cruzada emprendida por algunas administraciones públicas del Estado- se nos presenta disfrazada de nueva política de control de aforos. Esa artimaña la estrenó Gallardón en Madrid, pero nuestra ciudad vecina, Bilbao, ha importado la formulita: bajo la coartada legal se trata de continuar zancadilleando a las salas que programan música popular en directo. Y han dado en la diana, pues la música popular es uno de los escasos bienes culturales que todavía sigue en gran parte en manos independientes. Hecho éste que molesta en grado sumo a los que gustan de dirigir –y con mano férrea- la cultura desde sus sillones públicos. Y es así como deciden reducir el aforo legal de las salas hasta extremos grotescos, estrangulándolas hasta que su supervivencia económica es inviable. ¿Por qué no reducen el aforo de sus museos, salas de exposiciones o festivales de rock promovidos por ellos? La fórmula legal importada de Madrid ha caído esta vez como un mazo sobre el emblemático Kafe Antzokia de Bilbao. Lo han cerrado por un mes, pero en la práctica esos treinta días de bajada de persiana pueden suponer la clausura definitiva del histórico espacio cultural. Y, claro, no sólo acabarían con el Antzokia, también acabarían con todos los proyectos y actividades culturales generadas con la inversión de los beneficios obtenidos por el local: Kafe Antzokia de Ondarroa, la emisora de radio Bilbo Hiria irratia, el programa infantil Kurkuluxetan umegunea (escuela de artes escénicas, fiesta infantil todos los domingos, jornadas de música y teatro, etc.). Por supuesto, el resto de las actividades que se organizan en el propio espacio del Antzokia (conciertos, charlas, presentaciones de libros, de discos, talleres...) desaparecerían.
No hay otra explicación: la mayoría de las agresiones que lanzan ciertas administraciones públicas contra algunos establecimientos de ocio nocturno responden a una concepción del mundo rancia, premoderna y puritana. Los artífices de estos ataques creen, en el fondo, que las actividades que se desarrollan en bares, cafeterías o salas nocturnos de espectáculos las llevan a cabo delincuentes, drogatas o alcohólicos. Gente de la “mala vida” en general. Para ellos todo lo que se desarrolla en horarios no familiares es dudoso e inseguro. Porque son incapaces de aceptar cualquier iniciativa privada cultural nocturna si no puede ser controlada directamente por ellos. Y justifican sus agresiones como la simple aplicación de unas leyes supuestamente creadas en lor de la convivencia o de la seguridad ciudadana. Este es un modo de actuar belicoso que atenta contra las libertades del individuo, contra otros modos de vida distintos a los oficiales. Cualquiera que no se queda en casa a la noche abducido por la tele y viendo el canal del gobierno de turno está bajo sospecha.
Más información y algunas formas de ayudar al Antzokia en www.kafeantzokia.com

PASADO CERCANO

De joven, el pasado no existe. No se piensa en él. Se piensa, más bien se vive, el presente. Pero más tarde, bastante más tarde, ya entrando en la madurez, se mira hacia atrás, intentando leer en ese pasado. Intentamos analizar así nuestra juventud y el contexto en el que nos desenvolvimos. Lo que no deja de ser una forma de intentar comprender nuestro presente, nuestra realidad. Lo mismo sucede con lo cercano. De jóvenes no sabemos en qué contexto viviremos. Y si elegimos trasladarnos, vivir en otros lares, con el tiempo lo lejano indefectiblemente se nos pega al cuerpo, se convierte en cercano. Y, con la llegada de la madurez, poco a poco valoramos lo cercano, lo próximo. La madurez, si evitamos la subjetiva nostalgia, arroja perspectiva sobre lo cercano y sobre lo pasado. Porque la palabra madurez es sinónimo de sentido, conocimiento, criterio…
La segunda parte del proyecto de análisis e investigación sobre arte titulado “Conparada. Dispositivos-disposiciones (1993-2003)” y que estos días podemos visitar en la sala de la Fundación Caja Vital, no deja de ser un ejercicio de madurez de su comisario: el galerista Fernando Illana. Y también lo es la primera parte. Pues ambas muestras están unidas, son correlativas, intentando mostrar y explicar las producciones que una gran parte de los artistas alaveses pergeñaron en ese período de tiempo (1982-2003) junto a otros artistas que tuvieron algún tipo de relación con nuestro territorio. Como señala el artífice de “Conparada”: “Las obras expuestas no son, ni se presentan, como ilustraciones de una situación socio-política determinada, sino como presencia y testimonio de lo hecho en un tiempo determinado.” Y así es: en “Conparada” las obras presentadas funcionan como documento de una época, compartiendo por ello espacio con otro tipo de documentación: catálogos, carteles…, pues todos ellos (pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías, carteles, textos, catálogos…) son instrumentos que sirven para descifrar nuestro pasado y alumbrar nuestro presente. Porque está claro que toda práctica artística no puede desvincularse del tiempo y del espacio en la que se desarrolló. Y que todo pensamiento necesita de un soporte en el que plasmarse.
La primera parte de “Conparada” recogía el periodo comprendido entre 1982-1992. Y el libro que lo contextualiza está ahora disponible en la sala de la Fundación. Contiene caldosos textos de Fernando Sinaga, Antonio Rivera. Sara Glez de Aspuru, Daniel Castillejo, Juan Luis Moraza y Fernando Castro. Todos ellos tienen, o han tenido relación, con la cultura en nuestra provincia. Y la segunda parte de Conparada reúne obras de una treintena de artistas. Entre otras: esculturas de Mitsuo Miura y Fernando Sinaga; obras instalativas de Juncal Ballestín, Concha Jerez, Francisco Ruiz de Infante, Carmen Lopez Castillo, Néstor Sanmiguel; pinturas de Iñaki Cerrajería, Lourdes Vicente, Txaro Arrazola…

CAMBIOS

Se empieza a notar, máxime de puertas a dentro, la presencia del nuevo director de Artium. Por una parte ha transformado su despacho en una amplia e improvisada sala de reuniones; por otra, está incentivando en el seno de su equipo la creación de grupos de trabajo que empiezan a actuar sobre métodos de trabajo no jerarquizados. Es decir: Artium está abandonando esa fórmula de gestión premoderna mercada por la anterior dirección. Fórmula idónea para un Museo de Armas, pero completamente inadmisible al aplicarse al buque insignia de la contemporaneidad cultural y pública de nuestra provincia. Porque gestionar sobre modelos decimonónicos un centro que quiere ser rabiosamente actual es una absurdo imposible de digerir.
Y, ahora, el hecho de que la infraestructura cultural de nuestra ciudad con mayor recursos humanos y económicos empiece a replantearse su funcionamiento, buscando otras maneras de gestión, investigando sobre otros modelos de trabajo, quizás, más horizontales, no deja de ser una luz que se enciende en el horizonte. Esperemos que esta luz crezca, se afiance y se convierta en faro que nos señale a todos una ruta a seguir.
Porque el mundo de la cultura ha sufrido en los últimos años una serie de alteraciones que es necesario tratar desde los espacios dedicados a la producción y difusión del arte y de la cultura. Esto es: los Centros de Arte y Museos. ¿Y cuales son esas alteraciones que necesitan urgente atención? Resumiendo muchísimo podríamos decir que el foco infeccioso se centra en el uso por parte de los poderes políticos de la cultura como mero medio, como mero recurso, en aras de obtener rentabilidad electoral y económica. En el primer caso estamos hablando de la resonancia mediática que obtienen gracias a los grandes eventos culturales. Y en el segundo caso nos referimos al turismo cultural: se trata de utilizar el patrimonio histórico, urbanístico, social de una comunidad con el fin de atraer a consumidores culturales foráneos. Que venga mucha gente, que gaste mucho dinero y que se vaya contenta, sería la máxima a aplicar en estos casos. Las tiendas de los Museos se convierten en bazares de souvenirs, el turismo de sol y playa es sustituido por el turismo cultural. La cultura se democratiza, sí. Pero también se banaliza. Esa es la perversión. Hay que “entretener” al turista, y para ello hay que convertir el patrimonio cultural en un producto atractivo. Los museos "piensan mucho en sí mismos, pero no sobre sí mismos, decía el otro día el director de Artium. Y tiene razón: es necesario que todos y cada uno de los museos y centros culturales del estado, que son muchos, abran procesos de reflexión internos sobre su propia esencia, sobre los fines de su existencia. De la misma forma que los creadores, y creo que cualquiera que trabaja en el terreno de la cultura, se tiene que replantear continuamente cual es la finalidad de su trabajo. Por eso es interesante el nuevo giro que ha dado Artium con la llegada de su nuevo director.

FANTASMA

Montehermoso tiene goteras estos días. Pues le llueven críticas lanzadas desde la oposición. Hasta ahí, bien: es positivo que se critiquen desde diversos ámbitos las gestiones de los equipamientos culturales públicos. Pero las críticas, los argumentos esgrimidos en ellas, también pueden ser objeto de crítica.
Decir que en Montehermoso "es fácil ver luces encendidas varias noches seguidas así como puertas abiertas y otros detalles que ponen en tela de juicio la actual gestión" suena a crítica cinematográfica. De película de terror. Si eso es cierto, es de rigor llamar a los "cazafantasmas". Porque quizá tengamos un fantasma en dicho centro. El de algún artista vitoriano nunca expuesto en vida, tal vez, que vaga por las salas del lugar haciendo de las suyas. En serio: el problema que tenemos en el campo de la cultura local es que no se dan las críticas con fundamento. Habrá que ver si la recientemente creada Asamblea Amárica se ocupa de ello. Ya que es perentoria una crítica que surja del propio seno de la cultura. Porque las críticas de los políticos son predecibles: siempre quieren más público, más usuarios, más consumidores culturales. Ansían millones de visitantes. Y a eso le llaman "rentabilizar socialmente el centro". Como si la rentabilidad social de un equipamiento consistiera en las cantidades y no en las calidades. Una vez más se busca rentabilizar un equipamiento cultural a golpe de números. La educación y la cultura no se miden así, señores.
Ponen como ejemplo a seguir por Montehermoso la exposición de Sorolla en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Exposición muy visitada. Para museo ya tenemos el de Bellas Artes, señores. Muy abandonado, por cierto. Pero Montehermoso no es un museo... En fin, si desean más gentío conviertan a Montehermoso en un parque de atracciones, regalen abundante vino y viandas, y lo tendrán lleno. Pan y circo, como en la Roma clásica. Una vez más persiguen la resonancia mediática. No desean, señores, generar tejido cultural, pensamiento, cultura, sino consumidores agradecidos que les voten.
Estamos en época de elecciones. Época en la que los diversos partidos que presentan a las elecciones usan cualquier excusa para lanzarse piedras unos contra otros. Y estas críticas sobre la gestión de Montehermoso parecen formar parte de ese infantil juego. Porque no hay argumentos de peso en ellas
Lo que sí es criticable es la delegación de responsabilidades que está efectuando el departamento de cultura en Montehermoso desde su cambio del equipo gestor. Porque si han apostado por un centro de estas características –muy especializado, dedicado al género- el resto de los programas que antes se llevaban a cabo en Montehermoso deberían de realizarse fuera de él (cine, audiovisuales, tejido local...) O las asume el departamento de cultura del ayuntamiento u otras infraestructuras públicas de la ciudad. Coordinación, por favor. Y critiquen con fundamento.

MONTAÑITA

Sería fácil hablar de la polémica creada con esos nueve “ceros” de Toyota que han caído sobre sendos arquitectos que se presentaron al concurso de proyecto para el auditorio. Pero ahora mismo prefiero escribir sobre una frase: “el auditorio va a situar a Vitoria en el mapa”, opinaba nuestro alcalde. La verdad es que no es el primer político babazorro que esgrime razones similares para justificar grandes inversiones. Yo nunca he entendido esas ganas de que Vitoria sea una ciudad afamada. Las ciudades son como las personas: cuando una persona quiere darse a conocer por su capacidad para poder comprarse el coche, o el chalet, más “guay” lo único que consigue es hacer el ridículo. Y es que las ciudades no se sitúan en los mapas desde una alcaldía. Y menos por tener la capacidad de pagar el auditorio más caro del Estado. Una ciudad “está en el mapa” por otras razones. De diversa índole: históricas, económicas, sociales… Una ciudad está en el mapa de la misma forma que una cordillera o un río los están: por su tamaño, por su caudal. Ahora mismo escribo esto desde Barcelona. Y la verdad es que las comparaciones son odiosas... En el puerto Olímpico, paseando, me he topado con un barco cual cincuenta auditorios vitorianos. Simplemente, zarpaba. Después he visto una película en la pantalla de cine más grande del mundo. Al poco, he paseado por la avenida Diagonal y varios teatros anunciaban espectáculos de Monty Piton, Faumino y Cansado… Más tarde, me he tomado un cafetito en un local que data de principios del siglo XIX. Y suma y sigue... Meses son precisos para recorrer y conocer una ciudad “que está en el mapa” Y lo curioso que ninguna de las razones que sitúan a Barcelona en la cartografía mundial tienen en solitario la mayor relevancia. Es la suma de todos los acontecimientos diarios, pasados y presentes, de una ciudad la que la que convierten en una villa “situada en el mapa”.
Barcelona, Madrid son grandes “montañas”, incluso Bilbao. Vitoria, no. El auditorio de Vitoria, aunque lo multipliquemos por mil, es incapaz de igualar a una ciudad “situada en el mapa”. Esa es la realidad. Vitoria es una “montañita”, con un nivel de vida alto, con espacios públicos muy cuidados. Vitoria, en definitiva, es una ciudad en la que se vive bien. Y mejor si no tuviéramos tantos deseos de ser famosos. De verdad: no puedo entender es esa pretensión de intentar ser lo que nunca llegaremos a ser tirando de chequera. La zona histórica de nuestra ciudad, por ejemplo, está bien, pero es enana en comparación con Madrid o Barcelona. Y el pasado es imposible de cambiar. ¿Queremos un auditorio porque lo podemos pagar? Bien. ¿Queremos un tranvía porque lo podemos pagar? Bien. Pero nos hemos endeudado para un par de legislaturas para conseguir eso. Nunca habíamos actuado así. Crecer está bien, pero de forma sostenible. Sin sacrificar nuestro nivel de vida para intentar, infructuosamente, situarse en el mapamundi.

BAD BOY

No sé quién dijo que incluso los discursos más universales se formulan desde ámbito locales. Los enunciados son universales, pero locales en su emisión. Para que nos entendamos: Kant nunca abandonó Kanilingrado, la ciudad que le vio nacer, aunque eso no fue óbice para que su pensamiento se convirtiera en universal. Pero en el mundo de la cultura esto no suele ser así: el creador tiene que irse a una localidad de aires globales para que su discurso sea tenido en cuenta: New York, Londres, Berlín… Y saco este asunto a colación por hoy se inaugura la primera exposición individual de un vitoriano en Artium. Aunque ¡ojo! se trata de un vitoriano que vive en New York. Hablamos de Pepo Salazar, nacido en 1972 y antiguo integrante del grupo SEAC (Euskadiko Arte Kontzeptualaren selekzioa), tercer premio Gure Artea, becado por el MUSAC, CAM y Artium… Desde que Pepo realizó una performance ataviado con una camiseta con su currículo estampado, me fijé bien en su trayectoria. En aquella ocasión vació varios extintores en la galería Trayecto hasta que se hizo imposible ver dos palmos por delante de las narices de nadie.
En 2003 acudió junto con otros cinco jóvenes creadores vascos y españoles a la bienal de Venecia. Presentaron sus trabajos videográficos bajo el lema “Bad boys”. “En Bad Boys se han dado cita las más provocadoras propuestas artísticas y estéticas de la España actual, que responden a las nuevas formas de creación artística, donde las nuevas tecnologías no sólo sirven como vehículo de comunicación, sino también como objeto de reflexión del arte, sobre sus límites y repercusiones”, noticiaba en su día la prensa. Y este viernes podemos ver los últimos trabajos de Pepo, esta vez aglutinados bajo el lema “Walk among us” (“Camina entre nosotros”). “Walk among us” fue también el título de un disco de “The Misfits”, banda fundadora del subgénero “horror punk”. Su imagen terrorífica, la actitud provocadora, eran los rasgos característicos de este grupo. Las letras de sus temas se inspiraban en películas de terror y ciencia ficción.
Y entramos en la exposición: un muro de ladrillos, en la entrada, parece querer impedirnos el paso. Nos topamos con furiosos lemas rayados sobre cristales. Vemos mecanotubos colgados del techo, girando, con camisetas de grupos musicales que cuelgan de ellos mientras arrastran unos micrófonos que rozan el suelo y que originan así sonidos un tanto escalofriantes. Más al fondo, grandes fotografías muestran al autor realizando impetuosos performances. Una guitarra eléctrica pendida de una gigantesca rama de un árbol que atraviesa el muro... obras, todas ellas, salpicadas de guiños a las utópicas y entusiastas vanguardias artísticas de principio del siglo XX. Por entonces existía una fe en el progreso, en la tecnología, en el hombre. Por el contrario, la exposición de Pepo nos habla del estrepitoso fracaso de ese sueño, dando paso a la pesadilla. No hay en ello espacio para la nostalgia.

IN MEMORIAM

La comunidad del arte contemporáneo en esta ciudad es como una pequeña galaxia. Quizá en ciudades más grandes este hecho no se produzca tan acentuadamente. Pero en Vitoria, sí: artistas, gestores públicos y privados, teóricos… conforman una nebulosa unida por fuerzas de atracción y de repulsión. Fuerzas centrífugas y fuerzas centrípetas. Ambas necesarias para que la galaxia exista. La comunidad del arte es también comparable a una familia. Una familia unida por fuertes lazos, con miembros que tienen vida propia e independiente: hay primos que no se hablan, tíos lejanos siempre ausentes, hermanos que se adoran, hijos rebeldes, abuelos respetados… generando entre ellos una tupida red de encuentros y desencuentros, amores y rencores. Pero los desencuentros y rencores, no son tales: aparecen siempre atenuados, como velados. Pues esos lazos, los de la pasión por el arte, son intensos, siempre están ahí. Son lazos que se han ido tejiendo años tras año, proyecto tras proyecto, exposición tras exposición. Pocas veces se rompen, como mucho se estiran. Y cuando uno de los miembros de esta familia desaparece, un pequeño seísmo la sacude de arriba a abajo. Porque hasta el primo lejano está atento a lo que acontece en su familia. Cuando un miembro fallece, entonces es cuando esta realidad, la de la nuestra comunidad del arte, se hace más real. De los creadores siempre queda su obra, obvio. Dicen que el artista siempre busca inmortalizarse a través de ella. Yo no tengo claro que sea así. Ese deseo lo veo más presente en los museos, celadores y guardianes del hecho cultural. Pero sí tengo muy presente que el trabajo de un artista no sería inmortal sin la ayuda de los mortales: gestores, galeristas, directores de museos, aficionados, forofos, compradores, visitantes…. Sin la ayuda de buena parte de la sociedad, en definitiva. Aunque también es de rigor reconocer a cada uno lo suyo: unos realizan una labor más relevante que otros. Quizá por su militancia, por la pasión con la que acometen sus proyectos. Y la semana pasada desapareció una de estas personas: Emilio Melguizo. Emilio era delineante de profesión, y pergeñó con su hermano Joxerra y con su pareja Carmen López Castillo uno de los escasos proyectos enfocados hacia las prácticas artísticas contemporáneas que acogió Vitoria durante la primera mitad de los años 90. Estamos hablando de la galería CM2. El espacio acogió trabajos de Gerardo Armesto, Francisco Ruiz de Infante, Arancha Goyeneche, Txaro Arrazola, Pablo Milicua, Alfredo Álvarez Plágaro, Mintxo Cemillán, Josu Pena, Imanol Marrodan, Sonia Rueda, Anabel Quincoces, Dora Salazar, Manu Muniategiandikoetxea o Natalia Pastor. Fueron más de treinta exposiciones las que tuvieron lugar entre 1992 y 1996. Y cuando mostraba su trabajo la artista Juncal Ballestín, el espacio sufrió una inundación terminando por cerrar. CM2 y Emilio Melguizo forman parte ya de la historia de la cultura de nuestra ciudad.

CHASCO

De muy chaval solía ir al museo del Prado. Desde Vitoria, por aquel entonces, ocasiones sobraban para visitar el gran museo: me sumaba a alguna excursión organizada por la institución de turno. Me gustaba deambular por los pasillos del Prado, perdiéndome entre las salas, para reencontrarme con esas míticas obras. Obras mil veces reproducidas. Me quedaba absorto, cual papamomas, delante de “Las hilanderas”, escudriñando el cuadro hasta que veía girar la rueca de la hilandera. O arrimaba mi nariz a un palmo de “Los fusilamientos…” saboreando los “brochazos” de Goya para distanciarme al rato, remirarlo y pensar: “con cuatro pinceladas, ya está”. Con el tiempo fui espaciando esas visitas. Quizá porque el Prado cambió. Ahora es más mediático. Bueno, actualmente todo, absolutamente todo, es “más mediático”. Y, poco encanto, poco misterio, encierra lo mediático. Ahora, si te quedas mirando un buen rato “Las hilanderas” lo único que giran son los enjambres de turistas en tu cogote. Por otra parte, yo ya no soy ese mozalbete que aprendía a pintar en la escuela de artes de manos del acuarelista Carmelo Basterra, primero, y del artista Rafael Lafuente, después. Al poco mis excursiones al Prado dejaron paso a las visitas a la Feria de Arco o al Reina Sofía.
Pero estos días me están dando ganas de regresar al Prado. Porque uno de mis precoces mitos artísticos se ha ido al carajo. Porque la conservadora del Prado ha declarado que “El Coloso” de Goya no es de Goya. Durante años yo regando con mis babas el suelo situado debajo del susodicho cuadro, y ahora me entero de que ese Goya no es de Goya. ¡Cuánta baba desperdiciada! Se me ha quedado el mismo regusto que cuando de niño me enteré de que los Reyes Magos eran los padres. “El informe sobre el cuadro El Coloso, firmado por un equipo de investigadores del Museo del Prado, capitaneados por Manuela Mena, que argumentará que el lienzo no es obra de Goya, sino de su único discípulo reconocido, Asensio Juliá, ya está listo y terminado”, podíamos leer el otro día en la prensa. Y el director de la pinacoteca declaraba también que el Museo tiene la autoridad para decidir sobre la autenticidad o no de sus fondos. Ahí queda la cosa. Porque, como ya supondrán ustedes estimados lectores, también hay unas cuantas autoridades en la materia que declaran que el cuadro es auténtico. Pero sea un Goya o sea un remedo, el encanto se ha roto: que si la anatomía del coloso es chunga, que si uno de los jinetes que se cae de un caballo se desploma torcido, que si los toros pintados en la lejanía aparecen gibados… Han diseccionado el cuadro y le han sacado todas las posibles faltas. Lo que antes era una obra maestra, ahora es una cagarruta. Han derribado al coloso. La conservadora, emulando a David, le ha arreado a “Goliat” entre ceja y ceja. Y nosotros nos quedamos cual papamoscas asistiendo a este nuevo y mediático espectáculo.

LA MONTAÑA

Paul Cezanne, artista nacido en Francia en 1839, es considerado hoy el padre del arte contemporáneo. Al parecer Cézanne fue un tipo solitario. No salía demasiado. Ni tenía muchos amigos. Paul era muy meticuloso a la hora de trabajar, reelaborando continuamente sus obras, buscando eso que buscan muchos artistas: entender la realidad a través de sus obras. No es que fuera un perfeccionista de la técnica, es que quería intentar reflejar la verdadera esencia de la realidad. Y esa así como muchas de sus obras quedaron inconclusas. Las sesiones de Cezanne retratando a sus modelos eran eternas: el marchante Vollard, por ejemplo, posó para él en más de cien ocasiones y al final, Paul, no concluyó su retrato. Cezanne decidió, por lo tanto, dedicarse a plasmar la realidad más inalterable, centrándose obviamente en el paisaje y la naturaleza muerta. Desde 1886 se instaló en Provenza, alejándose del bullicio y del movimiento de París para buscar esa tranquilidad que necesitaba para crear. Solía pintar por los alrededores de Aix dónde se eleva la majestuosa mole calcárea de la montaña Sainte-Victoire. Sus mil metros de altitud -o más bien de inalterable serenidad- se convertirán en protagonistas principales de sus últimos trabajos. En 1901 Cezanne se compra un terreno para construirse un estudio cerca de ella. Y es así como acabará dedicándola entre apuntes, acuarelas, dibujos y óleos más de setenta obras. Porque Cézanne no pretendía realizar sólo una representación pictórica de la montaña. Al pintarla quería entenderla, quería hacerla suya. Y la montaña cambiaba cada día, o, más bien, cambiaba la luz, la atmósfera a su alrededor. Paul decía que no quería verla, sino escucharla. Cezanne, en definitiva, representa la mirada del hombre intentando alcanzar un diálogo con esa naturaleza que le desborda, que no entiende, que se le escapa.
Y hoy se inaugura una exposición en la Galería Trayecto que retoma ese diálogo entre Cezanne y su montaña. El artista vitoriano Joserra Melguizo ya no intenta representar el monte Sainte-Victoire. Porque Joserra sabe que actualmente no tenemos tiempo para sentarnos delante de una montaña para sentirla. Nos sentamos delante de un televisor y las imágenes cambian cada milésima de segundo. No hay quietud. ¿Cómo entender algo que fluye tan rápido? Vivimos sumergidos en el exceso: exceso de información, exceso de productos, exceso de mensajes. El mundo es complejo. No sólo complejo: es ininteligible. En cuanto al papel del autor, Cezanne, Van Gogh, Gaugin… se han convertido sólo en firmas. En firmas millonarias. Nadie se sienta delante de uno de los cuadros que elaboró Cezanne sobre su montaña para intentar escucharla a través de él. Uno se sienta delante para admirarse por el precio que alcanza “la montaña” en las subastas. De todo esto habla Joserra Melguizo en la Galería Trayecto. Una exposición que hay que visitar con tiempo, introspectivamente.

SOPORTE

Los ríos de la cultura fluyen por la ciudad. Otra cosa es que discurran a nuestro lado sin enterarnos. Y no me refiero al arroyo público, porque sobre éste nos informan bien: no hay más que echar un ojo a la prensa para saber qué peces nadan en las aguas del “oficialismo” cultural de nuestro territorio. En cambio, para estar al día de la cultura apartada de los circuitos al uso, para intentar enterarnos de lo que se pergeña a pie de calle, el asunto se complica. Y no lo digo pensando en este diario que están ustedes leyendo en estos momentos. Me refiero a las otras gacetas locales. O, para ser objetivos, me refiero otro rotativo local que no es éste. Pues al leer ese “otro”, parece ser que el arte y la cultura en esta ciudad se circunscriben a lo que se muestra en los centros culturales y museos de rigor. Y no sé muy bien por qué el susodicho diario local actúa de esa manera. No lo entiendo. No me cabe en la cabeza, por ejemplo, que periódicos foráneos como El País, o La Vanguardia, hayan dedicado más atención a la primera actividad de la asamblea de artistas Amárica (“Inmersiones”) que ese diario local al que me refiero. En fin, está claro que si alguien se quiere enterar de lo que realmente se mueve en esta ciudad, en la calle, va a tener que seguir comprándose esta gaceta y no aquella. O ambas. Tomen nota, señores de la “compe”.
La realidad es que, hoy en día, los medios de comunicación son el escaparate de la cultura. Y si éstos no son sensibles con el tejido cultural cercano, si no dan soporte mediático a las actividades que no cuentan con grandes apoyos económicos –y que, por lo tanto, no pueden invertir recursos en organizar grandes campañas de difusión- entonces se hace difícil que éstas sobrevivan.
Así que aprovecho para ofrecer un ápice de “soporte mediático” a tres actividades que creo de público interés reseñar. Por una parte, hoy en el espacio alternativo Zuloa (que, por cierto, en 2009 cumple diez años) se inaugura la exposición "La espuma de las noches, cuatro años de gráfica en Iguana”. En ella se pueden contemplar muchos de los carteles que el conocido bar ha ido editando desde hace casi un lustro para anunciar sus sesiones de DJ y conciertos. Por otra parte, mañana desde las diez y media, en la Sala Amárica, los artistas seleccionados para presentar sus proyectos dentro de la actividad "Inmersiones" continúan mostrando en vivo y en directo sus trabajos. La muestra se reforzará a media mañana con una presentación del Proyecto Anual Amárica por parte del Consejo del Proyecto Amárica y de la diputada de Cultura. Todo esto amenizado por un taller de camisetas y una máquina para currarse uno mismo “chapas Inmersiones”. Finalmente, Gauekoak, junto con la Asociación Atiza y Krea, por tercer año ha convocado un concurso de cómic destinado a los jóvenes mayores de dieciocho años y menores de treinta y cinco. El plazo se acaba el día veintitrés de este mes. Más información en el teléfono número 945 204009.

TÓPICOS

Los tópicos, los lugares comunes, tienen su relevancia, pues no dejan de ser resultado de un consenso, de una especie de saber compartido por todos. Los tópicos forman el armazón de nuestra cultura. Un armazón un tanto endeble, pensamos. Porque los tópicos parecen brotar solos. Quizá por eso los menospreciamos, pues solemos considerar que lo que surge sin esfuerzo no es relevante. Pero la realidad es que nuestra vida se asienta sobre tópicos. Algunos biológicos: respirar, caminar... Y otros culturales. Por cierto: sobre la índole de estos últimos versan estas columnas mías.
No deberíamos, en definitiva, tomar tan a la ligera lo tópico, lo obvio. Porque detrás de su máscara se esconde lo trascendente. Y ahora, hoy, tenemos un ejemplo claro: con el año nuevo, durante unos días, nos planteamos –o nos plantean- posibles cambios, mejoras, en nuestras vidas. Como si el año que comienza fuera un camino nuevo que recorrer. Y miramos atrás buscando distancia, perspectiva para analizar el año anterior. Tópico ¿no? Sí, pero lo provechoso en este caso es pasar página en cámara lenta, no saltar sobre ese lugar común tan conocido, y aprovechar su inercia para realizar una siempre necesaria labor de introspección, de revisión, de balance, que posibilite esa mejora. Este síndrome “fin de año” que sufrimos anualmente por estas fechas no deja de ser, en el fondo, una pequeña crisis personal compartida y vivida por todos nosotros. Aprovechémosla. Nos servirá para afrontar otras. Y las ciudades deberían de hacer lo mismo. Pero por contra, es estas fechas, la mayoría de nuestros dirigentes políticos saltan por encima de esos necesarios procesos de revisión y crítica para instalarse en la autocomplacencia. A pesar de ello en la Vitoria cultural el año nuevo arranca esperanzador, casi idóneo, para la creación: nunca antes el dispositivo cultural de nuestra ciudad estaba tan completo y sintonía. Las fichas encajan como un rompecabezas. Las infraestructuras culturales de la ciudad -Montehermoso, Krea, Artium y Amárica- parecen estar destinadas a complementarse. Porque son proyectos disímiles. No hay solapamientos apreciables a priori. Este año lo veremos. Quizá sería fundamental que los gestores de dichos equipamientos se sentaran a dialogar. No uno con otro, y otro con un tercero o cuarto. Sino todos juntos y entre ellos.
También es verdad que no todo son luces en el paisaje. Hay sombras. Y de las negras. Verbigracia: ¿qué pasa con la normativa municipal que exige que el 2% del gasto en obras públicas se invierta en arte? De veras, este asunto sí que es un tópico. Pero de los chungos. Porque se han pasado esta norma por debajo de los sobacos durante muchos años, ya. Y hemos reclamado en mil ocasiones su cumplimiento. Soluciónenlo este año, por favor. Es su obligación. Y, si no, elimínenla de una vez por todas. Porque su quebranto continuado y persistente es un insulto para la ciudad.

SIN FLOR

Allá en el año 1942, Don Sebastián Ocón abrió una cantina en la calle Chiquita número 1 de Vitoria. Según consta en los archivos municipales en la hoja número 2 de la Sección de Contribuyentes, Industria y Comercio, figuraba como gremio de cafetines, con la tarifa primera, clase 5ª, número 3, y con una cuota contributiva anual de 673 pesetas y 15 céntimos. Don Sebastián era natural del pueblo riojano de El Redal y estaba casado con Esperanza, asturiana ella.El cafetín, en aquello años, no tenía calificativo: se le conocía como “Casa Sebastián”. Sebastián solía indicar que no era preciso ponerle nombre “con tener uno un buen carácter, ser amable, y sobre todo vender buen vino, lo demás lo harán los clientes”, explicaba. Años después el cafetín es traspasado a Valentín Díaz, que estaba casado con Florencia Bretón López (“la Flor”), también natural de El Redal. Es entonces cuando Valentín lo bautiza, en deferencia a su esposa, como “La Flor de la Rioja”.Encima del mostrador de la “Flor”, sobre unas baldas, unos muñequitos de madera pintados con los colores del equipo de fútbol al que representaban, quedaban ordenados según quedaban clasificados en cada jornada futbolística. Y después de más de cincuenta años, todavía Miguel Vivas el “tasquero” seguía con esa tradición. Pues aunque el bar cambió con los años varias veces de dueño, todos siguieron manteniendo ese entrañable ordenamiento futbolístico. Y la vieja, pero fiel clientela, hasta hace cuatro días realizaba su diaria visita a “la Flor”, obligada por la tácita ley no escrita del chiquiteo o del porroncillo. Fácil era ver en la clásica tasca a miembros de la antigua plantilla del Alavés: Iturrospe, Coque, Ayerbe o Fernando Montero. Y digo “hasta hace cuatro días” porque el pasado sábado la “Flor” murió enterrada entre escombros tras ser derruido, por orden municipal, el edificio ubicado en el número 5 del cantón de Santa María. Así es: uno de los bares más antiguos de Vitoria ha sido derribado. Un espacio que ser conservaba tal como era hace sesenta años. Un espacio que formaba parte de la biografía de la ciudad. Pero no importa: desaparecido una parte de la memoria viva de Vitoria la perspectiva para admirar la trasera de la catedral Santa María ha mejorado. Suponemos que en el espacio que antes ocupaba la “Flor” ahora se construirá una plaza para que los turistas puedan extasiarse contemplando la bella trasera de nuestro templo por excelencia. Mala suerte, “flor de la… memoria”. Brotaste en mal sitio. Si hubieras echado tus raíces unas calles más abajo, te hubieras salvado. Pero no pensemos mal: desde la Agencia de Renovación Urbana de Vitoria se insistía en la necesidad de derruir el bloque por el «peligro existente para la seguridad pública», aclaraba su gerente. «La reforma no era viable económicamente. Según la normativa urbanística no se justificaban los elevados costes», insistía. Muy razonable, muy lógico. Regar “la Flor” de la memoria no es rentable… económicamente.

ENCADENADO

Krea, junto a la asociación de historietistas Atiza, está poniendo en marcha estos días una serie de actividades en torno al cómic. Cómic, tebeo, historieta, novela gráfica… distintos nombres para nombrar el mismo medio. Un medio que todos dicen conocer, pero sobre el que pocos están realmente al tanto. Pues el cómic es ignorado, marginado por la mayoría de los centros culturales de este país. Personalmente siempre me han maravillado sus valores. Un historietista es capaz de crear todo un universo narrativo usando sólo su mano, un papel y un lapicero. Con poquísimos recursos, el hacedor de cómics puede narrar con imágenes lo que quiera.
Y en Krea, en Postas 17, siete artistas están pergeñando, uno tras uno, una gran tira de cómic encadenada. Un trabajo en equipo. Hasta este viernes 19, los artistas están dibujando su viñeta en vivo y en directo. Uno continúa la historia por donde el anterior la ha dejado, hasta completar así una historieta compuesta por ocho viñetas, con una única repetición de autoría: la del artista Ernesto Murillo, alias 'Simónides'. Éste comenzó la tira el primer día y es también el encargado de terminarla. El resultado puede verse, hoy mismo, en la sede de Krea.Quienes colaboran en este cómic colectivo son historietistas perteneciente a distintas generaciones. El más veterano es el propio 'Simónides', un navarro nacido en 1952. Publicó sus primeras historietas en la revista Star a finales de los setenta. Después ha colaborado en las revistas Euskadi Sioux, El Víbora, Makoki, Harakiri, Habeko Mik, TMEO, del que fue uno de los impulsores iniciales, y Ardi Beltza entre otras, y en los periódicos Egin, Navarra Hoy y en el suplemento “Zazpika” de Gara. Al día siguiente, a 'Simónides' le siguieron las ideas y los trazos de 'Mundina', y el viernes fue el turno de Juan Luis Díaz de Corcuera (Vitoria, 1964), que firma como Juan Luis o como “Perrodedo”. El historietista alavés es autor de “Antxon” y ha trabajado en múltiples revistas y algunos periódicos, a lo que se une su trabajo como artista plástico. Su estilo es muy personal, muy identificable: dibujos simples y expresivos, conformados por líneas geométricas, puntiagudas, bañadas en un humor surrealista y un tanto salvaje.
Y la historia continuó con Gonzalo San Martín, un joven dibujante de cómics e ilustrador. Gonzalo (Gon) comenzó realizando tiras de prensa en el Diario de Noticias de Álava. Desde entonces, sus viñetas de estilo actual se han teñido de diversas influencias: el manga, el anime, los videojuegos, el diseño gráfico… La savia fresca y juvenil corre también a cargo de María Jesús Hernández ('Chusa'), una dibujante cuya forma de hacer bebe del manga, la ciencia ficción y el rol. El miércoles y el jueves dejaron su sello los autores Sayo Abanzabalegui y Francisco Javier León, Y hoy, en estos momentos, como ya hemos dicho, 'Simónides' retoma de nuevo el mural para cerrar la incógnita de esa historieta.

MITO

Patti Smith lleva días en Vitoria. Con su raído abrigo negro, sus vaqueros desgastados y sus botas de cowboy. El mismo aspecto desaliñado desde hace décadas. Patti fue en los años sesenta pareja sentimental del fotógrafo Mapplethorpe. Él sacaba fotos y ella escribía poemas. "Como no teníamos dinero ni mucho sitio, hacíamos toda la vida en la cama. Allí dormíamos, bebíamos, escribíamos, soñábamos, nos colocábamos y hacíamos el amor", cuenta. En 1975, con el apoyo de Bob Dylan, sale a la luz su primer trabajo: “Horses”. Se convierte en el pistoletazo de salida para el punk. Con treinta años Patti se coloca en el firmamento. La cantante deseaba parecerse a Keith Richards –al poco fueron amigos-, fumar como Jeane Moreau, andar como Bob Dylan y escribir como Arthur Rimbaud. En 1978 ocupa la portada de la revista Rolling Stone: rabiosamente andrógina, sudorosa, despeinada y con una blusa transparente. Patti se transmuta en icono cultural. Aunque ella siempre dice “"No soy la abuela del punk. Eso es una estupidez. Yo me considero una artista y sobre todo una currante". La sexagenaria cantante actualmente viaja y expone en medio mundo. "Soy viuda, mis hijos son mayores y vuelvo a sentirme tan libre de responsabilidades como cuando tenía 20 años”, declaraba hace unos meses. Estos días podemos comprobarlo en Artium: un gran despliegue de sus dibujos y fotografías llenan varias paredes de nuestro centro de arte. La muestra se completa con un área de documentación que recopila su discografía, sus libros de poemas… y un documental sobre su vida: “Dream of Life”,Lo más interesante de esta exposición de Patti Smith no es la toma de contacto con su obra pictórica o fotográfica, sino sumergirnos en su vida, en su personaje. En el mito. Sus dibujos, las fotografías, tienen algún interés, sin duda. Pero más que un material de acercamiento a su figura, se nos presentan como materia de ocultación: el mito se esconde detrás de esas obras. Porque la mayor aportación de Patti Smith a la cultura contemporánea es su propia vida, eso es indudable: la construcción de un personaje, la forja de una leyenda, su música, su militancia en muchas causas... Es por eso que los materiales dedicados a documentar la biografía de la autora (mostrados como “segundo plato”) son realmente los protagonistas indiscutibles de la muestra. Aunque la intención de la artista, o de la persona que ha comisariado la muestra, no sea esa. Patti quiere exponer en un museo como fotógrafa, dibujante, artista… cuando precisamente ella no necesita esos medios para constituirse en creadora. No podemos obviar que en la actualizar los museos se nos ofrecen como espacios que muestran modos de vida, productos inmateriales de nuestra sociedad, y no sólo obras de arte. Entiendo que Patti Smith necesite crear para mantenerse activa. Y entiendo que use ese material como escudo: ella no quiere ser un icono cultural. Quizá desde estas premisas se puedan entender mejor sus dibujos y fotografías.

PÍLDORAS

La asociación de dibujantes de cómics “Atiza” presentó el otro día sus actividades para este último trimestre. Rebobinemos: esta asociación anunció hace meses que bajaba la persiana del festival anual “Crash Cómic”, evento que, desde hace un lustro, tenía lugar en Vitoria. Evento dedicado a la historieta que nació con el propósito de arrojar una mirada reflexiva sobre el medio del cómic. Desde el primer Crash, en 2003, Atiza apostó por crear una línea de actividades marcadamente culturales. Y con ese convencimiento éstas se desarrollaron bajo el formato de festival, pero lejos del trillado sendero ferial recorrido por todos los demás festivales. Queriendo así subrayar una realidad: el cómic es un producto cultural equiparable al resto de las prácticas artísticas (cine, teatro, literatura). Por lo tanto, debería ser divulgado bajo un formato digno. Pues normalmente los eventos relacionados con el cómic, incluso con el libro, son bastante “barraqueros”. Y así “Crash Comic 03” trató las relaciones existentes entre los dibujantes actuales y los de la “escuela Bruguera” de nuestra niñez. En 2004 Crash puso en marcha un intercambio cultural con la ciudad de Buenos Aires: dibujantes argentinos vinieron a Vitoria para mostrar sus trabajos, y dibujantes de por aquí viajaron hasta la capital argentina con el mismo propósito. En 2005 Crash acomete un profundo estudio del cómic realizado en Álava en las tres últimas décadas. En 2006 este estudio se extiende a todo el País Vasco. Y en 2007 se dedica el festival a las mujeres creadoras en el cómic.
La realidad es que Crash fue menguando paulatinamente, pues cada edición contaba con menos apoyos. Se constaba así una realidad: no se entendía, ni se entiende, que el cómic es un medio legítimo, y que nuestra ciudad aloja el mayor índice de dibujantes y guionistas por habitante del Estado. No aprovechar ese potencial, es absurdo.
Por esa razón ahora Atiza reinventa Crash, con el apoyo en solitario del Gobierno Vasco, creando un marco más flexible que permita desarrollar actividades de promoción de la historieta sin estar sujetos al formato de Festival. Y así Crash muta, porque a partir de ahora Atiza apuesta por las “Píldoras Crash”: actividades sobre el medio historietístico que se programan durante el año, dúctiles y abiertas a la colaboración de otros colectivos e instituciones. Estos días los de Atiza han puesto en marcha una campaña de animación a la lectura de cómics por medio de un cartel dibujado por el historietista alavés Kini. El cartel lleva el lema “Lea cómics”. Y viajará al Salón de Cómics de Getxo y a la feria del libro de Durango. Por otra parte han convocado el Concurso de Cómic Juvenil Crash bajo el amparo del programa de ocio nocturno Gauekoak. Y editarán un libro que recoge 100 portadas de la revista TMEO. Píldoras, todas ellas, que quieren servir para “vitaminizar” y “mineralizar” el débil medio comiquero.

HUELLAS

La ciudad es un espacio ocupado por el arte. Pocos son conscientes de ello. Paseamos por las calles con prisa, sin mirar, sin ver. Creemos que el arte sólo está en los museos, o en las salas de exposiciones. O en las estaturas que nos colocan en las plazas. Y no es así: graffitis, carteles, pintadas, pegatinas, plantillas… inundan –o más bien, calan- nuestra urbe. La mayoría pasan desapercibidas, porque se integran en la ciudad, se mimetizan con ella, como camaleones. No quieren competir con otros elementos, sino buscar un hueco, pasar desapercibidas, buscando la complicidad de los transeúntes más observadores. De esta forma -en las paredes, en los suelos, en los escaparates y entre el mobiliario urbano- podemos encontrarnos con pequeñas, pero inteligentes, joyas. Merece la pena hacer un día un esfuerzo por salir a su encuentro. Porque algunas de ellas nos incitan a la reflexión. ¿Acaso no es ese el fin de toda práctica artística que se precie?
Y estos días el foráneo artista Juan Aizpitarte ha visitado Vitoria para “contaminar” con sus pegatinas diversos espacios de nuestra ciudad. Ha impartido un curso: “Signos sobre signos". Unas jornadas con formato de taller que han versado sobre las relaciones entre urbanismo, creación contemporánea, diseño y graffiti. Como base de trabajo se ha utilizado en el taller su libro "Brote". Un libro de pegatinas, de adhesivos, que en su versión digital ha permitido a los alumnos reeditar sus contenidos –esas pegatinas- para componer con ellas nuevos significados. Los ejercicios prácticos se hicieron con ordenadores, manualmente y los resultados –algunos de ellos- han salpicado algunos puntos urbanos de Vitoria. Y, por otra parte, el proyecto de este artista también ha adoptado un formato expositivo, pero huyendo de lo institucional. Y es así como podemos visitar tres espacios alternativos de Vitoria en los que “brota” el proyecto “Brote”: Zuloa Espacio, el bar Gora y la cafetería Plaza. Tres espacios que por segunda vez aúnan esfuerzos para coordinarse entre sí y crear un pequeño entramado alternativo que sirva para acoger propuestas relacionadas con el arte y la cultura, en cierta manera, disidentes.El ser humano necesita dejar su huella en todo aquello que quiere, que necesita, controlar. De la misma forma que el hombre prehistórico usaba un primitivo espray –una caña, o la propia boca, con la que pulverizada sangre- para imprimir el negativo de su mano sobre las piedras de las cuevas en las que habitaba, el hombre contemporáneo sigue necesitando dejar su sello sobre la “gran cueva” que es la ciudad. Dejar tu huella sobre la dureza de la materia que te rodea para que aquella perdure unos días, unos años quizá, es una forma de vencer simbólicamente a todo aquello que nos supera. “No eres tan importante, porque te puedo marcar con algo mío”, parece decir tanto el graffitero prehistórico como el actual al imprimir su marca en las paredes urbanas.

LA DIFERENCIA

Al mundo de la cultura le atrae la diferencia, lo que se sale de la norma. No cree que lo habitual, por el simple hecho de serlo, sea preferible a lo “no normal”. Recuerdo una cita de Nietzsche que decía algo así: “cuando la locura es generalizada, cuando es compartida por todos, pasa por norma”. Así que no podemos fiarnos de que lo “normal” sea lo adecuado. Los defensores de la norma pueden equivocarse. Pero el estado no piensa así. Por eso intenta normalizarnos. Sólo perdona la diferencia cuando la necesita: en las ciencias, en la artes. Aunque, eso sí, intenta controlarla. Pero en el terreno educativo no perdona, es curioso. Y hablo esto porque estos días podemos hemos podido leer varias noticias que versan sobre educaciones “no normales”, no regladas. Por una parte en Donostia dos padres profesores, católicos, estuvieron a punto de ir a juicio por elegir educar a sus hijos en casa. Se les imputaba delito de desobediencia a la autoridad y delito de abandono de familia. En España, como en la mayoría de los países, la constitución otorga el derecho de los padres a elegir la educación que consideren adecuada para sus hijos. Pero la ley, paradójicamente, no reconoce expresamente otras opciones educativas que no sean las oficiales. A pesar de que, obviamente, los padres pueden decidir no delegar la educación en otras personas si lo consideran adecuado, Por lo tanto, existe un vacío legal: la educación en casa no está regulada. Hay que tener en cuenta que las familias que optan por la educación en el hogar lo hacen por razones religiosas o ideológicas. Otras consideran esta alternativa la más adecuada para la adquisición de conocimientos para sus hijos. En cualquier caso, los tutores legales de estos niños y niñas, eligen esta opción porque creen que pueden ofrecer una educación mejor si no la delegan a las instituciones escolares. En EEUU, por ejemplo, esta opción es reconocida por el estado.
Y en el pueblo de Troconiz cerca de 65 niños permanecen escolarizados en un centro sin autorización, anunciaba pirotécnicamente la prensa el otro día. Más de lo mismo: unos cuantos padres han elegido otro formato educativo para sus hijos y a las autoridades ese modelo les parece “anormal”. Aunque se trate de un modelo centenario: una escuela Waldorf, laica, basada en la gestión compartida entre padres y profesores. Un modelo cimentado sobre en la divergencia y la creatividad, que no fomenta la competencia sino la superación de cada uno frente a sí mismo en beneficio de todos. Los niños de todos los grados tejen y fabrican muchas de sus ropas. Desde primer grado aprenden alemán e inglés, tocan la flauta, desde 3º el violín. Y realizan actividades de escultura, pintura, tallado de madera y carpintería. Quizá a algunos ese sistema educativo les parezca extraño, sectario. A mí, por el contrario, me parece más extraño el modelo oficial, en el que yo, todos, hemos sido educados.

CRISIS

La palabra “Crisis” está, estos últimos meses, en boca de todos. A fuerza de repetirla, podemos componer ya una balada. Y no quiero dar ideas. No sea que algún cantante avispado me acepte el envite y se forre a cuenta de poner notas al trance económico. Y, digo “económico” porque monetario es, en apariencia, el fuerte apuro que estamos pasando. Apuro que oculta otros a los que nadie presta atención y que son de naturaleza cultural, moral, intelectual… Pero esos apuros no hacen vender periódicos.
Y hablo de esto porque algunas personas próximas me han preguntado: ¿afecta la crisis económica a la cultura? Pues bien: la respuesta depende de lo que entendamos por cultura. Porque si al contestar tenemos en mente la acepción industrial del término, la respuesta sería “sí”. Pues obvio es que si la gente tiene menos dinero dejará de ir al cine, o de viajar para visitar tal o cual museo. Con lo que la cultura, entendida como recurso económico, pasará malos momentos. Por otra parte si las instituciones públicas tienen que apretarse el cinturón, tirarán de tijera en lo referente a cuestiones culturales. Pues se entiende que éstas son aderezos, asuntos unidos al ocio.
Retomando la pregunta de líneas anteriores (¿Ha afectado la crisis a la cultura?), pero esta vez pensando en la cultura entendida como conocimiento, la respuesta sería “no”. O más bien la respuesta sería: “Ha sido la incultura la que ha producido esta crisis”. Porque si reflexionamos un poco nos daremos cuenta de que este trance es producto de la falta de conocimiento, de la ignorancia de una sociedad cimentada sobre meros valores económicos. Desde el banquero enloquecido por aumentar las ganancias de su empresa, hasta el burgués medio que se ha endeudado hasta las cejas viviendo por encima de sus posibilidades –y especulando dentro de ellas- todo el mundo ha propiciado esta crisis. Globalizados en el pensamiento simple de “tanto tienes, tanto vales”. Pues bien: el globo ha estallado.Vivimos en un mundo en el que uno se cree muy listo por poder costearse a golpe de crédito un BMW de lujo, cuando realmente no sabe cómo funciona esa máquina que le transporta a velocidad de vértigo. Pues bien: el BMW ha cascado. Se ha estropeado. Gran crisis. Pero lo preocupante es que todavía nos alarmamos por saber qué ha pasado con el BMW. Qué pieza ha fallado del motor. Cuando la pieza que ha fallado está en nuestra mente. Lo que ha sucedido es que no nos hemos dado cuenta de que se viaja mejor a pie y mirando el paisaje. Que quizá sea mejor irse a la biblioteca a leer libros antes que comprarse a crédito una pantalla de plasma de cuarenta pulgadas. Porque, señores, no hay crisis económica que me impida disfrutar de la lectura de un buen libro. Preocúpense, ergo, de invertir más dinero en cultura. De la real. No dela festivalizada. Y esto no volverá a pasar. “Tanto sabes, tanto vales”, esa máxima es la que hay que transmitir.

REHILANDO

Un fanzine es una publicación realizada por y para aficionados. Sus intereses no son económicos. Funciona gracias al desinterés y entusiasmo de sus colaboradores, usando medios de edición de bajo costo y vendiendo el producto a un precio que permita cubrir los gastos. Los años setenta y ochenta fueron su época dorada. Por entonces no existía internet, obvio. Así que los fanzines se usaron como canal de comunicación entre colectivos de todo tipo: sociales, culturales, políticos... Su forja, trabajando en equipo y a pie de fotocopiadora, ya era en sí una forma de socialización. Servían, ergo, de “pegamento social”. Y permitían, a su vez, la conexión con la sociedad distribuyéndose, en precario, por bares y librerías. La palabra “fanzine” era sinónima de independencia, de amateurismo, de expresión libre. Por estos lares, recordamos fanzines setenteros como “Euskadi sioux” y “Araba Saudita”. Y los ochenteros, y más dedicados al cómic, “Copyright” y “Octopus”. Por no hablar del “TMEO”. Pero el fanzine sigue gozando de buena salud. Ahora mismo entre mis manos tengo uno recién editado: lo acabo de conseguir en la librería Zuloa. Se llama “Hari gorritxuak”. Su estética es muy similar a la de los fanzines de antaño: impreso en monocromo, grapado a caballete, cubiertas sencillas. La breve editorial dice así: “Esta nueva edición de ”Ensoñaciones Tobogán” recoge y agrupa algunos de los materiales que ha ido generando, o que se han hallado en el proyecto de investigación “Hilos Rojos”. Sin orden ni categorías, estos datos se presentan como un cruce de impulsos creativos, como un magma todavía caliente.”
“Hilos rojos” es un proyecto del artista Fito Rodríguez conformado por tres vídeos documentales. Vídeos que almacenan los testimonios de algunos representantes de la actividad cultural de Vitoria y que recogen, en definitiva, un trávelin de los treinta últimos años de la vida de nuestra ciudad. Pero de una forma muy personal, para nada historiográfica. En línea con la tradición oral. Entendiendo ésta como el registro del pasado confiado a la memoria y la transmisión oral entre generaciones. Porque antes del desarrollo de la escritura, la tradición oral, los ritos, las costumbres y el arte, eran los únicos mecanismos que permitían la transmisión cultural de una generación a otra. Con el invento de la escritura el registro de la historia –y su manipulación- pasa del pueblo a los escribas. Por eso es interesante volver a recuperar el testimonio de los propios protagonistas, o espectadores, de la historia. Como señala Fito: “El objetivo del proyecto es retomar ciertas energías, dinámicas, actitudes y procesos de trabajo para buscar su reconexión con una institución cultural cada vez más compleja, apelando a su capacidad de incidencia social. Se trata de reconectar esos hilos rojos que en algún momento quedaron cortados a través de la puesta en valor de ese bien común que son las experiencias personales y colectivas de nuestra ciudad”

ASAMBLEA

Tres espacios (Sala Amárica, Archivo Provincial y Casa de Cultura) dedicados a la exhibición de obras contemporáneas se gestionarán por una asamblea. El departamento de Cultura de nuestra Diputación ha sido audaz al apostar por este modelo. De funcionar, va a ser todo un referente. Y es que implicar a los creadores en las políticas culturales de una forma activa, con posibilidad de programar, mojarse... es, cuando menos, una decisión digna de encomio. Espacios gestionados por artistas, existen en otros lares. Pero son iniciativas surgidas del seno de los colectivos de creadores. En este caso la idea brota de arriba: ha sido la propia institución la que ha llamado a una serie de artistas para encomendarles la gestión de un presupuesto y de unos espacios. Por ahora, el grupo inicial de creadores invitados por la “Dipu” ha pergeñado un proyecto que ya ha sido aceptado por la institución. Y posteriormente han convocado a todo posible interesado a una cita asamblearia con el propósito de elegir, entre todos y de entre ellos, a un pequeño equipo. Equipo que tomará las riendas del proyecto. Es decir: gestionará. A bote pronto esa decisión, la de abrir la puerta de la Asamblea a todo quisqui, puede parecer acertada. Pero a mí me parece un error. Un error que se puede enmendar. ¿Alguien vería como un logro la aventura de un hospital gobernado por una asamblea abierta? No creo que un presupuesto destinado a la creación contemporánea tenga que ser gestionado por cualquiera. Nadie viajaría en un avión en el que el piloto ha sido elegido por y de entre los viajeros. Aún teniendo el mejor avión y la mejor hoja de ruta trazada. Se elige a un buen piloto vía oposición, con su currículo encima de la mesa y unos expertos examinándolo. Lo que quiero decir con estos ejemplos es que el dinero público debe ser gestionado por gente capaz. Y repartir una responsabilidad entre más gente (Asamblea abierta) no significa que la gestión vaya a ser más acertada, sino todo lo contrario. Pero el problema de esta ciudad es que el colectivo de artistas no es tal colectivo. Aún no tienen bagaje asociativo. No deberían de haber aplicado una política tan populista como “que el que quiera venga a la Asamblea”. Sino que ese grupo inicial de treinta personas, capaces de elaborar un Proyecto de gestión –digno, porque lo conozco- y en un tiempo record (tres meses) debería de haber asumido la responsabilidad de llevarlo a buen puerto. Abriendo la Asamblea sí, por supuesto. Pero en base a unos criterios: gente con bagaje, jóvenes con potencial, artistas validados por el medio… algo. Pero todos aprendemos a base de caer y levantarnos.
Si queremos una gestión eficaz, que pueda ser, por lo menos, equiparable a las de otros espacios foráneos dedicados a las prácticas artísticas contemporáneas, en esa Asamblea tienen que estar las personas más validas del arte actual local. Y no todo aquel que quiera. Calidad y no cantidad, por favor. Rectifiquen, señores asamblearios. Es de sabios.

COINCIDENCIAS

Vivimos unos días moviditos en lo cultural. No en lo referente a eventos, inauguraciones y tal, sino en lo que atañe a la gestión de ciertas infraestructuras culturales. Por una parte Daniel Castillejo ha sido nombrado director de Artium. Por otra, el departamento de Cultura de la Diputación ha anunciado la reapertura, tras un cierre de cinco años, de la emblemática Sala Amárica, que fíjense que carambola, fue dirigida durante casi quince años por Daniel Castillejo. Y en breve se reabrirá bajo un nuevo formato: gestión asamblearia. Curiosamente Amárica se abre a finales de los ochenta como resultado del trabajo de una serie de artistas que bajo el sello de la Asociación de Artistas Alaveses reclamaron una sala de exposiciones para la provincia dedicada al arte contemporáneo. La sala se abrió, pero el grupo se disolvió poco después. Pues bien, veinte años después una asamblea de artistas se encargará de gestionar la sala. Es como si el presente hubiera querido saldar cuentas con el pasado: el gestor de Amárica al frente de Artium, los artistas al frente de Amárica.
Y curiosidades del destino aparte, creo que el futuro nos depara -en la escena de la cultura de nuestra ciudad- tiempos, cuando menos, estimulantes. Quizá estén al caer, por lo tanto, momentos chungos para mi columna. Porque las críticas negativas siempre son devoradas con más interés que las positivas.
Castillejo al frente de Artium, con un equipo de trabajo que le aplaude cinco veces cuando es elegido, y con una escena artística que le apoya, puede hacer mucho por reactivar nuestro débil tejido cultural. Debería de haber sido elegido “dire” el día que Artium abrió sus puertas. Pero esperemos que podamos recuperar el tiempo perdido. Parece ser que desde la Diputación ya se han dado cuenta que los directores estrella lo que hacen es estrellar a los museos. Y que lo que hay que valorar de un director es su cercanía, capacidad de diálogo y ganas de trabajar para la ciudad. Ya sabemos que nadie es el director perfecto de nada, y Daniel Castillejo no lo es, pero es que él lo sabe. Y también es consciente de somos legión los que pensamos que los museos y centros de arte contemporáneo no deben ser gestionados en base a un sistema jerárquico; esto es: director, subdirector, etc. sino de modo más horizontal, más participativo, más contemporáneo. Dejándose teñir por la sociedad en la que se insertan. Artium tiene que cambiar en muchos aspectos. Y supongo que si han elegido a Castillejo como director es porque se desea ese cambio.
En cuanto a la reapertura de la sala Amárica (y también del archivo Provincial como espacio expositivo) con una gestión compartida (la Diputación pone dinero e infraestructuras y los artistas gestionan) apostillo: la mejor forma de crear tejido cultural es procurando que los propios creadores participen en las políticas culturales.Para finalizar, otra coincidencia: Castillejo fue, antes que gestor, artista.

DOBLETE

Es un lujo hoy en día poder contemplar el trabajo de los artistas locales ocupando alguna de nuestras numerosas salas expositivas. Como ya he repetido en algunas ocasiones en este espacio, llevamos tiempo invirtiendo muchos de nuestros recursos (incluyendo los destinados a la cultura) en atraer turistas, en situar a Vitoria en el mapa, en convertir a esta mediana ciudad en una urbe global y acorde con los tiempos. En una ciudad como mandan los neoliberales cánones del mundialismo consumista, vamos. Ante ese panorama los artistas locales son los extras de esa nueva película: si les dejan asomar su cara ante la cámara, pueden considerarse afortunados. Y no te digo si les permiten decir una frase. Pero las cifras hablan, son elocuentes: a pesar de las grandes cantidades de dinero público invertidas en eventos mediáticos y en captar foráneos para que visiten Artium, la Catedral, el Azkena Rock, etcétera, el turismo ha descendido en picado este año en nuestra provincia. Un 25%. Una caída mucho más pronunciada que la de nuestras ciudades vecinas: más del doble. Algunos, por lo tanto, están haciendo mal su curro. Ojo, yo no creo que haya que medir la cultura en base a criterios económicos, pero si están empeñados en hacer balance así, sean coherentes señores. Reconozcan que la cuenta no cuadra. Aquellos que les han vendido una Vitoria de la releche bendita, diciendo que Ken Follet traería el vellocino de oro y que patatín y patatán, simple y llanamente les han engañado. Reflexionen, señores mandamases. Y tengan cuidado: ahora esos asesores les dirán que para salir de este bache ustedes tienen que inyectar al enfermo el doble de pasta. Con lo que al final gastaremos más dinero que el generado por esos consumidores de cultura foráneos. Si es que no estamos ya en esa tesitura.
Dicen los eruditos que a medida que uno asciende en la escala de poder (por llamarla de alguna forma) para llegar a convertirse en mandón, aumenta exponencialmente su incapacidad para reconocer un error. Algo así ocurre en esta ciudad.
Y así nos encontramos con programaciones culturales fragmentadas, sin imbricación con los protagonistas de la cultura. Y, lo que es más importante, sin el respaldo del público potencial. Programaciones destinadas a llenar agendas, folletos, carteles, catálogos, pero apartadas de los sectores de población que podrían estar interesados por la cultura. Porque hay una falta de conexión con el público, al que se le trata desde la típica fórmula de "cultura de masas". En una ciudad en la que "la masa" resulta ser el vecino de al lado.
Y a lo que iba: ver una exposición de un artista afincado en esta ciudad es un lujo. Y ver dos, doble esplendidez. Pero estos días pueden darse ese doble lujazo. Aprovechen, porque este insólito hecho no volverá repetirse hasta que Plutón se alinee con Marte sobre el cielo de la llanada alavesa. Vayan a ver la doble exposición de Juncal Ballestín. En Montehermoso y la galería Trayecto.

DOMESTICANDO

Empieza el nuevo curso cultural con la gymkana de eventos que trae consigo. Y uno se pregunta si es necesaria tanta actividad, tanta exposición, tanta movida. Pero claro, hemos creado infraestructuras culturales y éstas tienen que funcionar, tienen que generar actividades. De la misma forma que no podemos parar una fábrica de coches cuando queremos, no podemos decirles a los centros culturales “ahora no, dennos un respiro, que ya tenemos bastante que digerir”. Y es que uno piensa que si la mejor música puede consistir en unos minutos de silencio, la mejor actividad puede gravitar en unos minutos de inactividad. “Para eso ya está agosto, con la tranquilidad que trae pareja”, dirán. Pero algunos comerciantes, pensando siempre en “llenar hucha”, se quejaron públicamente: ¿por qué nuestras instituciones no programan nada en agosto? A parte de la fiestas de La Blanca de rigor, claro. La respuesta es clara: porque también éstas se toman vacaciones. Por otra parte: ¿por qué tenemos que esperar a que nuestras instituciones lo organicen siempre todo?
Y es así como uno “flipa” cuando los “Pistols” vienen a Vitoria subvencionados. No es lo mismo. Es como ir al zoológico a contemplar a los leones: sus rugidos no suenan igual. Dicen los expertos en esos temas que el ser humano renueva todas las células de su cuerpo cada diez años. Eso debe de explicar por qué los gurús del inconformismo, del punk, de la provocación, vienen a nuestra ciudad subvencionados por aquellos que ese grupo “punki” consideraba hace treinta años “chusma trajeada” (cita textual). Porque esos no son ya los “Sex Pistols”. Rotten, líder de “Pistols”, dijo en su día: "Tenemos que luchar contra todo el sistema de las grandes bandas. Ellas nada tienen ya para ofrecer a los chicos." ¿Paradójico no? Está claro que, integrados en el sistema, los “Pistols” no tienen nada que ofrecer ya. Pero sí mucho que recibir: euros.
Y el fin de semana pasado más de lo mismo: los “graffiteros” pagados por el ayuntamiento sacudían sus esprays en la almendra vitoriana y acompañados por la policía. No para “enchirolarles”, sino para que ayudarles en su actividad. Participaba en la iniciativa la Asociación Pro Síndrome de Down de Álava, presentando ésta como una actividad alternativa, atractiva, sana y motivadora, con contenido participativo y social, mostrando así la cara más solidaria e integradora del arte urbano. Que sí. Que me parece muy loable. Pero eso no es “graffiti”, sino un evento cultural en el que participan “graffiteros” en la decoración de las calles. El “graffiti” tiene un componente imprescindible para ser considerado como tal: es un arte clandestino, ilegal. De la misma forma que si a un ladrón le permites que se lleve tu cartera a ese acto no le puedes llamar robo (aunque lo efectúa un ladrón), a un graffitero si le dejas que pinte en tu pared, a ese acto no le puedes llamar “graffiti”.
En conclusión: el inconformismo domesticado ya no es inconformismo.

VUELTA AL COLE

La semana que viene comienzo otra vez a escribir semanalmente en el Diario de Noticias. Sobre cultura, como siempre. Así que empezaré a subir mis columnas en breve.

ARQUITECTURA TXOSNERA

He estado unos días en Bilbao. Desde Vitoria apenas es un trayecto de cuarenta y cinco minutos en bus. Aunque la distancia entre estas dos ciudades habría que medirla en años luz. Pero no voy hablar ahora de eso. Rebobino: he estado unos días en Bilbao, en fiestas de Bilbao. El epicentro festivo, sin ninguna duda, se sitúa en la amplia zona txosnera. El caso es que una vez más me he quedado impresionado con esa grandiosa arquitectura efímera y popular que es la txosna. Arquitectura viva, útil, funcional, divertida, realizada por el ciudadano de a pie y que consigue congregar a miles de personas de todas las edades y condiciones en torno suyo. Sobre una estructura de andamios, y una elaboración que aúna bricolaje, decoración comiquera y mucha improvisación, la txosna se erige como espacio por antonomasia de espacimiento, de lugar de reunión, de zona cultural... y sin un euro de dinero público.

Hay txosnas que se levantan a orillas de la ría que alcanzan una altura de un edificio de cinco plantas. Impresionante. Sin arquitectos, sin planos, con materiales baratos.... Impresionante, repito. Y es que tuve la suerte de ir a la Villa de Bilbao un par de días antes del chupinazo, del arranque de las fiestas. Y me di varios largos paseos por la zona txosnera. Así que disfruté del espectáculo: vi cómo poco a poco las txosnas se levantaban, tomaban forma gracias a la colaboración casi espontánea de múltiples constructores amateurs. Y estas obras, las txosnas, un año más, compiten, desde la modestia de su fabricación, con los elegantes y centenarios edificios cercanos. Como por arte de magia.

Si las fiestas nacen del pueblo, desde luego las txosnas son su representación arquitectónica.

MENOS ES MÁS

Y van dos... El segundo "gran mural" del Casco Viejo está tomando forma. Si el primero (el de la Plaza de la Burullería o Brullería) no se integraba con el entorno, este segundo, reincide en ese mismo gran error. En ese gran error de base. Es una lástima. Las intervenciones en los espacios públicos, sobre todo si éstos tienen un claro valor histórico, arquitectónico... tienen que proyectarse minuciosamente, bajo unos mínimos requisitos de contemporaniedad y calidad. Y sobre unas coordenadas: inteligencia, sutilidad, elegancia... e integración en el entorno. Porque toda obra que se precie tiene que establecer un diálogo con el espacio en el que ésta se sitúa. Ese el quid de cualquier intervención pública acertada. Y, desde ese diálogo, aportar algo. No tiene sentido una intervención que eclipse, invada el espacio que ocupa si éste es de interés. Si es un espacio de especial relevancia, que funciona bien tal como fue ideado. En el caso de la Plaza de la Burullería (una fachada de un edificio) una mano de pintura hubiera sido suficiente para que ese bello plano arquitectónico recuperase el esplendor perdido.

En estos dos murales sus autores han pecado de exceso de "maquillaje". ¿Alguien se acuerda de la máxima "Menos es más” del arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe, uno de los arquitectos más importantes del siglo XX? Van Der Rohe ejerció la dirección de la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, en Alemania en donde se materializaron sus primeas ideas respecto a la pureza de las formas. Adoptar el principio de “menos es más” supone decidir qué necesitamos tener alrededor y qué no. Porque los espacios simples y despejados satisfacen la necesidad de calma, de belleza. Aunque muchos artistas -la mayoría hoy en día diría ya- apuestan por el ruido, por el "más es más", por la acumulación, por el exceso. Lo vemos en el cine, en la arquitectura, en la gastronomía...

Y a pesar de la máxima de Van Der Rohe este proceso (no voy a hablar ahora de otros), el de de los murales "populistas" en el Casco Viejo de Vitoria, es imparable. Y pagado por nuestro Ayuntamiento:
"Profesionales, vecinos, alumnos y profesores de la escuela infantil Haurtzaro, en el Casco Viejo, pintarán un mural en la fachada del centro, similar al que existe en la plaza de la Burullería. El Ayuntamiento aporta 18.000 euros. En un futuro se llevarán a cabo otras actuaciones similares en la almendra medieval.
El Consistorio tiene previsto firmar un convenio con AMBA -los amigos del Museo de Bellas Artes- para, en el plazo de tres años, «pintar siete u ocho murales, según las prioridades. Se trata de una experiencia que ha tenido gran éxito», señaló Gonzalo Arroita, director de la Agencia de Renovación Urbana.
Arroita también anunció que se colocarán unos indicadores en la calle Nueva Dentro con los hitos históricos de la que antaño fue la calle de la Judería, como han demandado los vecinos. En un futuro se convocará un concurso de ideas para extender esta experiencia a todas las calles del Casco Viejo."

Me gusta el muralismo como fórmula de intervención en espacios públicos. Cuando está bien proyectado. Porque no todo vale. Cualquier mural, cualquier graffiti, cualquier dispositivo de "street art" no es válido "per se". Ni siquiera cuando se ampara en coartadas populistas como las que esgrimen los autores de estos dos cromos agigantados. No voy a poner ejemplos aquí de atropellos hitóricos cometidos con la ayuda de las masas, porque llenaría miles de páginas.

Conseguir llevar el arte a la calle, y conseguir que la gente colabore en el proceso artístico, no es suficiente para que una obra sea valida. La calle es de todos, de artistas, ciudadanos en general, críticos... así que toda intervención en un espacio público que se presenta como tal no está libre de crítica. Y yo critico: estos murales, señores, no se integran, no realzan el excelente entorno en el que se insertan, no aportan nada positivo. Adolecen, por lo tanto, de interés. Y eso que no los juzgo bajo claves artísticas (porque no es el caso) sino como elementos decorativos fallidos.
Cada vez que paso por la Plaza de la Burullería mi alma artística se me cae a los pies. Ese mural excesivo, sin medida, junto a unas farolas "de diseño", junto a una estatua de Ken Follet, junto a la improvisada entrada a la Catedral... todo improvisado. Nada se articula entre sí. No hay diálogo. Sólo imposiciones. Se trata de conseguir "levantar la voz" más que el vecino. Que se vea, que se escuche, lo que estoy haciendo. El "ande o no ande, caballo grande" está a la orden del día en el urbanismo actual. Porque es más fácil chillar que dialogar.
Si estos muralistas querían rendir un homenaje a esa actividad ancestral de la plaza pintando trapos en una pared(parece ser que en ese espacio se teñían hace siglos telas) ¿por qué no "colgar" de las ventanas de esa fachada unos paños pintados, por ejemplo? Con esa sencilla (pero no simple) intervención pictórica el homenaje estaría hecho. Pero parece ser que es necesario hacerse notar, realizando obras que invadan los espacios en base a litros de pintura usados, metros cuadrados rellenados y decenas de manos trabajando. ¿Estos profesionales no conocen la técnica del "trampantojo"? Tener que explicar a estas alturas que en arte la técnica tiene que estar al servicio de una buena idea es muy triste. Esos dos murales no son inteligentes, ni siquiera cumplen una función decorativa: carecen de buen gusto, de medida. Porque son exagerados, manieristas, recargados... Es una lástima. A mí me toca verlos todos los días. Si la idea era "hacerse notar", lo han conseguido. ¿Por qué no conservamos lo que es de valor y mejoramos lo que adolece de ello?

TMEO 100

Y estos días estoy maquetando el TMEO 100 que estará en kioscos, librerías y garitos&baretos en septiembre. Soy uno de los socios fundadores de la revista, formo parte de su junta directiva, y últimamente tengo que ejercer de maquetador. Pero en esta ocasión estoy disfrutando más de lo habitual con eso de maquetar, que suele ser una labor muy similar a hacer punto de cruz o encaje de bolillos. Porque es un trabajo un tanto monótono. Y la estoy gozando porque éste, el 100, es un número especial de 100 páginas en que colaboran un montón de dibujantes del panorama historiestístico nacional.
Como ya sabéis esta irreverente revista tiene su sede en Vitoria. Y muchos de sus dibujantes son de por aquí. Os coloco aquí al lado la portada que hizo Mauro Entrialgo para el número 7 (1989).

Y pego aquí un fragmento de un texto que habla del TMEO. Un texto, que de verdad, ya no sé si lo parí yo, o lo escribió otra persona, o lo tecleé yo y otro lo cambió, o viceversa. Esto de los textos que se piden, se envían, se publican, luego se leen, otro se basa en ellos... lo de escribir empieza a ser una tarea colectiva. O por lo menos un buen lío.

"En dos ocasiones “La factoría TMEO” ha ganado el premio al mejor fanzine en el Salón del Cómic de Barcelona (1990 y 2001). En 1989 obtuvo el mismo premio en el Salón del Cómic de Grenoble.
TMEO cumplió los veinte años el año pasado y sigue rompiendo esquemas por encima de cadáveres aún humeantes como la señera revista ‘El Víbora’. Sus agudas y ácidas páginas han arrancado carcajadas, y también reflexiones, a un público entregado abierto de miras, no necesariamente lector de cómics, labrándose un camino, no exento de polémicas.
Fundado para reunir, en un principio, a un variado grupo de dibujantes cultivados en los prolíficos años 80 tiene actualmente como meta editorial servir de plataforma a autores que no tienen espacio en sellos profesionales por razones de toda índole.
Teniendo en cuenta que los beneficios nunca han alcanzado para pagar a los colaboradores por su trabajo, el Tmeo es un fanzine, pero tiene una difusión y un peso social mayor que muchas revistas"

100 VECES CULTURA

El otro día me llegó una misiva un tanto reivindicativa. Que ejemplifica el mal estado de la cultura actual: mucha industria, mucho consumo... poca cultura, en definitiva.

Y me parece una buena iniciativa esta que proponen.La pego por aquí debajo.

"CAMISETA CIEN VECES KULTURA-CULTURA Estimados amigos: Ante la situación crítica por la que estamos atravesando las Asociaciones Culturales, queremos reivindicar de una forma

gráfica la KULTURA-CULTURA que cada vez más se va perdiendo. El diseño de la camiseta representa un castigo escolar de escribir 100 veces KULTURA-CULTURA en el encerado, representado por el fondo negro. Como Sociedad sin ánimo de lucro, no puede poner las camisetas a la venta, pero sí que se pueden adquirir las mismas para hacer reflexionar a los políticos sobre su contenido. La intención es su máxima difusión a través de todas las Asociaciones Culturales de la provincia y hacer entrega de una camiseta a la Diputada de Euskera y Deportes Dña. Lorena López de Lacalle y a la Concejal de Presidencia y Deportes Dña. Maite Berrocal, en una fecha a concretar que será durante las Fiestas de la Virgen Blanca. Las camisetas (referencia 100 veces KULTURA-CULTURA) se pueden adquirir en la tienda New Impulse, calle Siervas de Jesús nº 37, indicando la talla y el color a un pvp. de 16,00 euros. Ver fotos camisetas. COLABORA POR LA CULTURA CON TU CAMISETA"

VACACIONES Y "GUGGY" EN ÁLAVA

Hasta septiembre, como decía en mi columna anterior, nos han dado vacaciones en el Diario de Noticias de Álava. Mi intención es seguir escribiendo en este blog... Aunque se está muy bien de vacaciones ;-)
Así que voy a escribir, sí, pero de una forma más informal si cabe, abocentando los asuntos que aborde. Y ya los desarrollaré después un poco más, ya les daré un poco más de brillo en septiembre, en la prensa impresa.

Y me gustaría hablar un poco sobre un asunto que me está llamando mucho la atención estos días de calor: la ampliación del "Guggy". Si tenéis oportunidad de leer una extensa entrevista a Tom Krens publicada hace una semana en la prensa, no dejéis de leerla. Refleja perfectamente el estado de la cultura actual: puro mercantilismo. Se acabaron los tiempos en los que los intelectuales pintaban algo en la esfera cultural. El presente y el futuro de la cultura está en manos de empresarios. Krens propone al Gobierno Vasco que el nuevo edificio esté alejado del actual por una razón puramente crematística: para que el turista cultural tenga que pasar noche en Bilbao. Dinero, dinero y dinero. El turismo cultural da más pasta que el de sol y playa. Esa es la realidad. Porque no deja de dar beneficios ni en primavera, ni en otoño, ni en invierno.

Pero lo más curioso de toda esta historia es que a ningún miembro de la gestoría pública alavesa se le ha ocurrido reclamar que el nuevo edificio del Guggenheim se ubique en Álava. En esta ciudad nuestros políticos están tan despistados, tan centrados en su visión localista y provinciana de Vitoria, que obvian lo importante. ¿No quieren ustedes una Vitoria global? ¿No quieren atraer turistas a tutiplén? Entonces reclamen que esa ampliación se instale en tierras alavesas. Porque el Gobierno Vasco, una vez más, pagará la mayor parte de la inversión. Es decir: todos los vascos pagarán esas nuevas obras. Vale: el patronato del Guggy lo conforman Gobierno Vasco y Diputación de Vizcaya. Pero por lo menos investiguen un poco... Jueguen sus bazas. ¿No es ésta la capital del País Vasco?

Repitan conmigo: ¡El "Guggy" en tierras alavesas ya! Y cerquita del pantano. Y a media hora de Bilbao.

MAGIA

A los columnistas de este diario nos dan ahora “vacatas”. Como en el “cole”. Así que despídanse de mí hasta septiembre. Pero “Airotiv” seguirá en mi blog (www.airotiv.net). Porque para mí esto es como el tabaco: me puede dar algo si no tecleo los 3.000 caracteres semanales.
Y tenía pensado desde hace tiempo escribir sobre el dichoso monumento de la Virgen Blanca. Pero puse el freno porque en un principio mi propósito era vender la idea. Aunque luego me percaté de que vender una gran idea aquí sin llevar apellido exótico es dificultoso. Ser local es lo que tiene. Ser local de aquí. Porque si eres local de New York la cosa, por estos lares, pinta mejor.
Vender una idea es complicado. Si la cuentas, ya no tienes nada que ofrecer. Y si no la cuentas, no la puedes vender. Por otra parte, si la regalas parece como que la idea no mola. Pero si te la callas, la idea te come por dentro. Lo mejor, por lo tanto, es no tener ideas.
Y ahora que ya he conseguido crear un poco de suspense… ahí va: lo mejor que se puede hacer con el monumento de la Virgen Blanca es hacerlo desaparecer. Pero sin moverlo. Ya ven que solo por el volumen del asunto la idea es “gran idea” ¿Magia? Puede ser. Piensen: ¿es necesario que algo no esté para que dejemos de verlo? No. Estamos hablando de ocultación visual. De eso saben la tira los políticos… y los artistas. Seguro que, alguna vez, ustedes han tapado una mancha poniendo algo delante de ella. Esto es similar: muchos alaveses no es que quieran que el monumento sea trasladado. Lo que numerosos alaveses desean es dejar de verlo en la plaza. Señores mandamases del Consistorio: convoquen un concurso público para ocultar el monumento. Imagínenselo recubierto por una estructura tipo mecano, metálica o acristalada. Como vestido de pirámide. Una pirámide como la del Louvre (esto de hablar de algo que funciona fuera de Vitoria es una de las mejores opciones para vender una idea aquí; tomen nota señoras y señores) En el fondo estoy hablando de convertir ese monumento en algo que se integre en esa plaza más contemporánea. El monumento no deja de ser una pirámide un tanto abigarrada. Un recubrimiento piramidal sería una forma de modernizar ese conjunto estatuario resumiendo su forma. Las posibilidades son infinitas: puede ser traslúcido, interactivo… Y el recubrimiento se apoyaría en el conjunto escultórico sin agredirlo. Siempre con la posibilidad de dar marcha atrás: de retirarlo cuando se quisiera. Todo ello mediante un concurso público, creando así una escultura emblemática, singular, reversible, interactiva… y única. Y así todo el mundo contento: los partidarios de retirarlo y los de dejarlo ahí. Y, por otra parte, nos ahorraríamos una pasta. Porque desmontar eso, trasladarlo y volverlo a montar en un barrio de las afueras es carísimo. Piensen en ello estas vacaciones. Si les gusta esta idea apóyenla en mi blog: www.airotiv.net. Son sus deberes de vacaciones.

CRISIS

Asistí el otro día a una tertulia radiofónica para charlar sobre el presente de la ciudad. Me invitaron como voz crítica. Supongo que será porque las opiniones discordantes no abundan en esta ciudad. Y si existen, surgen por motivaciones que, para mí, las desactivan de raíz: mosqueos personales, envidias... Por otra parte soy consciente de que en ocasiones uno debería de hablar bien sobre ciertas actuaciones. Aunque como los espacios públicos de expresión son tan escasos, y tan pequeños (la tertulia del otro día duró solo veinte minutos), un menda aprovecha para hablar sólo de lo que cree conveniente cambiar. Es decir: opto por criticar lo que me parece de juzgado de guardia y obvio lo que puede ser digno de encomio.
El martes leí una entrevista publicada en este mismo medio, en el Diario de Noticias. Se entrevistaba al actual Director de Cultura del Ayuntamiento. La leí con interés. Porque una persona que lleva veinte años trabajando en el ámbito cultural tiene muchas cosas que decir. Y el Director las dijo. Hacía mucho tiempo que no leía yo algo tan sensato y sustancial. Porque uno está acostumbrado a leer lo que dice el responsable político de turno. Que suele ser alguien que acaba de aterrizar, que no sabe lo que se trae entre manos, y para cuando empieza a saber de qué va la movida le toca despegar. Si tienen oportunidad lean esa entrevista. “Lo más fácil es inaugurar algo y quedarse ahí, mientras que lo complicado de verdad viene después, en el contenido. Un ejemplo es la plaza de toros. Hay que hacer una planificación seria y constante, no mirar un día, ver que está libre y hacer algo.”, palabras textuales del Director de Cultura. Y más: “A veces siempre nos fijamos en una persona, tal vez porque es la que sale en los medios de comunicación, pero en el campo de la cultura nadie puede hacer algo solo”. O:” Yo soy de una cultura de menos parque temático frente a una cultura más como elemento de transformación social”
Ya dije en su día que teníamos un tercio de Concejala de Cultura. Porque la Concejala de Cultura es además Teniente Alcalde y Concejala de Presidencia. Por eso me parece muy oportuno que el actual Director de Cultura deje su puesto para convertirse en asesor del acalde, y así intentar solucionar problemas en materia cultural que se llevan arrastrando desde otras legislaturas. Y es que estamos todos muy preocupados por emprender nuevas aventuras, cuando hemos dejado en el camino desventuras por resolver.
Son momentos éstos de crisis crematística. Lo intereses de los créditos han subido. Y por primera vez nuestro ayuntamiento se ha endeudado por dos legislaturas. La crisis afectará a los proyectos de nuestro consistorio: auditorio, estación intermodal, soterramiento del tren, tranvía… Nunca nos habíamos endeudado tanto. Y nos ha pillado en pleno periodo de inestabilidad. No es de extrañar que una de las tareas encargadas a este asesor del alcalde sea buscar patrocinio privado para el área cultural.

CERCANÍA

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla ha convocado un Foro de Debate. A lo largo de cinco sesiones, dos docenas de artistas de la Comunidad de Castilla y León tendrán la oportunidad de presentar públicamente su trabajo con el material aportado por cada participante. Y AVAM, Artistas Visuales Asociados de Madrid, emplaza a los artistas madrileños a participar en “Desvelados”. El objeto de la convocatoria es la selección de estudios de artistas y colectivos artísticos de la ciudad de Madrid, para ser visitados por agentes culturales y medios de comunicación durante una jornada.
Paulatinamente se recomienza a enfocar la mirada hacia los entornos próximos. Después de una década larga sacudidos por el “efecto Guggenheim” las instituciones miran a su alrededor y se topan con… el desierto. La producción de arte y cultura no sólo no se ha fortalecido con los múltiples Museos y Centros de Arte y Cultura que ha brotado como champiñones durante estos últimos años, sino que se ha marchitado. Porque han sido años de importar lo internacional, de intentos de generar un turismo cultural que atraiga al foráneo ansioso por sacarse una foto delante de un museo emblemático. Se han volcado durante años en la búsqueda del un modelo exitoso desatendiendo el propio territorio. Y ahora llega la resaca. Pues la realidad es que el turista cultural visita el Guggemheim, el Prado y el Reina Sofía. Y para el resto de los territorios, sólo quedan migajas. Porque seamos serios: ningún turista acude a un Museo o Centro de Arte de provincias para ver algo que puede ver en el Museo de su ciudad natal. Y los directores de las infraestructuras creadas tienen que inventar mil argucias para justificar las altas inversiones de las instituciones, computando como visitantes hasta a los que acuden a los conciertos musicales que últimamente son el pan de cada día en nuestros Museos y Centros de Arte, mientras seducen a sus patronos institucionales asegurándoles que van a colocar a la ciudad en el centro del mapamundi. Y cuando los hechos patentizan que esto no es así, cumpliéndose el “Bienvenido Mister Marshal”, el director pegar el salto a otro Museo o Centro recién creado, para vender en él la sempiterna moto. Esto no es serio. Se necesita apostar por otros modelos. Se necesitan crear políticas de cercanía y que infraestructuras e inversiones reviertan sobre el propio territorio. Y no hablo en términos económicos. Porque los Museos y Centros de Arte actuales deben concebirse no solamente como contenedores de obras de arte, sino como laboratorios de comportamientos artísticos y culturales. Deben preocuparse no sólo por el “patrimonio material” sino que tienen que incentivar la creación de un “patrimonio inmaterial” para la sociedad en la que se insertan. Es decir: deben producir creatividad, actividad cultural e intelectual, y estar atentos a los procesos creativos que se producen sin cesar y que la falta de perspectiva esconde.

ERROR 404

El mensaje de error 404 o "No Encontrado" aparece al navegar por Internet cuando el servidor no localiza la página que le solicitamos. Y es el título de una exposición: la fotógrafa Ana Nieto ha volcado la información alojada en su página "web" en las paredes de Zuloa antes de renovar su "website", convirtiéndose así el espacio expositivo en un "servidor offline". Habitualmente los espacios virtuales sirven como lugares de catalogación de obras reales. Pero en esta ocasión el proceso es de orden inverso: es el espacio real, la sala de exposiciones, la que funciona como catálogo de una obra alojada en la virtualidad. Y es así como podemos ver, desde este viernes, varias series fotográficas de clara raíz documental realizadas por Ana a lo largo de diez años, en cuatro países, en siete ciudades. Y este hecho, el de residir en diferentes paisajes urbanos durante periodos de tiempo no superiores a tres años, vertebra todo el trabajo expuesto en Zuloa . Porque cuando visitas un país casi todo te sorprende, porque no eres de allí, porque no has crecido en ese contexto. Hasta el cielo es diferente y el modo en el que el sol ilumina las calles y personas. Aunque lleves en ese país meses, siempre te llamarán la atención ciertos individuos, objetos, modos de vida… aunque los veas a diario. ¿No es ese fenómeno el que nos empuja a viajar, más que el impulso por conocer otras culturas?
El síndrome “ojo del turista” no deja de ser un pasajero síndrome “ojo del artista”. Porque el artista es capaz de mantener esa visión ingenua -de extrañamiento, de turista- siempre. Incluso ante la cotidianidad que todos dejamos de ver porque nos cala absorbiéndonos. Y así acabamos confundiéndonos con el paisaje en el que vivimos. Por eso es necesario viajar: para desprendernos de ese contexto que se nos ha pegado a la piel. Y necesitamos fotografiar esas vivencias para reafirmarlas. Porque la fotografía otorga eternidad a las experiencias. Como dijo Zola “no se puede decir que se ha visto algo hasta que no se ha fotografiado”
Y las fotos que podemos ver en Zuloa se exponen en bloques sin seguir ningún orden cronológico. Puro zapping visual en el que cada imagen salta a su antojo de retrato a paisaje, de país a país. La fotografía de Ana no se atiene a ninguna norma estilística: una imagen puede estar perfectamente encuadrada e iluminada y la siguiente ser un “snapshot” sobreexpuesto o una vieja foto de un álbum familiar. Se diría que todo cabe aquí, que la autora va encuadrando momentos y sensaciones, utilizando las herramientas que se le antojan en cada caso.
Tras su regreso a Vitoria, su ciudad natal, hace más de un año, el cambio en el modo de fotografiar y en la elección de sus sujetos es inevitable ya que al jugar en casa el factor "ojo de turista" desaparece. De ahí que al finalizar esta exposición el contenido de su web será reemplazado, convirtiéndose durante un tiempo en un "Error 404". Aunque subsistirá el efecto “ojo del artista”.

MONTEHERMOSO

En esta ciudad nos cuesta valorar los que desde los organismos públicos se hace. De la misma forma que a los organismos públicos les cuesta valorar los procesos que tienen lugar dentro del propio tejido social al que, en teoría, sirven. Adolecemos unos y otros de falta de perspectiva. En esta ciudad estamos todos tan “pegaditos” que nos falta ángulo para poder fotografiar un “plano general” de los procesos culturales -públicos o privados- que tienen lugar aquí, en nuestro entorno. Y es que todos desdeñamos lo cercano porque al estar tan soldados a los procesos generados y a sus agentes productores, éstos nos parecen inexistentes. Y si en ocasiones nos percatamos de su presencia entonces tenemos la engañosa impresión de que funcionan solos, al margen de nosotros.
Y han pasado casi dos años desde que el Centro Cultural Montehermoso cambió de equipo de dirección. Un cambio que supuso una ruptura con el anterior modelo de gestión. Y que originó en su momento sus conflictos. Ciertos compromisos y convenios con agentes culturales locales desaparecieron. Muchas líneas de actuación se rompieron. El repentino golpe de timón tiró a algunos por la borda. Pero el paso del tiempo – “el tiempo es la máxima sabiduría”, dijo Tales - nos permite valorar lo que en su día nos era complejo percibir. Y la realidad es que Montehermoso ha conseguido convertirse en un lugar de encuentro, de esparcimiento - y de reflexión- que ha introducido nuevas temáticas en la ciudad muy vinculadas con los contextos sociales y sus estructuras, sean éstas de género, de sexo, de raza, de clase… Y lo que es más importante: su director –y el equipo que le apoya- ha demostrado durante ese periodo ser un gestor asaz eficiente, imaginativo y con capacidad de trabajo. Porque el viernes pasado estuve en Montehermoso en la inauguración de los proyectos seleccionados en la convocatoria anual “Arte e investigación 2007”. Ocho proyectos de artistas y uno de comisariado, producidos durante este curso, que se muestran en las salas de Montehermoso como parte de su programación anual. Y creo que todos los asistentes tuvimos una vez más la impresión de que la gestión del centro va por buen camino. Pisando fuerte y seguro.Pero no todo va a ser dibujar margaritas en esta columna. Porque Montehermoso es una infraestructura que depende del Departamento de Cultura del Ayuntamiento de nuestra ciudad. Y lo que no puede hacer este departamento es delegar todas sus responsabilidades en materia de cultura en Montehermoso. Temas como el contravenido 2% (existe un incumplido dictamen municipal que exige que el 2% del presupuesto de urbanizaciones públicas municipales se invierta en la realización de obras de arte), o el carpetazo dado al NEFF (el Festival de Cine Europeo) sin que exista un programa que lo sustituya, deben de ser resueltos desde el departamento de Cultura. Y no, como nos quieren hacer ver los responsables municipales de cultura, desde Montehermoso.

¿REPLAY?

Se va a convocar un concurso para cubrir la plaza de dirección de Artium que quedará vacante en breve. Por otra parte, desde el Departamento de Cultura de la Diputación ha emplazado a los artistas locales para que llenen de contenido tres de sus, ahora, erráticas salas expositivas: Sala Amárica, Casa de Cultura y Archivo Provincial. Una treintena de artistas sentados frente a la Diputada de Cultura. ¿Cómo acabará esto? El tiempo lo dirá. Estamos viviendo por lo tanto, en el terreno cultural, un momento complejo. Muy similar, salvando las distancias, al de hace siete años cuando se cerró la Sala Amárica y se abrió Artium. Lo que ahora se decida influirá, a corto y largo plazo, en nuestro deteriorado ecosistema cultural. Como lo que se decidió hace siete años nos ha afectado hasta el presente a todos. Tenemos ahora una segunda oportunidad. No caigamos en los mismos errores.
Leyendo las declaraciones del, todavía, director de Artium vertidas en la rueda de prensa que convocó el nuevo centro Tenerife Espacio de las Artes (TEA), centro que va a dirigir en breve, me dieron ganas de llamarle para suplicarle que no se largue de Artium. Porque nuestro director declaró en tierras canarias que “no quiere un proyecto personalista sino que debe tener carácter social, democrático y crítico”. Y que quiere “aportar sus conocimientos en lo que espera que sea un proyecto de todos cuantos trabajen en TEA, pues necesita de sus ideas e ilusiones” Para finalizar diciendo que “contactará con los agentes artísticos y culturales para explicar el proyecto y hacerles saber que espera contar son su colaboración”. ¡Ojalá hubiera declarado eso en Vitoria hace siete años!. Entonces nos vendió un programa de corte “mundialista” A modo de ejemplo: el otro día el galerista de la única galería de arte contemporáneo afincada en Vitoria declaraba en prensa que el director de Artium nunca había visitado su espacio en esos siete años. En cualquier caso creo que la mayoría de las personas que nos mostramos preocupadas por el discurrir de la cultura deseamos a alguien que coordine Artium en base a las claves que menciona ahora el futuro ex de Artium; diálogo con los agentes culturales locales, espacio crítico y trabajo en equipo.
En los nuevos modelos de centros de arte la mirada hacia lo local comienza a proyectarse con creciente interés. Porque en una sociedad engullida por la globalidad necesitamos espacios en los que se trabaje lo cercano y lo social. Dos términos siameses. Por eso nuestro actual director de Artium ha abandonado ese discurso marcadamente “internacional” con el que vino a Vitoria para defender otro más actual: el que tiene en cuenta a la comunidad en el que se inserta. Ahora necesitamos un nuevo director que valore y abone nuestro débil ecosistema cultural. A la vez que lo ponga en comunicación con otros cercanos y distantes. Trabajando por nuestra comunidad y no “trabajándose” su carrera.

RELEVO

Escribo estas líneas el pasado miércoles -el pasado de ustedes, claro; y el actual mío- desde el aeropuerto de Barcelona. Esto es una de las cosas buenas anejas a las nuevas tecnologías: uno puede escribir cualquier cosa desde cualquier sitio a cualquier hora y mandarlo a cualquier lugar. Y es que el avión que vuela a Vitoria lleva retraso, y aprovecho esa circunstancia para teclear un rato. Pero no piensen que no me tomo en serio esta sección, no. No piensen que aprovecho los tiempos muertos para escribirla. En esta ocasión tenía una columna escrita desde hacía días. La dejé preparada antes de venir a Barcelona por asuntos de curro creativo. Pero hace un ratito me han llamado de un periódico de la “compe”, otra cosa positiva de la tecnología, para preguntarme qué me parecía la dimisión del actual director de nuestro Artium. He estado ha punto de arrugar mi ordenador, y con él mi columna escrita hace días, y tirarlo a la papelera. ¿No podría haber dimitido la semana que viene? Y ahora… ¿cómo no voy a escribir sobre asunto de tal relevancia? ¡La dimisión del director de nuestro Museo!
Y la chica de la “compe” me ha pedido, reitero, mi opinión sobre la renuncia del actual director de Artium. Yo le he contestado que ponderar su gestión ahora, y públicamente, es algo primordial. Es preciso saber en qué se ha fallado y en qué se ha acertado para lograr que la próxima gestión sea más eficaz. Por lo demás un servidor lleva siete años mostrándose sumamente crítico con el enfoque, con la filosofía, con el plan director de Artium. A columnas mías anteriores me remito. Resumiendo: podríamos decir que Artium ha sido un museo que, y sobre todo en sus comienzos, ha elegido vivir a espaldas de la ciudad que lo ha creado. Ha buscado más proyectar su imagen hacia el exterior que ante los alaveses. Por otra parte tampoco ha sabido, o más bien no ha querido, servir de plataforma de los agentes culturales locales. Es más: no me parece que nuestra ciudad se haya enriquecido culturalmente con la puesta en marcha de lo que hace siete años era nuestra más nueva y cara infraestructura museística. También es verdad que no todo han sido desaciertos en Artium: el área didáctica, la bibliotecaria, y la relativa a la Colección Permanente ha funcionado con rigor y eficacia, cumpliendo sobradamente sus funciones.
Y me pregunta la chica del periódico de “la compe” si me gustaría que el próximo director fuera alavés. Yo le contesto que mi padre, por ejemplo, es alavés, pero que no creo que sea la persona adecuada para ese puesto. Porque ser alavés no es un valor. Pero tampoco haber nacido, o vivir, en esta ciudad puede ser motivo de discriminación. Me parece fundamental que el próximo director conozca la realidad de nuestro entorno. Y que se muestre sensible ante ella. Y a nuestro actual director de Artium le deseo un futuro próspero en Tenerife. Por otra parte, siempre le he valorado una cosa: no haber llenado Artium de banalidad y espectáculo.

HISTORIETAS

El cómic en Japón tiene su carrera universitaria. Y se venden 754 millones de ejemplares al año. En Francia la venta de cómics, de “bande dessinné”, supera los 40 millones de ejemplares. En España no llegamos a vender diez millones. ¿Tendrá eso algo que ver con que nuestro país vecino cuente con el CNBDI (Centre Nationale de la Bande Dessinné et de l'Image)? Organismo que tiene entre sus objetivos la promoción del cómic, esencialmente en francés. Nosotros en España, desde este año contamos con el Premio Nacional de Cómic, pero la legitimización de este medio es un proceso que va a costar su tiempo. En ese sentido sería interesante, por una parte, contar con la ayuda de los múltiples Centros Culturales de nuestro país. Pero en dichas infraestructuras no cuentan con personal preparado en la materia. Y también sería fundamental que desde las redes de bibliotecas públicas se realizasen campañas de promoción de la lectura de cómics, pero ni siquiera contamos con una guía de catalogación y de clasificación de cómics que unifique criterios y permita el intercambio de catálogos entre bibliotecas. Cada biblioteca cataloga el cómic como puede y como quiere. Y eso es una rémora para que el cómic esté más presente en las bibliotecas españolas. Cuando, paradójicamente, el cómic se presta hasta siete veces más que el libro.
¿Qué pasa con el cómic en España? ¿Quizá porque nuestros padres se criaron leyendo tebeos de evasión se da por sentado que es un medio banal, sin sustancia? ¿Por qué tantos prejuicios? ¿Por qué en este país no justipreciamos con rigor los valores propios de este medio?
Y es que algunos creen que el cómic no es un lenguaje en sí, sino que es un medio que se conforma con la suma otros dos lenguajes: el visual y el escrito. Pero esto no es así: Porque aceptar eso sería obviar una realidad: el texto y la imagen no son dos lenguajes distintos. El lenguaje escrito (signo) surge primigeniamente de su asociación con la realidad (símbolo) Un caso evidente es la escritura japonesa. El cómic tiene su lenguaje propio.
Por otra parte el historietista, cuando es responsable último y único de la elaboración del guión y del dibujo, (llamémosle cómic de autor) tiene que realizar una labor más completa que la que realiza el director de cine (y hablo de cine porque es el medio más cercano al cómic al ser también éste un arte secuencial) El historietista tiene que crear personajes, dirigirlos, trabajar como "director de fotografía", ambientar e iluminar las escenas, etc. Es decir: de la cabeza del historietista surge todo un universo.
Y vuelvo a hablar en esta sección de cómic porque esta semana han otorgados los premios del Certamen de Cómic Escolar. Un certamen organizado por Krea. Y arropado con varias actividades más: una exposición y la publicación de una guía básica para realizar cómics que ha elaborado el dibujante vitoriano Mauro Entrialgo. Es ésta una iniciativa digna de encomio.

IQUITOS

En marzo estuve en Iquitos. Ciudad peruana decadente, plagada de “Indianas Johns” de pacotilla, aborígenes risueños y neo hippies colgados de la ayahuasca. Iquitos es una ciudad bañada por el Amazonas. Más allá se extiende la selva como gran mar vegetal. Si te dijeran que esa pobre ciudad es la última ciudad del mundo, te lo creerías, pues sólo es posible llegar a ella en barco o en avión. No hay carreteras. La gente se traslada en ruidosos motocarros. Y en el centro de Iquitos han construido hace poco una plaza. Con su fuente de luz, su farolas de diseño y sus bancos minimilistas. A la noche los amazónicos se sientan sobre éstos y contemplan durante horas los juegos de luces, el agua de la fuente... Y hablo de Iquitos porque Vitoria me la recuerda estos días: la nueva plaza de la Virgen Blanca está en boca de todos. Nuestro ayuntamiento ha sido el artífice de este fenómeno. Porque el debate surgió desde la propia institución. Hasta hace cuatro o cinco años nadie se preguntaba si el monumento de la Batalla de Vitoria era bonito o feo. O si la plaza de estilo victoriano era fea o no. Y ahora tememos Plaza nueva con monumento viejo. Y sales a la calle y unos opinan una cosa, otros otra bien distinta... ¿Te gusta cómo ha quedado la Plaza?, preguntas. Y las respuestas son múltiples. Podrían servir a un psicólogo para elaborar un test de personalidad. Provincianos, tradicionalistas, modernillos, pasotas, excépticos… todos nos retratamos con las respuestas.
¿Y a mí que me parece la plaza? Yo siempre he pensado que nuestros responsables políticos quieren quitar ese monumento para convertir la plaza en un páramo pelado donde poder colocar perpetuamente una carpa enorme. Esperen que se lleven el monumento y verán si tengo razón o no. Quieren la plaza pelada para poder realizar sus exposiciones, sus ferias, sus campañas de autobombo. Sin que nadie tenga más remedio que chocarse con ellas. Porque no hay otra forma de hacer uso de esa plaza. Ha quedado tan desnuda que si llueve te calas, y si sale el sol te achicharras. Los que sí saldrán beneficiados son los bares y las cafeterías instaladas en la Plaza. Y los distribuidores de sombrillas. Yo la prefiero como era antes: fea. Me pasó en su día con Ramoncín: tenía una nariz fachosa, se operó y le pusieron una de catálogo. Perdió toda su gracia. La antigua plaza podría ser fea, sí, pero tenía carácter. Ahora tenemos una plaza que no gusta ni disgusta. No es “ni chicha ni limoná” Es tan sosa como una institución pública. Porque el Ayuntamiento han hecho algo homologable, “moderniqui”, de catálogo de Ikea. Es una pena. Que la institución diseñe es peligroso. Cualquier artista habría proyectado algo más imaginativo. Esta plaza se quedará desfasada en tres o cuatro años. Pero entonces pondrán nuevas farolas y nuevos bancos. No deja de ser curioso que la Plaza se convierta en un catálogo de mobiliario urbano. Una plaza a la moda, actualizable cada nueva temporada.

ÁNGEL CAÍDO

“De este mundo no podemos caernos”, decía Grabbe en su obra trágica Hannibal. Pero algunos caen. No los sujetos en sí, sino las ideas que tenemos sobre ellos. Y el otro día alguien cayó: un profesor de la Facultad de Bellas Artes. Con él, crítico e historiador, descubrí hace más de veinte años la vanguardia artística. Me abrió la puerta de un mundo nuevo. Era un dómine, y lo sigue siendo, culto, inteligente, intuitivo, amante del arte. Y el otro día coincidimos en Vitoria junto con un amigo mutuo, un joven artista, después de una charla sobre arte que había impartido aquel. Y lo que yo pensaba que se iba a convertir en una tertulia agradable, inteligente y de interés se convirtió en un juego ingrato. Porque el profesor no hablaba, hablaba la botella vacía que tenía delante. Uno nota cuando alguien habla tanteándote cual ciego de Lazarillo de Tormes para buscar un punto sensible en tu cabeza donde atizarte con el cántaro de vino. Primero arremetió largo y tendido contra el cómic, después contra mi trabajo, para acabar incidiendo en mi relación con otro creador. Yo mantuve el tipo. Por respeto a mi antiguo profesor. Y porque con una persona ebria que quiere buscarte las vueltas poco puedes hacer. O le sigues el juego embroncándote con él o “te haces el orejas”. Mientras escuchaba su perorata de alcohólico me acordaba de un ensayo del filósofo Antonio Marina: “La inteligencia fracasada”. En esa obra habla de cómo la inteligencia de una persona puede fracasar cuando elige un fin equivocado. Y yo, en esos momentos tenía un vivo ejemplo en frente: un profesor inteligente arremetiendo con su saber cual ariete contra mí, o contra cualquiera que se le pusiera por delante. Porque a la media hora de ver que no conseguía ninguna reacción por mi parte se revolvió como un perro rabioso contra nuestro amigo mutuo. Inteligencia fracasada porque el fin último de toda persona es encontrar la felicidad. Obvio. Pero cuando ves que alguien se provoca sufrimiento a sí mismo y a los demás, sin ninguna utilidad, gratuitamente, entonces te das cuenta que tienes en frente a un “inteligente estúpido”.
Todos sabemos que la vida resulta a veces pesada, y ante esa angustia existencial que a todos nos oprime ya señalaba Freud que hay satisfacciones sustitutivas que la reducen (“no se puede prescindir de las muletas”, dijo Theodor Fontane). Para Freud una de ellas es el arte, por su positivo efecto que ejerce en el creador y en el espectador. Y así debe ser: la cultura, el arte, deben servir como herramienta que nos permita vivir a todos más y mejor. Y un profesor de arte debería saberlo. Debería saber que en arte es más importante la “actitud” que la “aptitud”. “La belleza está en el trato” dijo una vez el poeta. ¿Para qué sirve la cultura si se usa como arma contra los demás y contra uno mismo?
“Por lo demás, siempre mueren los otros…”, decía el epitafio de Duchamp. “Siempre caen los otros”, pensará alguno.

NOVELA GRÁFICA

El Club de Lectura de Artium ha dejado provisionalmente de lado las novelas para fijar su atención, por primera vez, en “la novela gráfica”. La idea de ese club mola: primero se recomienda la lectura de una novela, después la gente se la lee en su casa, y finalmente se reúne en Artium junto a un moderador para su puesta en común. Y esta vez me ha tocado a mí ejercer de maestro de ceremonias. Se me ocurrió recomendar la lectura del cómic “Contrato con Dios” de Wil Eisner. Y fui al Museo para diseccionar ante el público esa obra. Me esperaba un grupo numeroso de personas. Curioso. Porque cuando alguna vez alguien me han llamado para hablar sobre cómic, el público siempre ha brillado por su ausencia. Pero, en esta ocasión no. Lo primero que dije (siempre con mi tacto y mi buen tino habitual) es que eso de la “novela gráfica” no existía. De la misma forma que no existe la “novela filmada” o la “novela pintada” o la “novela dramatizada” Existe el cómic. Aunque cuando éramos unos nenes a los cómics les llamábamos “chistes”. Después crecimos y los apodábamos “tebeos”. En los ochenta cuando empezamos a leer material más trascendente importamos el término anglosajón “cómic”. En los noventa empezamos a utilizar un término castellano “historieta”. Y ahora parece ser que al cómic de autor hay que llamarle “novela gráfica”. Muchos nombres para vestir a un mismo santo.
Los editores del sector han puesto tapas duras a los cómics, han seleccionado las obras más enjundiosas, e intentan distribuir ese material por librerías y grandes superficies comerciales dedicadas al libro. Y les llaman “novelas gráficas”. Un eufemismo. Síntoma de algo: no existe un ente en este país, llámese “Academia del cómic”, que establezca criterios y ordene el caos del medio. Aunque estamos viviendo un nuevo boom de la historieta. Con la instauración del Premio Nacional de Cómic muchas miradas, antes escépticas, que provienen de esa cultura, llámese oficial o “alta”, convergen hacia un nuevo punto de atención: el cómic. Pero la calidad de una obra no puede medirse por la calidad del papel en el que está impresa. Ni por su grosor. Ni por sus tapas duras. Y uno, hace unos días, pudo ver un reportaje televisivo en el que salía un pretendido experto afirmando con vehemencia sobre la obra “Contrato con Dios”: “esto no es cómic, es novela gráfica”. Se confunde, por lo tanto, el continente con el contenido.
Hubo una lejana época en la que sólo, o casi, existía un cómic de evasión, sin sustancia. Destinado muchas veces a un público infantil o juvenil. Pero desde hace décadas el cómic es un medio legítimo de expresión. ¿Qué me dicen de la obra “Maus” de Spiegelman, por ejemplo? Recibió uno de los prestigiosos Premios Pulitzer en 1992, una beca de la Fundación Guggenheim y dio lugar a una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Y podría enumeras cientos de obras similares… que pocos hemos leído. Quizá ahora que son “novelas gráficas” esta triste realidad cambie

"REPTÁNGULO"

"El rectángulo áureo se divide en un cuadrado, cuyo lado es el menor de los del rectángulo y otro rectángulo áureo. Hay un orden establecido", me dice Gerardo mientras conduce. Yo no le contesto, pero me siento bien escuchándole. Porque pensar que existe un orden allá fuera me reconforta aquí dentro. O más bien: pensar que alguien piensa que ese orden existe, aunque sea dentro de un rectángulo, me reconforta. Y le escucho hablar de rectángulos, mientras mentalmente doy vueltas al vocablo “rectángulo”, girándolo, dividiéndolo en sílabas, buscando su orden interno. Escucho a Gerardo, sí, pero en un segundo plano mental sigo jugando con el concepto “rectángulo”. Hasta que empieza a sonarme así: “rep-tán-gu-lo” Entonces me parece ver a Gerardo “reptar”, caminar, por los ángulos de esa figura geométrica, pacífica, callada, inmutable, ordenada. Reptando por sus cuatro ángulos, recorriéndolos, perdiéndose en ellos, intentando trasladar la quietud de éstos a sus obras. Que son un camino intermedio. Porque lo que realmente le interesa a Gerardo es trasladar esa quietud, ese orden, a su realidad y a la nuestra.
Gerardo es un constructor. Pero no “de edificios”. Es constructor a secas. En estado puro. Mientras el mundo que nos rodea acaba por superarnos y nos desborda, él confía en el orden de un rectángulo. Un rectángulo desde el que construir. Porque construir es una forma de asir una parte –una pequeña parte- del mundo, en un vano afán por controlarlo en su globalidad. Construimos porque somos capaces de dominar la materia. O dominamos la materia porque somos capaces de construir.
Y hoy se inaugura en Zuloa Espacio la exposición “El orden debajo de la herida” de Gerardo Armesto. Y Gerardo conduce a mi lado. Estamos llevando las obras al local dónde serán expuestas. Obras en principio pictóricas. Y digo “en principio” porque ellas la pintura acabó perdiéndose por el camino. En ellas la estructura geométrica, los rectángulos acaban por dominar a la pintura. Y al final los “reptángulos” toman volumen, reptan por los planos, como su autor, y se convierten en objetos escultóricos.
Gerardo Armesto comenzó en su juventud la carrera de arquitectura y la abandonó al poco por la de Bellas Artes. Desde 1981 comparte la cátedra de dibujo del Instituto Los Herrán en Vitoria. Labor que siempre ha simultaneado con su dedicación a la práctica audiovisual y a la plástica. De sus trabajos en vídeo y en cine hay que destacar las obras “La elección del soporte” (1981), “Disfraces para un cubo II” (1985) y “Concierto para una escalera” (1984) En 1990 abandona este trabajo relacionado con la imagen en movimiento. Aunque labor en ese campo dio sus frutos: está presente en algunas videotecas y filmotecas nacionales (Circulo de Bellas Artes de Madrid, Filmoteca Vasca, Filmoteca Española y Centro de Arte Reina Sofía. Y ahora su último proyecto puede ser visto en Zuloa.

DESCONEXIÓN

El otro día fui a Bilbao. En bus. Llegué en tan sólo cuarenta y cinco minutos. Había quedado ahí con Mery Cuesta. Mery es una comisaria de arte bilbaína que vive en Barcelona. Como los asuntos de trabajo deben dosificarse para hacerse más llevaderos, conversamos también sobre otros temas. Hablamos, por ejemplo, de la desconexión cultural existente entre Bilbao, Donostia y Gasteiz. Tres ciudades pegadas, casi conformando una única urbe. Hablamos de que atravesar Bilbao en coche cuesta más tiempo que desplazarse de Bilbao a Vitoria. Y, que en Gasteiz, ir de Salburua hasta Lakua, empieza a ser similar, en cuestión de inversión de tiempo y gasolina, a moverse hasta Bilbao. Pero, sorpresivamente, parecen existir murallas invisibles que nos impiden a unos y a otros -vitorianos, bilbaínos y donostiarras-, hacer vida en común. Cada capital vasca tiene su propio ecosistema. Sin vasos comunicantes entre ellas. Bebemos la misma agua, compartimos embalses, pero con la cultura no pasa lo mismo. Bilbao, Donostia y Gasteiz compiten entre sí en ofertas culturales. Es una lástima. Supone un perjuicio para todos.
Y en Vitoria deseamos un auditorio cuando a cuarenta y cinco minutos en bus tenemos el del Palacio Euskalduna. En 2007 acogió 323 representaciones: 76 eran conciertos de orquestas y coros, 65 conciertos y recitales de música clásica, 29 representaciones de ópera, 13 de ballet y danza, 3 de zarzuela, 99 espectáculos teatrales, y 38 conciertos y recitales de varios tipos. Buena oferta ¿no? Vitoria nunca podrá ofrecer tal cantidad de eventos musicales. Porque Bilbao nos triplica en habitantes y, por lo tanto, en recursos. Pero… ¿por qué no podemos disfrutar de lo que Bilbao oferta? Quizá somos tan provincianos que pensamos que las infraestructuras que están a menos de una hora de nuestro domicilio no tienen nada que ver con nosotros. Deberíamos de reflexionar sobre una realidad: somos incapaces de ir a un teatro o a un auditorio si no lo tenemos en frente de nuestra casa. Si esto es así tendremos que pensar que realmente el teatro o la música no son tan importantes en nuestras vidas. Porque si miles de ciudadanos alaveses fueran semanalmente al auditorio bilbaíno o donostiarra… entonces sí que sería razonable exigir la construcción de uno en Vitoria. O mejor aún: deberíamos de reclamar que nuestras instituciones dispusieran autobuses gratuitos para poder asistir a esos eventos foráneos. Y estamos proyectando un auditorio con un aforo de 1.500 localidades, cuando en Zaragoza, por ejemplo, cuentan con un auditorio de 2.000 asientos, siendo una ciudad tres veces más grande que la nuestra. El ayuntamiento zaragozano desembolsa tres millones de euros anuales para mantener esa infraestructura. Y eso que llena su aforo siempre. ¿Cuánto supondrá mantener un auditorio en Vitoria? En el caso de que se llenen las butacas, tres millones anuales. Pero si eso no es así… entonces el coste puede dispararse.

MATERIA PRIMA

El arte nos incita a salir de nuestras casas, porque se experimenta con más intensidad en vivo y en directo. Y es así como la música, el cine, las artes plásticas parecen multiplicar su misterioso efecto al ser disfrutados en espacios concebidos especialmente para ellos. Espacios en los que compartimos esa experiencia con otras personas: en los cines, en las salas de exposiciones y conciertos… El arte se convierte así en un acontecimiento presencial y colectivo en la era del acontecimiento virtual y privado.
Y estos días podemos escaparnos a ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, para contemplar las últimas obras de arte adquiridas por dicha institución en estos últimos tres años. Desde su apertura en 2002, la colección ha incrementado sus fondos propios en un setenta por ciento. Ya son casi tres mil piezas las que el Museo alberga en su seno. Y de vez en cuando nos enseñan unas cuantas reunidas, agrupadas, bajo un título expositivo. Pero en esta ocasión no. En esta ocasión Artium nos presenta una muestra de sus compras sin articularlas, sin relacionarlas entre sí. Las han comprado y las han situado en varias salas sin más. Sin intermediarios -ya sean comisarios, críticos de arte o técnicos institucionales- elaborando un tema que sirva de excusa para colgar tal o cual cuadro, o para situar tal o cual escultura. De la misma forma que un cocinero bautiza un plato en el que podemos ver diversos ingredientes unificados por una presentación genial y una salsa imaginativa, en los centros de arte y museos últimamente gustan de actuar de forma similar. Pero esta vez en Artium, en “Ultimas adquisiciones” podemos ver “los ingredientes” en estado puro. La obra de los artistas se muestra tal cual. Como fue concebida en su propio estudio. Y eso es interesante. Porque estábamos ya tan acostumbrados a “degustar” obras de arte tan “cocinadas (algunas incluso “recalentadas”) que volver a rencontrarnos con el sabor original de su materia prima puede ser toda una experiencia.
Y de entre todos los “ingredientes” mostrados en Artium sobresale uno. Por su fuerte aroma. Por su carácter interactivo y popular. Lleva por título El museo de la calle, y es obra del sevillano Federico Guzmán. Se trata de un proyecto iniciado a finales de los noventa en Bogotá, donde el artista vivió un tiempo. Un proyecto artístico que se nos muestra como mercadillo atiborrado de objetos de la más diversa índole. Desde juguetes, trofeos, discos, libros de segunda mano, herramientas, utensilios del hogar, objetos decorativos, cuadros, posters,... Y este improvisado “rastro” funciona mediante el sistema de trueque: el espectador puede llevarse cualquier objeto expuesto siempre que, a cambio, deje otro en su lugar. El museo de la calle ha estado así en permanente mutación desde que se mostrara por vez primera en la capital colombiana en 1999 en otra muestra colectiva. No deja, por lo tanto, de ser una creación colectiva. Como todo arte, en el fondo.

NEXT

En Montehermoso se presentó el otro día una nueva iniciativa: Next. Se trata de un ciclo expositivo fruto de la colaboración entre el Centro vitoriano y la Facultad de Bellas Artes de la UPV. Con el encomiable objetivo de visibilizar obras de artistas locales y emergentes. Dos nuevos espacios (no muy amplios) posibilitan que los creadores puedan mostrar varias obras de gran formato. Espacios cercanos a la cafetería, facilitando así que algunos curiosos, amantes del café, puedan contemplar las creaciones de estos jóvenes. En esta ocasión de dos mujeres artistas. Un apunte: no se ha aplicado ahora, por lo tanto, la paridad de sexos. Paridad que pregonaba instaurar en el Centro su director cuando tomó las riendas de este equipamiento hace ya un año. Esperemos que a lo largo del ciclo las/los artistas lleguen a ser pares. No sea que los hombres artistas comiencen a quejarse de trato discriminativo por parte de este Centro Cultural. Centro que se mantiene con el dinero de contribuyentes de ambos sexos y de múltiples géneros. En cualquier caso, y ya en serio, es ésta una buena ocasión para acercarse a Montehermoso y tomar un refresco mientras se contempla las obras de Miriam Isasi y Jesica Martínez. De la primera artista podemos decir que algunos ya conocíamos su trabajo. Miriam expuso en Zuloa hace tres años. Dentro de la programación de este espacio que lleva nueve años intentando visibilizar proyectos de artistas locales y emergentes. En ese sentido Zuloa en 2004 realizó un ciclo expositivo con estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de la UPV. “15x15” se llamaba. A lo largo de tres meses quince estudiantes dieron forma a cuatro exposiciones colectivas. Porque en las universidades de Bellas Artes se enseña a producir arte, pero no a producir exposiciones. Y, hoy por hoy, los artistas más que idear obras aisladas podríamos afirmar que generan exposiciones. Muestras en las que las obras tienen que articularse entre sí instalándose en el espacio expositivo teniendo en cuenta las características de éste. En ese aspecto los estudiantes del ciclo “15x15” aprendieron muchísimo: Zuloa es un espacio problemático: mala iluminación, paredes de piedra y suelo rojizo que interfieren con las obras… por no hablar de la escasez de recursos de este espacio alternativo y privado. Todo un reto. Pero para aprender a exponer lo mejor es “entrenarse” resolviendo dificultades. Y he sacado a colación el ciclo “15x15” porque creo que de iniciativas pasadas (aunque provengan del mundo alternativo) tendrían que ser tenidas en cuenta. Para mejorarlas. En ese aspecto creo que “Next” puede ir mucho más allá. Porque ceder un espacio a un debutante para que muestre su obra (aunque se trate de un “buen rincón” en un centro cultural consolidado) con la pretensión de difundir su trabajo, es, cuanto menos, insuficiente. Insuficiente para el artista. Para el centro no, porque le sale barato colgarse la medalla de “promotor” de lo local, de lo emergente.

MÁS METROS

Me cruzo en la calle con uno. “Estarás contento “, me dice “¿Por?”, pregunto. “Se abre de nuevo la Sala Amárica”, contesta. Y continúa hablando, más ilusionado que yo, mientras mi cabeza se va. Se va al pasado. Justo cinco años y dos meses. Al momento en el que creamos una Plataforma para impedir el cierre de esa sala expositiva. Con el respaldo de miles de firmas fuimos a Juntas Generales para poner sobre su mesa la única Iniciativa Normativa Popular que se ha presentado en la historia de Álava. Para poco sirvió. Ni siquiera llegaron a tramitarla. La sala se cerró. Un, por entonces, diputado de Cultura nos dijo: “En Artium tenéis muchos más metros cuadrados… id para allá”. Y los fantasmas del pasado regresan ahora. En su tiempo les avisamos: Artium no podía suplir Amárica. Porque Artium no es un equipamiento de Diputación. Es un ente semipúblico, o semiprivado, dirigido por un patronato. En el que Diputación está bien presente, eso sí. Pero no es suyo. Y en estos momentos se dan cuenta de que necesitan Amárica. A unos cuantos no nos reconforta decir: “teníamos razón”. Más bien cruzamos ahora los dedos esperando que no estén apropiándose de una reclamación legítima (la de Plataforma Amárica) para reabrir un equipamiento sin ningún proyecto que lo respalde.

En Cultura hay que sumar, no restar. Y ahora parece ser que toca sumar lo restado. Es fácil destruir, pero complejo construir. Abrir un espacio está chupado. Lo peliagudo es elaborar un proyecto eficaz para que esa infraestructura tenga un sentido. Pero parece ser que en esta ciudad todo el mundo cree que con disponer de un espacio guay y equipado ya está todo hecho. Pues no. Llamar a un arquitecto para que le levante un nuevo edificio es lo más sencillo. Lo complejo es elaborar un buen proyecto. En el que se tiene que contar con los agentes locales. Y no me refiero a una llamada de teléfono, o a una reunión precipitada, sino a un grupo de personas aportando, trabajando. Finalmente hay que conseguir el equipo humano que lo lleve a buen puerto. Porque una infraestructura funciona si las personas que están al frente son válidas. Pero en nuestro territorio nunca se trabaja así y por eso la mayoría de las veces fracasamos. No aprendemos la lección.

Y ahora los fantasmas regresan... para decirnos que se cierra la programación –el proyecto expositivo- de la sala de la Casa de la Cultura, pero que, en cambio, se abre la sala Amárica. En su tiempo se cerraba la Sala Amárica porque se abría Artium. Quince años llevaba la Casa de la Cultura programando exposiciones sobre el medio fotográfico. Y le dan carpetazo. Pero dicen que abren la Sala Amárica. Sin ningún proyecto. Es la historia de esta ciudad: abrir espacios sin tener antes un proyecto contrastado por los agentes de la ciudad. Así que a los fotógrafos les dirán ahora lo mismo que a nosotros en su tiempo nos dijo el Diputado de turno: “Id para Amárica, que hay más metros…”

SIN CASA

En cultura, aquí, caminamos cual cangrejos. En vez de andar, desandamos. En vez de construir, destruimos. Y mira que llegué a dudar… “Será cosa mía”, llegué a pensar. Porque me he visto incapaz de escribir en este diario dos columnas seguidas de buen rollo ¡Qué más me gustaría a mí que lanzar cohetes por lo bien que nos va culturalmente en esta ciudad! Ciento y pico columnas ya. Y entre ellas no más de diez optimistas. Me siento sobrepasado por la cantidad de asuntos malogrados, o mal llevados, que veo a mi alrededor cada vez que salgo a la calle y sobre los que creo que debo de escribir. Se me acumulan los temas. Porque uno se entera de repente –por poner un ejemplo- que esa estatua del Celedón puesta en la balconada de San Miguel se pagó en su día con dinero del 2%. Ya saben: ese 2 % de los gastos de las obras municipales en materia de urbanismo que, se supone, tienen que ir destinadas a compra de arte. Un dinero, mucho dinero, que nadie se ha preocupado de recaudar, según confirmó el otro día nuestra concejala. Y uno se entera de que en diez años la única inversión que ha salido de ese 2% ha sido esa: un Celedón. Así que un servidor se lleva las manos a la cabeza y se echa a temblar… Y es que, después de que esa noticia llegara a mis oídos, ya no sé si es mejor que no se gasten un euro más del 2%. Porque si van a comprar más estatuas similares con un dinero que se podría destinar a dar meneo al triste panorama cultural nuestro, lo mejor es, señoras y señores del ayuntamiento, quemar ese dinero la noche de San Juan. Dejen las calles vacías de estatuas, por favor. Y coloquen esas figuritas, si tanto les molan -pero en pequeño formato claro- encima de sus televisores. O adornen de enanitos los jardines de su casa de campo. Porque, digan lo que digan, ni la estatua de Ken Follet, ni la del Celedón, ni otras similares, acabarán nunca en un museo. Son trabajos alimenticios para el artista, lo sabemos todos. El arte es algo más que un bulto de bronce de corte realista situado en la calle para hacer el chiste de que simula un viandante. Ese chiste lo podemos ver por doquier. Ya no tiene gracia. Está más gastado que un tebeo. Sacarse una foto al lado de un torero, o de un Woody Allen, de bronce no es ingenioso ni original. Es una horterada.
A lo que iba al comenzar esta columna… Últimamente se me está quitando el complejo de cascarrabias: las voces críticas en esta ciudad empiezan a ser legión. Eso sí: totalmente desestructuradas, a su bola. Pero ahí están. Ayer, por ejemplo, me llegó un mensaje por correo electrónico. Comenzaba así: “Ante el cierre del programa de exposiciones fotográficas de la casa de Cultura de Vitoria-Gasteiz y la falta de explicaciones de la institución gestora, la Diputación Foral de Álava, los abajo firmantes, fotógrafos, críticos, comisarios, historiadores y especialistas en el mundo de la fotografía, quieren hacer constar…” De este asunto hablaremos la semana que viene.

3 DE MARZO

Ayer se inauguró en la sala de Fundación Caja Vital la exposición “Dispositivos-disposiciones (1982-1992)” comisariada por el galerista afincado en Vitoria Fernando Illana. A partir de obras de arte contemporáneo de artistas que han tenido relación con nuestra ciudad, arropadas por material documental de esa época, Fernando desarrolla su tesis sobre lo que podríamos definir –salvando las distancias- “la movida de los ochenta” en Álava. El comisario quiere dejar patente que en aquellos años comienza el fenómeno de privatización y empresarización del arte y la cultura tanto en nuestro contexto como en el nacional. Y es que Dispositivos-Disposiciones pretende arrojar una mirada sobre esa efervescencia cultural y social de los ochenta en Álava desde una perspectiva más global, contemporánea, política. No podría ser de otra forma. La impronta del pensamiento del comisario tiñe el proyecto. Y en la muestra se pueden contemplar obras de Antoni Abad, Francesc Abad, Ignasi Aballi, Alfredo Álvarez Plágaro, Gustavo Adolfo Almarcha, Gerardo Armesto, Juncal Ballestín, Tom Carr, Daniel Castillejo, Ricardo Catania, Iñaki Cerrajería, Antonio Ciprés, C.V.A, Pep Duran, Pepe Espaliú, Esther Ferrer, Pedro G. Romero, Jorge Girbau, Fernando Illana, Santos Iñurrieta, Prudencio Irazábal, Juan Hidalgo, Rafael Lafuente, José Maldonado, Carlos Marcote, Juan Carlos Meana, Juan Luis Moraza, Juan Carlos Román, Fernando Roscubas, Vicente Roscubas, Francisco Ruiz Infante, Juan Sagastizábal, Néstor Sanmiguel Diest, Paco San Miguel, Fernando Sinaga, Javier Tudela, Luis Ziarrusta.

Y por otra parte el lunes arranca en Montehermoso un proyecto que también habla del pasado de nuestra ciudad: “Hilos Rojos. Apuntes para una exploración del arte y la cultura en Vitoria-Gasteiz” A lo largo de la semana que viene, si nos dejamos hilvanar por esos “Hilos”, podemos asistir varias proyecciones de trabajos documentales, a una charla y a una mesa redonda. “Arturo Rodriguez (Fito) está al frente –o más bien detrás, o quizá en medio -de este proyecto. Proyecto en el que lleva trabajando desde 2004. Y digo que está detrás –o en medio- porque éste es un proyecto que se ha ido tejiendo con las aportaciones de diversas personas. Así el vídeo que resume la filosofía del proyecto recoge la opinión de una docena de personajes pertenecientes a heterogéneos estratos sociales y culturales de nuestro entorno. Y la tesis de “Hilos Rojos” se empieza a materializar, a concretar, a través de los testimonios de esos protagonistas de la época. O, más bien, vemos emerger entre éstos a uno nuevo. A un nuevo actor que no es ya un individuo, sino un hecho colectivo, un acontecimiento local, que marca un cambio en nuestro contexto, que supone el fin de una época y el nacimiento de otra. Nos referimos al 3 de marzo de 1976. Ese es el acierto de “Hilos Rojos”. Deja claro que la cultura, el arte, es un producto colectivo. Como lo es, en cierta forma, “Hilos Rojos”.

REALIDAD

El artista “X” arroja un puñetazo sobre la mesa del pleno municipal mientras grita: “¡Hasta que no nos digáis dónde está el 2% vamos a matar a un concejal cada media hora!”. Su voz suena deformada: la media que cubre su cara le impide vocalizar bien. El artista “Z”, “rotaflex” en mano, vigila la entrada del recinto. El artista “Y”, en una de las esquinas de la sala, esgrime amenazante un pincel. A su vera, pegada a sus pies, la concejala de cultura, rodillas contra el suelo, permanece maniatada. El resto de los representantes de los grupos políticos, pálidos y silenciosos, reposan -quietos, rígidos- en sus sillones. “Hace muchos, muchos años, decidisteis que el 2% de los costes de urbanización se dedicasen a obras de creación artística…”, grita el artista “X”. Tras una ligera pausa, prosigue, esta vez con tono amenazante, como mordiendo las palabras: “Os lo hemos pedido mil veces, os lo pidió el Consejo Social, o lo pidió el Síndico… ¡y estamos hartos!” La concejala intenta levantarse del suelo, el miedo deforma su cara porque la punta del pincel del artista “Y” se le clava por momentos en la sien. Pero no consigue incorporarse, así que desde el suelo logra balbucear: “"Abrí la caja y lo único que salió de allí fue una familia de arañitas…" De repente una voz como un trueno, proveniente del exterior, interrumpe a la concejala: “Aquí la policía… señores secuestradores, un negociador va a llamar ahora mismo al teléfono del pleno, respondan por favor a la llamada”. Al instante el teléfono de la sala suena. “¡Voy yo!”, grita el artista “X”. “No, mejor yo”, protesta el artista “Y”. “No, esto fue idea mía”, exclama el artista “Z”. Los artistas ruedan por el suelo, peleándose por el teléfono. “Yo”, dice uno. “Yo” dice otro. “Yo, yo, yo…” se sigue escuchando mientras todos los concejales abandonan de puntillas la sala…
Y me despierto. “Uf, menuda pesadilla”, pienso. Hoy es viernes... a las ocho en Zuloa se inaugura una interesante exposición. El historietista Miguel Ángel Martín ha colgado en este espacio alternativo veinte originales realizados por él. Y, un poco antes -a las siete de la tarde- cualquier interesado puede acudir a Zuloa para que el propio autor le dedique alguno de sus álbumes. Todo un lujo: Miguel Ángel ha sido definido por la revista TIME como uno de los mejores dibujantes europeos de cómic y la revista The FACE le ha incluido en la lista de los 50 dibujantes del siglo. “Si en vez de dibujantes fuera artista Miguel no expondría en Zuloa, sino en el Guggenheim”, pienso mientras el agua de la ducha empieza a devolverme a la realidad. La exposición ha sido organizada por la Asociación de Dibujantes de Cómic Atiza. Desde 2003 este colectivo coordinaba un festival de cómic que se desarrollaba en nuestra ciudad. Pero este año han tirado la toalla. Por falta de apoyos. Aún así en 2008, aunque no tengamos festival, Atiza se ha propuesto realizar diversas actividades relacionadas con el cómic. Esta es una de ellas.

GAUEKOAK

Como muchos sabéis todos los fines de semana, desde hace ocho años, se viene desarrollando en Vitoria un programa de ocio nocturno dirigido a jóvenes llamado Gauekoak. Su base de operaciones está en el Centro Cívico Aldabe, lindando, por lo tanto, con el Casco Viejo. Y compitiendo con los todos los bares de potes -y de potas- del entorno. Un entorno plagado de noctámbulos ávidos de ser poseídos por la “fiebre del sábado noche”. Un entorno éste en el que, además, se cruzan, conviven –a veces chocan- un crisol de etnias, culturas, generaciones, estratos sociales. Podríamos afirmar que Gauekoak tiene su base en el espacio de la ciudad con el tejido social más rico y complejo de Gasteiz. Por esa razón la labor de los que semana a semana llevan a cabo dicho programa también es compleja. Porque muchas veces las diversas actividades que bajo su seno tienen lugar funcionan de aglutinante. Un aglutinante útil: los diversos jóvenes de la variopinta y tetraédrica zona se socializan compartiendo ese espacio de ocio y cultura con otros jóvenes que se suman de diferentes barrios. Propiciando ese concepto que tan en boca de todos de todos los políticos está pero que curiosamente no suele pasearse más allá de la comisura de sus labios: la interculturalidad. Interesante labor, por lo tanto. Y muy necesaria. Por otra parte el Programa sabe abrirse a la ciudad, ocupando otros espacios. Realizando actividades en distintos lugares: Artium, Montehermoso, centros cívicos y polideportivos de otros barrios, cines VESA, la Bolera Pagazuri y Nex Baskonia, el aula Luis de Ajuria, las plazas públicas de la ciudad, el Campus Universitario y mútiples salas privadas de música como Azkena, Círculo o la Vieja Club.

Pero Gauekoak también tiene otro gran valor, que lo diferencia de cualquier programa institucional: su modelo de gestión. Gauekoak es un programa que se elabora desde una plataforma abierta de asociaciones y colectivos que tienen que ver con el ocio, la cultura y la juventud de nuestra ciudad. Este año, y por el momento, gestionan el programa los siguientes colectivos: Aculra, Sike, Ailaket!!, Intermedios, FAVA (Federación de Asociaciones de Vecinos de Álava), Euskadiko Gazteriaren Kontseilua, GEU Elkartea, Asociación ATIZA, Sexagerian, Comisión Anti-Sida de Alava, SAMA (Sociedad Alavesa de Medios Audiovisuales), Plataforma Araba Dance, La Botica, Club de Tiempo Libre EKHI, Asoc. Kulturama, Asoc. Cultural “Valinor”, Chikara, Brainstorm, Tenkai. Repito: nuestra ciudad no existe otro programa que se gestione de esa forma, sin jerarquías, con un modelo horizontal, y que, además, funcione. Esa fórmula de autogestión interasociativa hace que Gauekoak sea un ejemplo a imitar por otros ámbitos del ocio y de la cultura local. ¿Podría trasladarse ese modelo a un Centro Cultural o un Museo? Si existieran colectivos de artistas, de personas del mundo de la cultura, consolidados, es posible. Y si se pusiesen de acuerdo, más aún. Pero dejemos de soñar….

ALEGANDO

La semana que viene se aprueban los presupuestos del Ayuntamiento. Hasta ayer se podían presentar alegaciones. Cualquier ciudadano podía hacerlo. Tomen nota para el año que viene. Es algo tan sencillo como ir al registro del Ayuntamiento y entregar un papelito. Y la alegación se leerá ante el pleno. Pero en la práctica nadie hace uso de ese recurso. Y eso que gracias a internet todos los ciudadanos podemos leer los presupuestos antes de que sean aprobados. Yo sí he presentado una alegación. Como el único asunto del que puedo afirmar que algo –un poco- sé es el cultural escribí lo siguiente: El presupuesto de este año arroja, una vez más, muchos interrogantes sobre el futuro cultural de la ciudad. Si Gasteiz históricamente ha tenido un importante potencial con respecto a la producción de cultura -por tamaño, por calidad de vida, por bagaje organizativo- nos hemos encontrado en estos últi­mos años con un importante capital acumulado que ha ido paulatinamente desapareciendo gracias a una serie de erradas actuaciones por parte de las instituciones. Y así se ha conseguido anular la creación local. Las peculiaridades de Vitoria que la convirtieron en referente ante otras ciudades en diversos aspectos sociales y culturales han caído en picado sin que las voces críticas que surgen del ámbito cultural sean tenidas en cuenta. Mientras, la serie de macroproyec­tos culturales sigue su curso y los que pertenecemos al mundo cultural asistimos sorprendidos a nuevas iniciativas que apuntan a la banalización del arte y la cultura. ¿Qué sucede, por ejemplo, con el “Espacio de artistas”? En el Plan estratégico 2010 aparece como uno de sus proyectos motores, según el cual: “…el proyecto permitirá la creación de un espacio interdisciplinar de artistas, un espacio físico donde puedan interrelacionarse de forma estable agentes culturales –públicos y privados–, para crear sinergias que desarrollen proyectos de gran envergadura en la ciudad.” Nada sabemos de eso. ¿Qué sucede con el 2%? Sigue sin aplicarse el dictamen municipal relativo a la aportación de un 2 % del presupuesto de urbaniza­ciones públicas municipales para la realización de obras de arte. Se hace necesaria la puesta en marcha de una convocatoria pú­blica de proyectos para ser gestionados a través del 2% que se ajuste a una serie de puntos e ideas que cuenten con la aprobación previa de los que forman parte activa de nuestro debilitado ecosistema cultural. Como el otro día escribía en prensa el crítico y catedrático Antonio Altarriba: “los responsables de turno no están ahí sólo para atraer al público importando eventos sino también para estimular el tejido creativo que se encuentra a su cargo. No tienen como misión imponer criterio sino, sobre todo, encauzar y reforzar lo que hay. De seguir así, Vitoria –ya sin apenas activismo cultural entre los jóvenes- se convertirá en una ciudad con programación pero sin vida, con exposiciones y conciertos pero sin iniciativas.”

PANDORA

El otro día me llegó un mail: “SE BUSCAN CONSEJEROS PARA CAJA VITAL. Hola a tod@s, esto no es una broma, es una posibilidad real. La Obra Social de la Caja Vital Kutxa ha dispuesto este año de 26 millones de euros para las diferentes partidas de Fundaciones, Cultura y Tiempo libre, Asistencia Social y Sanitaria, Educación e Investigación, Patrimonio Histórico y Medio Ambiente y, sobre todo, inversiones -8 millones de euros. (…) A cuántos de vosotros, que gestionáis asociaciones, actividades públicas y festivales varios, os han dicho aquello de no hay dinero para apoyaros? La Caja Vital, como otras instituciones y partidos políticos, se está alejando progresivamente de los ciudadanos a los que, teóricamente, deberían dedicar sus esfuerzos y sus beneficios. El futuro se presenta negro para todos l@s que realizamos actividades sociales ya que estamos asistiendo a un aumento de los recursos invertidos en inmuebles -nueva sede en Salburua, KREA… y a una disminución de los dedicados a contenidos (…) Además, con la probable fusión a medio plazo de las tres cajas vascas, se prevee que el destino de esos recursos sea aún mayor para megaproyectos, y todas las asociaciones tengamos que poner txoznas en La Blanca para sobrevivir (…) el 17 de febrero de 2008 hay elecciones para renovar a la mitad de los Consejeros Generales de la Caja Vital, que son 100, y controlan y proponen a los órganos directivos de la entidad (…) Necesitamos 83 personas para incluir en la lista” Bien: han conseguido llenar esa lista en dos semanas. Se presentan, por lo tanto, a las elecciones, compitiendo con otras seis candidaturas. Lo que me llama la atención de este nuevo grupo es que quieren representar al mundo de la cultura local. Un mundo invertebrado, insolidario, autista. En el año 2000 se crea el colectivo Plataforma Amárica. Es el año que se cierra la emblemática sala Amárica. Ese era el momento en el que la esfera de la cultura local debería de haberse unido en bloque, coincidiendo con ese momento de fractura entre institución y contexto local. Las instituciones rompen ese tácito contrato con la creación local y apuestan por modelos de carácter espectacular: ladrillo y grandes saraos.
Es sintomático que ni uno sólo de los miembros de la extinta Plataforma esté presente en esta candidatura. Las experiencias pasadas, lo trabajado, se pierde. Y ahora, hoy, parece que se actúa desde el rencor. Un colectivo de gente de la cultura unido, consolidado en el tiempo, es más eficaz que cuarenta consejeros descasados en la Vital reclamando “más pelas” para lo local. Esto último es comenzar el edificio por el tejado. Lo primordial es conseguir un consenso, articular un colectivo que ejerza de interlocutor ante la institución, elaborar un programa… Ahí está el quid. No se puede actuar desde el enfado o la decepción. Porque podemos fracturar más el maltratado ecosistema local. Una vez más, en esta ciudad, todo se hace de forma precipitada.

SIN FIN

Tengo “los pilares de la tierra” clavados en el coco. Y es que estos días casi me ahogo sumergido en el “mundo sin fin” de la prensa local: Follet, Follet y más Follet. Aunque, por otra parte, me he llevado una agradable sorpresa: he constatado que buena parte de esta ciudad –revisen en internet los foros de los diarios y lo podrán comprobar- no aprueba la forma de actuar de nuestras instituciones sobre el “asunto Follet”. En mi blog, por ejemplo, una mujer comentaba: “La verdad es que yo también estoy harta de ver al Follet hasta en la sopa. Supongo que lo único que están intentando hacer es vender la ciudad a cualquier precio. Y si eso significa traer a un galés canoso hasta aquí que vende libros como churros a 28 euros cada, ya lo han conseguido.” Y es que lo triste de este asunto es ver qué fatuos valores están promoviendo nuestras instituciones. Si analizas lo que subyace detrás de la visita de Follet a Gasteiz uno se deprime: se gestiona la ciudad cual programa televisivo. Lo importante es conseguir espectadores. Y si son del ámbito nacional o internacional, mejor. El otro día, en la primera reunión de consejo social de la ciudad, los presentes escuchamos al nuestro alcalde durante dos horas. Se supone que el consejo es un organismo de participación ciudadana… pero no: sólo participó, en esta ocasión, nuestro gobernante. No vino a oír, sino a hablar. Pero bueno… a lo que iba: escuchándole, vi la luz. Entendí el caso Follet. Para nuestro primer edil, la ciudad es una empresa que hay que gestionar eficazmente en aras de crear riqueza. Hay que sacarle rentabilidad económica a cualquier actuación, a cualquier proyecto. Un ejemplo: habló el alcalde de que el “anillo verde” está guay, pero que hay que pensar cómo amortizarlo. Y de que -siguiendo con otros ejemplos- el auditorio va a disponer de un sistema técnico avanzado para que en él se puedan grabar programas de televisión. Es decir, se pueda alquilar a terceros. En resumen: tenemos a un alcalde que administra nuestra ciudad en base a premisas puramente económicas. Su objetivo es conseguir que todos seamos ricos. Y famosos. Ante esta propuesta está claro que muchos baten palmas. Son los mismos que se entusiasman por la llegada de Follet. Se embriagan con ese modelo construido sobre la idea de que el capital y la fama son las fuentes últimas del bienestar. Pero la pregunta es siguiente: ¿la felicidad de una persona –o de una ciudad- se basa en la cantidad de dinero que gana? El alcalde está tirando de ese hombre de negocios que todos llevamos dentro. O de ese que aspira a la fama. Aunque luego ese tío –rico, pero insatisfecho; famoso, pero hueco- acabé tirándose por la ventana.
“La cultura no es un bien cuantificable ni siquiera visualizable. Alimento del espíritu, circula por el intelecto, afina la sensibilidad ayudándonos a entender el mundo y a disfrutar de sus bellezas”, escribía el otro día en un diario el escritor, afincado en Vitoria, Antonio Altarriba

EL CANTANTE

Vitoria es ya un parque temático: sólo importa cuánta pasta o cuanto público mueve la industria cultural. Y es que estos días el asunto de Follet, incluyendo en él la estatua esta premoderna que le van a erigir, me hastía. Si no fuera por esta patológica vagancia mía hace días que habría elaborado un texto de protesta buscando las firmas de los que todavía por estos lares no han perdido el norte. El otro día salgo a comprar un libro y me topo con decenas de libreros enfebrecidos vendiendo el best seller de Follet como churros. Los tenían ya envueltos en papel de regalo. Para no perder tiempo. Después conecto la radio y escucho a una tía poniendo a parir a Follet. Diciendo que no se merece esa estatua. Yo en eso discrepo: la ciudad, la pobre, es la que no se merece que la llenen de rancias estatuas. Porque yo pensaba que eso de llenar de estatuas las ciudades era una cosa que puso de moda el PP. Como es el caso de esa Woody Allen en Oviedo. Pero no: éstos que se dicen que son de izquierdas también están en lo mismo. A este paso van a tener que montar una fundición municipal de bronce para que salgan más baratas al contribuyente. Estos tíos son tan carcas que creen que la única forma de rendir un homenaje a alguien o a algo es erigiéndole una estatua. Pero no voy a entrar en eso: la tía en cuestión lo que quería decir realmente es que ese mercenario de las letras que es Follet no se merece un homenaje en esta ciudad. Que los homenajes se deben de rendir a la gente que habiendo vivido en su ciudad ha llegado a formar parte de su historia. Y que lo de la estatua de Follet es un agravio para todos ellos. Y al poco nuestro alcalde –de izquierdas- respondía a sus palabras. Al escucharle tengo que reconocer que mis esquemas se han roto cual cristal. Todo lo que yo pensaba sobre la gente de afiliación izquierdista se ha esfumado. Porque yo creía que esta gente era progresista, solidaria, culta. Pues no. No ponen una estatua de Follet porque es famoso y vende millones de libros. Y, por ende, ha elegido esta ciudad para presentar su best seller. Y ya está. Hemos adoptado a un tío famoso para ver si algo de esa fama se le pega a nuestra ciudad. Y punto pelota. “Las catedrales son una especie de símbolo de todas las contribuciones de la Edad Media. Son hermosas y están llenas de riqueza y complejidad, pero se edificaron en una época que tendremos que recordar por la pobreza e ignorancia de la gente, comparada con tiempos posteriores", dijo el otro día Follet. Es un pozo de cultura el tío. Lo que aprende uno escuchándole… Tópicos y más tópicos.

Menos mal que después ha caído en mis manos una revista en la que se entrevistaba al cantante Mikel Urdangarin. Él y su grupo viven desde hace años en el Casco Viejo de Vitoria. Urdangarin hablaba de sus vivencias, de su trayectoria, de su amor por la música, de sus sueños, de su vida en esta ciudad, de sus luchas. .. Y leyendo eso pensaba: “este tipo sí que se merece un homenaje”.

CASA FRÍA

Un nuevo año. Y una vez más miramos hacia delante intentando preverlo. En ese sentido hoy me han llamado de la radio. Querían saber cómo veía yo el nuevo año vitoriano en el plano cultural. La verdad: en esta ocasión me hubiera gustado contestar de una forma optimista. Pero mi réplica ha sido la siguiente: lo veo negro. Porque aquí cultura e institución son dos palabras que cada año se confunden más. Empiezan a significar lo mismo. Cuando lo importante es que la cultura esté en la calle, no en los Centros de Arte. La cultura no es sólo algo que haya que consumir en los Museos, sino que –y eso es cardinal- es algo que hay que producir entre todos. Y para ello desde la institución se tiene que apoyar a los ciudadanos que quieren generar cultura en todas sus dimensiones: obras de arte, eventos, actividades, exposiciones, conciertos… E incentivarlos. Cosa que aquí cada vez se hace menos. “Muy interesante” me ha respondido el tío de la radio. Pero creo que no me ha escuchado. Porque la siguiente pregunta ha sido: ¿crees que en esta ciudad el ciudadano tiene suficiente oferta cultural? Así que he tenido contestar lo mismo pero con otras palabras. Que una ciudad es rica culturalmente cuando produce cultura. Y cuando esa producción se integra en nuestra vida cotidiana: fanzines, libros, conciertos en bares, exposiciones, apertura de espacios de arte privados… “Muy interesante” me ha vuelto a responder el tío sordo. Porque la última pregunta que me ha formulado ha sido la siguiente: “ Y qué te parece la creación del nuevo auditorio?” Yo ahí he perdido la paciencia. Y he respondido que si hablamos de consumo lo mejor que puede hacer un vitoriano es irse a Madrid a disfrutar de un buen espectáculo en uno de sus excelsos teatros. Y que nuestro ayuntamiento lo que tendría que hacer es subvencionar autobuses gratuitos que nos lleven para allá. Así nos airearnos un poco de nuestro síndrome de enano con miras de superioridad.

Porque crear una infraestructura nueva, de lujo, está al alcance de muchas ciudades de provincias. Pero mantenerla… eso es otra cosa. Para eso hace falta vender miles de entradas. Y en Vitoria no hay tanto público: somos una ciudad mediana. Traer una gran orquesta a nuestro auditorio, por ejemplo, costará mucho dinero. Por lo que al final ese nuevo equipamiento va acoger dos grandes saraos al año. Y a cuenta de que el ayuntamiento afloje mucho el bolsillo.

Todo esto me recuerda a un amigo mío que se ha comprado una casa de doscientos metros cuadrados. Gran casa para fardar. Pero que luego se pasa los largos inviernos muerto de frío porque no le llega la pasta para calentarla. Ni siquiera para cuando llegan las visitas.

Así que la mejor propuesta cultural hoy en día en nuestra ciudad nos la ofrece el Corte Inglés: nos vende entradas para irnos a Barcelona o Madrid para disfrutar ahí de los grandes eventos culturales.

CREADORAS

Moderé el otro día en Montehermoso una mesa redonda: “Autoras en el cómic”. Tres autoras y una especialista en cómic femenino estaban sentadas alrededor de esa mesa. Además de un servidor. Detrás de nosotros un cartel proyectado inundaba la pared. En el cartel aparecían sendas viñetas de la obra de las invitadas con unos breves datos biográficos. La mesa era una actividad enmarcada dentro del Festival Crash Cómic que este año ha girado en torno a las féminas creadoras. Frente a nosotros no habría más de veinte personas. Pues bien, una de las invitadas, Chantall Montelier, al llegar su turno de intervención proclama que la selección de la viñeta suya que estamos proyectando le parece lamentable. Que es machista. Yo le explico que esa imagen la he seleccionado de un álbum suyo, que además es la imagen que ilustra la portada, y que, por ende, esa viñeta es la única que ocupa una página completa dentro del álbum. De ahí que yo pensara que la mencionada imagen era significativa dentro de su trayectoria como autora. Me encuentro un tanto azorado explicando cosas tan obvias cuando una mujer del público sale en mi defensa, explicando, más o menos, lo mismo que yo argumentaba: que una imagen puede ser ambigua. Que depende de cómo la mire el espectador su significado varía. Pero al momento otra dama del público toma la palabra para afirmar que lo que sí le parece totalmente machista es la elección de una de los dibujos que ilustran el cartel del Festival Crash. Que esa imagen está extraída de un álbum de cómic en el que se relata como una niña es víctima de abusos. Yo le comento que para este Festival contamos con la colaboración de dos organizaciones dedicadas al género, y que ambos colectivos habían visto el cartel antes de pasar por la imprenta sin encontrar nada que les molestase. La mujer me contesta que ella pertenece a uno de esos dos colectivos y que no cree que yo enviase nada a nadie. Yo le contesto que se lo remití a una persona en concreto, que era mi contacto dentro de esos colectivos y que no sé si esa persona se lo mostró a todos los socios. Sandra, una de las invitadas, interviene en mi defensa. Diciendo que nuestra intención al organizar un Festival sobre autoras era buena, que somos buenos chicos. “Una vez más una mujer me salva”, pienso aliviado. Pero ahí no se acaba la cosa. Una señorita del público toma la palabra para afirmar que lo que sí le parece una pasada es que los textos que aparecen proyectados detrás nuestro no estén en euskera. En esta ocasión no contesto. Sí, la mujer tiene razón: esos textos no están en euskera. No le puedo decir que en la página web sí están en euskera, así como en el cartel que hemos puesto por las calles, pero que la presente proyección está sin traducir por problemas de tiempo.
Y después de tanta estéril polémica todavía nos sobra unos minutos para poder hablar del asunto en cuestión: autoras en el cómic.

SE ACABÓ

Cinco ediciones del Festival Crash Cómic. Y no habrá más ediciones. Porque no se puede gestionar un festival sin ayudas, con un presupuesto de seis mil euros aportado en solitario por el Gobierno Vasco. Cada año la lucha por sacar el Festival adelante es más dura. Y uno se cansa. Ni siquiera te quedan ganas para convocar la rueda de prensa de turno y anunciar públicamente tu abandono.
Sabemos que Vitoria es la ciudad de la península con mayor número de dibujantes por habitante. Sabemos que Vitoria es la sede de la única revista de cómic del Estado que sigue funcionando: TMEO. Revista que este año ha cumplido veinte años y que el mes pasado fue homenajeada en el Salón de Cómic de Getxo. Sabemos que Vitoria está hermanada con Angouleme, ciudad europea en la que se desarrolla el Salón de Cómic más importante de Europa. Sabemos que el cómic está de moda: este año se ha convocado por primera vez el Premio Nacional de Cómic. Y sabemos que, por todo ello, está ciudad podría haberse situado a la cabeza dentro del panorama del cómic nacional. Pero no. Otro tren perdido.
Porque también sabemos que en esta ciudad la opción es clara: se elige ser cola de león en vez de cabeza de ratón. Y el cómic es un ratón. Aunque ese ratón se esté convirtiendo poco a poco en león. Pero sólo interesan los grandes planes a corto plazo ¡Cuándo se darán cuenta de que una ciudad no puede ser puntera partiendo de la nada, por mucho dinero que tenga, por muchos directores de planes estratégicos que se contraten! Nuestros políticos parecen niños construyendo castillos en el aire. Y contagian al ciudadano.
Cinco ediciones llevamos con el dinero que algunos se gastan en un lunch. Los únicos que nos han apoyado año a tras año han sido Gobierno Vasco y Gauekoak. Y con su apoyo hemos conseguido aparecer en todos los listados de eventos relacionados con la historieta del Estado. Y con un presupuesto de risa. Gracias también a la ayuda de reconocidos dibujantes como Mauro Entrialgo, o de catedráticos como Antonio Altarriba y Juan Manuel Díaz de Guereñu. Porque gracias a ellos las publicaciones de Crash aparecen en las bibliografías de los libros especializados. Vitoria es potencialmente “la ciudad del cómic”, eso es un hecho. Pero nadie lo hace real. Incluso ahora que la palabra cómic está en boca de todos, comenzando a ocupar el lugar que se merece.
Y desde nuestra asociación de dibujantes seguiremos trabajando, por supuesto. Pero detrás dejamos proyectos que no han cuajado: una biblioteca especializada en cómic, un museo del cómic. Cuando los presentamos hace cinco años eran proyectos novedosos. Ahora son realidad en otras ciudades cercanas. Enhorabuena para ellos. Aquí lo teníamos la mejor materia prima, pero nada se ha hecho. La cultura está en manos de políticos y funcionarios. Ese es el problema. La cultura se convierte en algo de burócratas, en algo mortecino, en algo que acaba perdiéndose en los despachos como un papel traspapelado.

SUPERWOMAN

Corren vientos fríos. Pero no sólo por nuestras calles. Y uno mismo se aburre al hablar de ello. El otro día, en mi blog -en respuesta a una columna mía que hablaba sobre la sugestiva exposición de Elliot Erwit- un lector escribía “Seguramente sería más interesante tu columna si la dedicaras a hacer crítica seria de las exposiciones de la ciudad, como haces en ésta con la de Erwit. Es una pena que no haya en la prensa local alguien capaz de hablar con criterio de fotografía.” De verdad: me encantaría comentar exposiciones en este espacio. O en otro. Porque creo que es necesario explicar al ciudadano, y con argumentos claro, qué exposiciones pueden ser relevantes. Y más aún en una ciudad en la que las muestras expositivas brotan como champiñones. Porque tener un referente crítico delante de nosotros siempre es necesario. Referentes cercanos sobre cine o sobre literatura abundan. Pero con el arte, incomprensiblemente, eso no sucede. No aquí.

Y a penas hablo de muestras locales porque creo que hay en Vitoria asuntos más urgentes sobre los que discutir. Aun a riesgo de hastiar al lector. Me interesa más generar debate sobre el carpetazo al Festival de Cine Europeo (NEFF). O sobre esa bajada de persianas de Cultural Álava. Acerca del asunto NEFF, hoy me ha llegado una misiva de unos ciudadanos para que la firmase. Demandando que el festival siga desarrollándose como hasta ahora. “Queremos cine”, reclaman. Y uno no sabe qué decir. Porque nadie nos explica nada. Así que lo único que nos queda es leer la prensa. Y así nos enteramos de que no hay una comunicación oficial del cierre del Festival. Lo que sí sabemos es que el paraguas NEFF nació en el área audiovisual de Montehermoso. Y en un contexto abonado por unos objetivos claros y definidos. Y ahora parece ser que esos objetivos han cambiado, que se deshace el paraguas y se recupera el área de audiovisuales del Centro. Pero lo que nadie nos resuelve, es por qué y para qué. Con información podemos criticar, valorar, dar opiniones. Sin ella estamos siempre en el plano de la especulación. ¿En qué consiste la nueva área? ¿Qué objetivos tiene? ¿Qué presupuesto, etc...? Sinceramente: no lo sé. Y el motivo es muy sencillo: falta de información. Y es responsabilidad de la concejala de Cultura aportárnosla. Pero la concejala de cultura no es sólo concejala de cultura. Es un trozo de concejala de Cultura. Porque es también concejala de Presidencia y segunda teniente de alcalde del Ayuntamiento. No creo que nadie pueda ocupar tres cargos públicos sin que se resienta su labor en alguna de las áreas de la que es responsable. Aunque sea una mujer y no un débil hombre. Y perdón por el chiste. Pero hace tiempo que dejé de creer en superhéroes sean del género que sean.

Quiero pensar que ese es el problema que estamos viviendo. Porque si no estamos asistiendo a un ocultamiento de datos. O peor: no tienen ni idea de lo que se traen entre manos.

TAXIS Y HOTELES

Una de las razones de peso esgrimidas para apoyar con dinero público el Azkena Rock es que los hoteleros y los taxistas hacen negocio. Por lo tanto, medio millón de euros para el Azkena. Pues bien: yo ni soy taxista ni regento un hotel. Y como yo, el 99% de la ciudad. ¿Parte de ese dinero sale de lo que se ahorra el Ayuntamiento por eliminar el NEFF, el festival de cine europeo? ¿Y otra parte de clausurar las oficinas de Cultural Álava? Seamos serios: si un festival es cultura midan su rentabilidad en base a criterios culturales, no económicos. Y si hay que rentabilidad económicamente la cultura –cosa que yo no defenderé en mi vida –entonces, por favor, que las subvenciones no salgan de los departamentos de cultura, ni de las obras sociales. Que el dinero salga de la partida de subvenciones destinadas a empresas. Como se hace en Bilbao: Promoción Económica es la entidad que aporta dinero para ese tipo de eventos económico-culturales. A Bilbao la copiamos en algunas cosas, pero en otras, en las de cajón, no.

Del Azkena se deberían de beneficiar los ciudadanos, en primer lugar. Y en segundo lugar el mundo de la cultura, que también lo conforman ciudadanos. Y si no, agarren ustedes ese medio millón de euros y repártanlo directamente entre hosteleros y taxistas. Ahorraremos tiempo. Repito: no justifiquen el capital que entregan a la empresa L.T.I, organizadora del Azkena Rock, en base a criterios crematísticos. Porque las cuentas no cuadran. Ustedes subvencionan el Azkena porque es un evento mediático. Ustedes subvencionan el Azkena para vestirse de rockeros un día, ir al festival, sacarse la foto y salir en el “teleberri”. Porque si quisieran que el nombre de Vitoria “sonase fuera” podrían haber negociado en su día que, en vez de Azkena Rock, el “festi” se llamase Gasteiz-Rock. Y si quieren beneficios culturales y económicos para la ciudad, entonces, señoras y señores, consigan que toda la ciudad se sumerja en el rock. Pero sin tener que pasar por taquilla. Suelten pasta para que durante esos días haya conciertos en otros espacios de la ciudad. Repartan beneficios. Porque muchos foráneos llegan a Vitoria, se alojan en ciertos hoteles de las afueras y no pisan la ciudad. ¿Para qué pisarla? L.T.I como buena empresa, quiere que los visitantes se dejen hasta el último euro dentro de su recinto de Mendizabala. Y que no se alejen de él. Llego a Vitoria, me alojo en un hotel, cojo un taxi para ir al festival, paso ahí toda la noche y lo que aguante del día, y, otra vez, taxi y hotel. No me extraña que los chóferes y hospederos se forren esos días.

Me quedo mil veces con la forma de gestionar el Festival de Jazz por Añúa. Porque durante esos días la ciudad vive el Jazz. Hay actividades continuas. Y sin tener que pagar sesenta euros de abono, como sucede con el Azkena.

No se puede dejar la cultura al albur de las empresas. Ni al albur de los políticos, visto lo visto. Los primeros sólo quieren dinero. Los segundos sólo votos.

SERÉ "GIRI"

He leído “Los Pilares de la Tierra”. Tengo la debilidad de leer libros de evasión cuando debo de permanecer sentado o postrado durante muchas horas sin nada mejor que hacer. Así, con los años, he leído multitud de “best sellers” en hospitales, aviones y aeropuertos. Y he llegado a la conclusión de que tildar como “mal libro” a cualquier cosa que se venda es, claramente, un menosprecio infundado. Porque he encontrado páginas de buena literatura entre autores tan denostados por la crítica como Stephen King o Morris West. Y cuando hablo de buena literatura me refiero a obras que consiguen conmoverme, o que me hacen reflexionar, mientras me divierto. Obras que, por alguna razón, perduran en mi memoria. No es el caso de “Los Pilares de la Tierra”. Mientras leía ese folletín interminable me formulaba a mí mismo la recurrente pregunta: ¿será posible que en mil y pico páginas no encuentre ni una sola frase dotada de fuerza, ni una sola idea inteligente o bella? “Los Pilares de la Tierra” es un melodrama barato con personajes arquetípicos y acartonados –los malos son malísimos; y los buenos, unos santos- condimentado con algo de arquitectura medieval. Y lo más irritante es la falsa erudición de su autor, Kent Follet: cientos de páginas describiendo con pésimo estilo la construcción de una catedral que parecen extraídas de un manual de arquitectura: nombres técnicos por doquier, ausencia de metáforas inteligentes… Pero su autor ha vendido millones de ejemplares. A millones de lectores que creen que una novela es tanto más buena cuantos más datos presumiblemente cultos contenga. Pues bien: la segunda parte de esa novela la presenta ahora en nuestra ciudad. No es de extrañar: la Fundación Santa María cedió a su autor todos los estudios realizados sobre nuestra catedral durante estos años de restauración. Material que Kent Follet ha utilizado muy gustoso para ambientar su nueva novela. Se ha ahorrado así la contratación de “negros” para esa labor. “El proyecto de la Fundación ya es conocido en muchos lugares, pero esto va a multiplicar por mucho la repercusión de Santa María y, por lo tanto, de la capital alavesa”, dice el gerente de la recuperación del templo. Y en ese sentido, en un acto que rallará la horterada, un escultor ha realizado una estatua de Ken Follet que será colocada en la plaza de la Brullería. Esperemos que los próximos años no vengan más famosos a nuestra ciudad. Porque en su tiempo ya le dedicamos una estatua al músico Wynton Marsalis. Y ahora a Follet. La próxima estatua puede ser de Bisbal, cuidado.

El artista Wharlol dijo hace décadas que en el futuro todos tendríamos derecho a nuestros 15 minutos de fama. Yo añadiría: en el presente todas las ciudades que aspiran a ser globales tienen derecho a sus 15 minutos de fama. Aún a costa de hacer el payaso. Eso sí: durante esos minutos yo reniego de mi ciudad. Durante esos minutos “follerianos” yo me declaro “giri”.

"JET LAG"

“¿Así que artista?”, me pregunta, serio, el tío de inmigración. Y mientras asiento pienso cuál es el recóndito impulso que inexorablemente me empuja siempre a escribir en los dichosos papelitos -en la casilla “profesión”- la palabra “artista”. Ese pensamiento me acompaña a lo largo del vuelo Caracas-Madrid. Y no me abandona. Porque no hallo respuesta alguna. “Si no pongo artista… ¿qué diablos pongo?”, concluyo. Por otra parte, nunca he notado sonrisas de mofa procedentes de los cuerpos de seguridad. “Se lo toman más en serio que yo”, pienso.
Llego a Vitoria. Compro la prensa local. Leo un artículo: “El diario «X» reúne en torno a la misma mesa al alcalde de Vitoria y a ocho ciudadanos de distintos perfiles que buscan respuestas concretas a sus preguntas”, se titula. Y una pintora formula las suyas al alcalde de nuestra ciudad. “Me he debido de perder algo en estas dos semanas”, pienso. Porque no conozco a esa artista “Treinta años y pintora de profesión, cuenta que regresó hace dos años de vivir una larga temporada en Nueva York y que a su vuelta a Vitoria se topó con una «visión cultural desoladora» por la ausencia de programas o talleres que promuevan la actividad artística local. «El panorama es tan duro que decir en alto aquí que eres artista tiene un componente peyorativo. Incluso es motivo de mofa», se lamenta. «Parece que nadie nos necesita. ¿El Ayuntamiento tiene algún interés en nosotros o va a seguir obviándonos? »”, le lanza. Si yo fuera el alcalde –pienso– le respondería con otra pregunta: “¿Y tú quién eres?” Porque claro, se obvia al conocido. Al desconocido no se le puede obviar. Porque, si no, yo también soy culpable de obviar a esa pintora. Por otra parte –cavilo- no es raro llegar de Nueva York y pensar que esto es el desierto. Pero si llegas, por ejemplo, de Caracas, esto te parece un vergel. Pero no, Lazcoz le contesta que quiere dar un giro a esa situación y anuncia que en los presupuestos del año que viene “separaremos cultura de folklore, entendido este como las fiestas de Carnaval, La Blanca o el parque infantil de Navidad”. ¿La razón? “Queremos una gestión cultural más arriesgada y menos populista”, afirma. Yo no entiendo nada. Debe de ser el “jet lag”. Lo que estoy leyendo me parece extraído de un diálogo de los hermanos Marx. Porque la conclusión que se puede extraer de esa argumentación es que el folclore no es cultura. Y que a los artistas locales se les ignora a resultas de haberlos tratado como folklóricos. El alcalde prosigue argumentando que Vitoria sólo cuenta con un espacio de referencia, que es Montehermoso, y que en un par de años se unirá el complejo Krea, previsto por la Caja Vital para el convento de Betoño. “Se ha cargado de un plumazo a Artium”, pienso. Y la pintora dice que no sabe si Cultural Álava sigue funcionando. ¡Vamos! Dos personas hablan públicamente de cultura local y ninguna demuestra saber un carajo del asunto.

PERISCOPIO

No suelo hablar de exposiciones. Porque me interesa más escribir sobre lo que se cuece tras las bambalinas del gran teatro de la cultura. En ese sentido creo más relevante valorar las actuaciones en materia cultural generadas por las instituciones, que hablar sobre el propio y concreto arte en sí. Porque esta columna quiere ser de crítica cultural. Entendiendo la cultura como las formas de vida, y sus expresiones, producidas por una sociedad. Por lo tanto, si tengo que elegir entre valorar públicamente lo generado por una institución -por sus políticas- y lo generado por un artista, me parece más urgente hablar de lo primero. Porque hoy en día es en el seno de las instituciones donde la producción cultural se convierte en socialmente representativa. Ellos tienen la sartén por el mango. Ellos son la cultura. Y me interesa hablar sobre ello porque, además, en el seno de la institución y desde la institución, nunca se ejerce crítica alguna.
Pero hay excepciones. De vez en cuando uno asiste a una exposición que le deja con la boca abierta. Es el caso de la muestra del fotógrafo Elliot Erwit. Exposición ubicada en la sala de la Fundación Caja Vital y que se enmarca dentro de la iniciativa “Periscopio”. Estos días pueden, y deben, visitarla.
Podríamos enmarcar la obra de Elliot Erwit dentro del ámbito de la fotografía documental. O del fotoperiodismo. Aunque últimamente éste no atraviesa buenos momentos. La fotografía como documento está inmersa en una profunda crisis de ideas, de conceptos, de contenidos. Ejemplos que corroboren este hecho los tenemos ahora mismo delante de nuestras narices. Los tenemos en nuestra ciudad, enmarcados también dentro de la iniciativa “Periscopio”. Estoy hablando de esas fotografías pretendidamente documentales que, paradójicamente, si rascamos un poco, se nos muestran sensacionalistas, publicitarias. Fotografías realizadas con magníficas cámaras, con excelentes composiciones, con ostentosas facturas. Pero que, bajo la excusa de reflejar crudamente la realidad, lo que hacen es recrearla embelleciéndola. Porque ¿es posible que una fotografía de un asesinado rodeado de escombros tenga una estética de spot publicitario? Sí ¿Y que se premie ese trabajo? También. ¿Y por qué? Porque hay que vestir bien al muerto para que quede presentable, para poder mostrarlo al público. Así se venden más periódicos y más revistas.
Muchos fotógrafos deberían de visitar la exposición de Elliot Erwit. Para constatar que la fuerza de una imagen no reside en un encuadre bello. Ni en una composición bella. Sino en plasmar una idea inteligente de una forma inteligente. Y sin artificios. Reside en saber ver la ocasión. En ser consciente de la realidad que te rodea. En saber unir elementos distintos, incluso contradictorios, para comunicar algo al espectador. Para comunicar una verdad oculta por su evidencia. El artista Elliot Erwit sí es como un periscopio.

PAUPÉRRIMO

¿Qué pasaría si nuestra existencia la dedicáramos sólo a vivir contados sucesos grandiosos, desterrando de ella las miles de pequeñas vivencias, los cientos de pequeños actos diarios que la pueblan? ¿Qué pasaría si viviéramos sólo para los grandes hechos y el resto del tiempo lo invirtiéramos preparándolos y preparándonos? Con la cultura está pasando lo mismo. Todo tiene que ser gran acontecimiento: faraónicos museos, tremendos centros culturales; acogiendo, generando emblemáticos eventos. Y los cientos, miles de sucesos, actos creativos, que deberían de ser generados por los ciudadanos, que deberían de llenar la vida de una ciudad, hace tiempo que no tienen lugar. Nunca antes se había destinado tanto dinero para la cultura y nunca antes la cultura, la real, la que tiene lugar fuera de las instituciones, había sido tan imperceptible, tan mínima. El otro día un amigo mío -fotógrafo de profesión- me invitaba a su estudio para que viera lo que se cocía en él. Estaba creando algo nuevo y su proyecto era invitar, una a una, en una especie de “pases privados” a media docena de personas. Yo le comenté que su oferta me parecía extraña y completamente inusual: porque ya nadie, ningún creador, abre su estudio a la gente. Nadie te ofrece vivir una experiencia en su estudio. El ecosistema cultural se muere. Crear por crear, como práctica vital, se está acabando. Cualquier acto creativo tiene que tener ahora un sentido, un fin práctico. Y así vemos a muchos artistas de brazos cruzados esperando que les llueva algún encargo. Y a otros concursando. Como si estuvieran preparándose para unas oposiciones. Esperando ese tren que muchas veces no llega. Se han convertido, o el sistema les ha convertido, en empresarios. Empresarios que tienen que especular con su obra para no acabar en el paro.
Y por otra parte los cuatro gatos que todavía tienen ganas de generar cultura porque se lo pide el cuerpo -un festival de cómic, una exposición de arte en un pabellón industrial, unas jornadas sobre un tema de interés, etc.- lo tienen muy difícil. Tienen que trabajar a cobijo de la institución. Porque si quieren parir algo fuera de su seno… ¿cómo lo hacen? ¿Compitiendo? Si generas, por ejemplo, una obra de teatro y cobras entrada, la institución genera diez obras y casi gratis. Te lo ponen difícil. Pero Dios aprieta pero no mata. Y para eso han creado las subvenciones. Para que el ecosistema cultural no termine por morir. Aunque lo mantienen en un estado de animación suspendida. Por otra parte las subvenciones no abundan por estos lares: las únicas que apoyan la gestión de actividades culturales relacionadas con las artes son las del Gobierno Vasco. No hay más. O las tomas o las dejas.
Y estos días la Fundación Rodríguez, colectivo de artistas afincado en nuestra ciudad, ha rechazado la subvención que les ha concedido el Gobierno Vasco. Un rechazo destinado a generar debate en torno al “sistema subvención”. Esperemos que así sea.

TRINIDAD

Cultural Álava es un ente creado hace seis años por Diputación, Ayuntamiento y Caja Vital. Su “leitmotiv” era –y es- el utópico lema "nos une la cultura". Su objetivo: desarrollar y promover actividades culturales en Gasteiz y Álava mediante la coordinación entre instituciones y agentes culturales. En ese sentido Cultural Álava -y cito casi textualmente su ideario- quiere contribuir a mejorar la calidad de la oferta cultural de nuestro territorio en base a cuatro líneas estratégicas. La primera de ellas gira en torno al apoyo a la difusión cultural. A través de sus propios medios de difusión: Revista Cultural Álava, el Punto de Información Cultural Álava y su página web. Usándolos como “antena” de los grandes acontecimientos culturales que suceden en nuestro entorno. Y desarrollando programas de sensibilización hacia la cultura para atraer nuevas audiencias. Y finalmente –sigo citándoles; espero que no me demanden por plagio- intentando elevar la calidad de la oferta cultural mediante la programación de actividades culturales de gran nivel.
Su segunda línea de trabajo incide en el apoyo a la proyección cultural. Mediante el impulso de proyectos culturales que tengan por objeto promocionar la imagen de Vitoria y Álava en el exterior, su patrimonio cultural, productos culturales locales, rutas de interés cultural, acciones para la atracción de turismo cultural…
La tercera línea -que es la que menos espacio ocupa dentro de su decálogo- versa sobre el apoyo a la producción cultural local. En ese sentido quieren fortalecer el papel de la industria cultural local como suministradora de contenidos apoyando su difusión.
Y la última línea estratégica trata sobre el apoyo a la excelencia en la gestión cultural. Contribuyendo a la coordinación interinstitucional Colaborando en la mejora de servicios. Y fomentando el estrechamiento de relaciones con el sector privado.
Parece ser que los agentes que crearon la entidad están pensando pasar página. Porque las tres entidades de su gestora celebraron hace semanas una reunión para plantearse el futuro de este organismo. Organismo que se rige por un convenio que concluye el mes que viene. Dudan si dar por terminado el consorcio, mantenerlo o replantear su actividad.
Desde que tengo uso de razón no he conocido a nadie que esté en contra de que la coordinación interinstitucional en nuestra provincia. Para evitar solapamientos. Para abordar entre todos proyectos de mayor enjundia. Dejando de lado rivalidades. Olvidando si una institución pertenece a tal o cual partido. Pues bien: “Cultural Álava” ha sido el único intento serio en ese sentido. La labor era –y es- difícil. Porque conseguir que “la trinidad de la cultura local” camine en una misma dirección es una tarea de titanes. Así que no nos engañemos: si el organismo baja su persiana no es un fracaso de Cultural Álava. Es un fracaso de las instituciones implicadas. Una lástima… otro tren perdido.

DEJA VU

El Guggenheim cumple diez años. Y para celebrarlo inauguran una exposición de jóvenes artistas vascos. Algo inusual. Porque este museo “afranquiciado”, global, americano, no es célebre por exportar el arte vasco, próximo, local, fuera de nuestras fronteras. Los miles de viajeros que se desplazan a Bilbao quieren ver arte americano, europeo o chino. Vienen más a esparcirse, a “turistear”, y, en definitiva, a gastar sus dineros. Porque el Guggy es un museo que usa el arte como reclamo. Su fin: atraer visitantes. La cultura entendida como un mero recurso económico, por lo tanto. “Avida dólar”, sería su lema. “Avida dólar” le llamaba Bretón a Dali, por el insaciable interés crematístico del genio catalán.

Eso lo tienen claro estos del Guggy. Y tienen claro también que si mostraran arte realizado por estos lares sólo irían cuatro turistas despistados a visitarles. Pero las realidades no tienen por qué ser sólo blancas o negras. Pueden existir, o coexistir, diversos planos dentro de una misma realidad. En este caso, en la realidad de la cultura, el plano local y el global pueden complementarse. Pero, hasta ahora, eso no ha sido así.

Y ahora cumplen diez años. Y exponen por primera vez a doce jóvenes artistas vascos. Todo suena a operación para lavarse un poco la cara ante la sociedad vasca. Porque todos los vascos pagamos y financiamos con nuestros dineros esa infraestructura cultural. No estoy inventado la pólvora mojada afirmando esto. La mayoría de artistas, críticos, gente de la cultura de nuestro entorno opina de manera similar.

Y doce jóvenes artistas vascos exponen en el Guggy y, entre ellos, no hay un solo alavés. Ese hecho está levantando ampollas en nuestra provincia. Hoy, por ejemplo, me ha llamado un periodista para preguntarme mi opinión sobre ese asunto. Parece ser que el gacetillero en cuestión nunca ha leído esta columna: mil veces he reiterado que en nuestro territorio nadie se ha preocupado por hacer visibles, por apoyar, por exportar a los creadores que viven aquí. El otro día, por ejemplo, explicaba en este foro que en la recién inaugurada exposición de la selección de fondos fotográficos de Artium está presente la obra de cuatro artistas alaveses. Pero que, paradójicamente, en ningún medio local mencionaban sus nombres. Si aquí no se habla de los artistas que tienen la mala suerte de vivir en nuestro territorio y no se les apoya… ¿cómo alguien foráneo va a seleccionarlos para una exposición de arte vasco? Los creadores de Álava no existen. Ni aquí, ni por supuesto, fuera.

Los artistas que exponen hoy en el Guggenheim fueron, la mayoría de ellos, apoyados en su día por ciertas infraestructuras culturales: Arteleku (San Sebastian), Bilbao Arte (Bilbao), incluso Artium.

En conclusión: si en esa exposición no está presente ningún creador alavés es porque las políticas en materia de cultura de nuestras instituciones públicas no han sido eficaces.

MONTEKREARTIUM

Cuarenta inviernos ya. Y desde los veinte ando metido en esto del arte y de la cultura. Como muchos otros. Durante esos años he participado en un montón de aventuras. Y de desventuras. Muchas de ellas compartidas. Muchas de ellas emprendidas con el ingenuo propósito de intentar cambiar un poco, para mejor, el panorama cultural próximo. Para hacerlo más participativo, más divertido. Y el otro día le comentaba a un compañero de esas aventuras y desventuras que después de veinte años dando el turre, me daba la impresión de que no habíamos conseguido cambiar nada. Nunca tantos habíamos trabajado tanto por tan poco y para conseguir… nada. “Partiendo de la nada hemos alcanzado las más altas cotas de la miseria”, diría Groucho Marx. Porque con la creación del colectivo Plataforma Amárica no logramos que la sala Amárica no cerrase sus puertas. Y con la participación en el Consejo Social de la Ciudad, después de elaborar informes, reunirnos un montón de veces -y todo por la patilla- no conseguimos que los propios políticos que nos convocaron nos hicieran el más mínimo caso. A mí se me quedó cara de tonto. Y a otros, a los que nos llamaron, de listos.

Conclusión: las instituciones son impermeables a lo que los agentes culturales y sociales de la ciudad puedan querer aportar. Cuando te convocan es para tirarse el moco de lo abiertos que son. Se sacan la foto contigo y a correr. Parece ser que para cambiar algo tienes que forma parte de la propia estructura institucional. Opositar, obtener un contrato, un salario para tener voz y voto. No existe la democracia participativa. Puedes llevar veinte años en la carretera –en la de la cultura- que llega un nuevo concejal, diputado o gestor cultural, recién salido de fábrica, y pasará en moto de lo que le puedas sugerir. A los cinco minutos de ocupar su sillón ergonómico ya piensa que lo sabe todo. Aunque dirá públicamente que escucha a los artistas. Y que, por lo tanto, permite que éstos participen. Palabras y titulares.

Si quieren hablar de participación real, señores y señoras, compartan la gestión de recursos e infraestructuras. Porque participar es construir en común. Participar en hacer y gestionar entre todos. Que se creen en Artium (Diputación), Krea (Caja Vital) y Montehermoso (Ayuntamiento) sendos consejos en los que estén presentes las fuerzas vivas de la ciudad. Con su voz y con su voto. Incluso que en dichos consejos esté presente el propio público, el propio usuario. Porque si tanto piensan en el público dejen que éste participe. Eso sí es hablar, escuchar, dialogar. Lo demás… está de más y rima. Si quieren centros culturales contemporáneos y participativos sean contemporáneos y participativos en la gestión de éstos.

Y hablo de todo esto porque estos días hemos visto en la prensa a los directores de Krea, Artium y Montehermoso. La foto: tres cabezas para tres proyectos. Cuando deberían de ser trescientas cabezas para tres proyectos. Esa sí es una buena foto

VICTIMA Y VICTIMAS

El pasado martes doscientos profesionales del arte hicieron público un comunicado en apoyo al fotógrafo Clemente Bernard. Porque Clemente ha sido duramente desacreditado por colgar hace unos días en el Guggenheim bilbaíno algunas fotografías de su trabajo Basque Chronicles. Tanto el PP, como la Asociación de Víctimas de Terrorismo, han afirmado que demandarán al Parlamento vasco que exija al Guggenheim "la retirada inmediata" de la exposición fotográfica de Bernard. Según ellos, las imágenes suponen "una apología de los crímenes de ETA" y "resultan humillantes para las víctimas". ¿Y cuáles son las imágenes de la discordia? La serie Basque Chronicles (Crónicas Vascas) consta de doce fotografías. En una de ellas se puede ver, por ejemplo, el cadáver de un etarra muerto tras un tiroteo con la Guardia Civil con un pie de foto que reza "Cuerpo de uno de los militantes muertos por la Guardia Civil". Otras dos instantáneas, siguiendo con los ejemplos, reflejan enfrentamientos callejeros entre “militantes independentistas” y la Policía Nacional en Pamplona y en Hernani en 1996. Bernard también muestra los funerales en Donostia de dos agentes de la Guardia Civil "muertos por ETA" en 1992. O el atentado de ETA contra la casa cuartel de la Guardia Civil en Buñuel, Navarra, en 1996. Y Bernad quería incluir en la exposición la fotografía de una placa del cráneo de Miguel Ángel Blanco, concejal de Ermua asesinado por ETA en 1997. La radiografía fue tomada cuando el edil ingresó en el hospital. En ella se puede apreciar el impacto de los disparos. Bernard escribió una carta el pasado 29 de septiembre a la hermana de Blanco, María del Mar, pidiendo su aprobación para incluir esta foto en la exposición. La familia de Miguel Ángel Blanco y la Fundación que lleva su nombre se negaron a dar su consentimiento al Guggengheim para mostrar la fotografía, tildando la exposición de "humillante" y "ofensiva"

Entre los firmantes del manifiesto de apoyo al fotógrafo hay, nada más y nada menos, que cuatro premios nacionales de fotografía. En defensa de nuestra dignidad, de nuestra libertad; en defensa de Clemente Bernard tiene por título la misiva. Misiva que, entre otras cosas, dice “…la campaña de ataques desatada por algunas asociaciones de víctimas del terrorismo y partidos políticos contra el fotógrafo Clemente Bernard, por atreverse a exponer en el Guggenheim algunas imágenes de su trabajo sobre la situación del terrorismo en el País Vasco y las acciones de ETA y su entorno, nos han llenado de sorpresa e incredulidad. No podemos creer que a finales del 2007, en uno de los grandes países democráticos de Europa, algunas personas, algunas asociaciones, algunas instituciones, algunos medios de comunicación y algunos partidos políticos estén dispuestos a machacar a una persona y a pedir la vuelta de la censura".

Una vez más la polémica llega de manos del arte. Y el espectador tendrá que decidir quién lleva razón. Quizá todos la tengan, y todos se equivoquen…

TRAMPOLÍN

Hace unos días salió a la calle un nuevo periódico de tirada nacional. No es mi propósito valorar aquí ese nuevo diario. No es que tenga reparos en ponerme a ello por publicar semanalmente una columna en este periódico. En ese aspecto considero que, desde aquí, tengo libertad absoluta para hablar de lo que me da la gana. Incluso sobre otro periódico. Cosa que agradezco. Pero sé que si pongo en solfa al nuevo periódico el lector puede pensar que quiero machacar a la posible competencia. Y si lo alabo, el leyente pensará que les estoy echando los tejos. Para ver si me contratan y mis columnas pueden así ser leídas hasta en Almería. En cualquier caso, y ya en serio, lo que sí tengo claro es que me parece de especial interés para los lectores cercanos hablar de los dibujantes que ese nuevo periódico de tirada nacional ha contratado. Porque el periódico podrá ser bueno, malo, regular. Y los dibujantes podrán ser buenos, malos o regulares. Pero el hecho notorio es éste: cuatro de los cinco historietistas que el nuevo diario ha fichado para llenar sus páginas diariamente son dibujantes que publicaron -y actualmente tres de ellos publican- en la publicación dedicada al cómic que tiene su sede en nuestra ciudad. Me refiero a la revista TMEO. Mauro Entrialgo, Santi Orue, Bernardo Vergara y Manel Fontdevilla son “temeistas”. Y quiero que eso conste en acta. Tanto Orue, como Entrialgo, son vitorianos. Muchas veces estos dos profesionales de la historieta me han contado lo mucho que les ha costado buscarse la vida por estos lares. Aquí siempre han tenido problemas para ser recibidos, atendidos, apoyados. Nadie es profeta en su tierra, dice el refrán. “Ya está Larrimbe con la misma monserga de siempre” diréis los que estáis leyendo ahora mismo estas líneas. Pero la realidad es la realidad: el hecho de que un medio de comunicación de ámbito nacional seleccione a esos dibujantes es un triunfo para TMEO. Porque ha servido de trampolín a muchos dibujantes que han trabajado para ella. Para esa aventura editorial gestionada desde una asociación que nunca ha recibido un sólo euro de dinero público. Que nunca ha insertado publicidad de las de las grandes empresas que todos conocemos. TMEO lleva veinte años en kioscos, librerías y, principalmente, bares del Estado. Aunque dos terceras partes de sus ventas se concentran en Euskadi. TMEO fue la primera publicación del ámbito nacional que empezó a funcionar gracias a la inserción de anuncios de pequeños bares y comercios. Algo que hoy en día nos parece habitual hace veinte años no lo era. Y ahí siguen. Y la mayoría de esos anunciantes llevan cuatro lustros apoyando la revista pagando religiosamente su anuncio. Eso es militancia.

Y este año, y dentro de dos meses, el Salón de Cómic de Getxo, y con él su ayuntamiento, rinden un homenaje a esta revista. Por sus logros. Esperemos que por aquí algunos tomen buena nota de ello.

BUFFER

Hubo una época en la que los artistas, los creadores, los intelectuales intervenían en la vida de las ciudades. Construyendo lentamente su cultura y, en definitiva, su historia. Una época en la que existían lazos uniendo a los ciudadanos con los artistas, a los artistas con las instituciones, a las instituciones con los ciudadanos. Formando todos ellos un único ecosistema. No sé muy bien en qué momento el ecosistema se alteró, se destruyó. Supongo que sucedió algo similar al fenómeno de la desaparición del cangrejo autóctono de nuestros ríos: se importaron modelos de fuera que rompieron el frágil equilibrio del hábitat local. Y la mayoría de los elementos pequeños, pero fundamentales dentro de ese ecosistema entonces alterado, desaparecieron. En nuestra ciudad todavía sobreviven algunos elementos. No demasiados: está Hell Dorado en el terreno musical, la revista TMEO en el ámbito historietístico, más Zuloa y Fundación Rodriguez en el de las artes plásticas. Cuatro iniciativas independientes. Independientes de las pautas marcadas por las instituciones. Porque hoy en día la cultura, parece ser, tiene que ver mucho con la institución y poco con la calle, con la ciudad real. Las instituciones han creado su zoológico. Y de vez en cuando nos muestran algún animal exótico traído de tierras lejanas. Porque para ellos los autóctonos no tienen excesivo interés: al público lo que le gusta es poder dar de comer a un ornitorrinco enrejado, o cegar con el flash de su cámara a un koala. Pero para nada les apetece contemplar a un gorrión o a una paloma. Porque los gorriones y las palomas vuelan todos los días por encima de sus cabezas.
Y hoy se inaugura en Zuloa “Buffer”. Una exposición que quiere mostrar una parte de ese ecosistema cultural nuestro. Seis artistas afincados en nuestra ciudad, todos ellos moviéndose en el campo fotográfico, nos muestran sus trabajos. No los voy a nombrar. Voy a emular a Artium: la semana pasada se inauguró en dicho museo una exposición con cientos de trabajos fotográficos y mencionaron que, entre ellos, hay cuatro fotografías realizadas por artistas de nuestra ciudad. Pero nadie, ningún periódico, cita los nombres de esos cuatro artistas. Porque, claro, forman parte de esas bandadas de gorriones y palomas que vuelan por encima de nuestras cabezas todos los días. No tienen mayor interés. Aunque quizá ahora empiecen a tenerla. Porque están en vías de extinción.
Es perentoria la puesta en marcha de espacios desde donde poder ejercitar los lentos procesos de construcción de cultura. Poniendo en marcha políticas culturales de cercanía. Y reforzar las pocas iniciativas independientes que todavía sobreviven. Porque, como dijo Walter Mignolo "las historias son siempre locales, cualquiera sea el imaginario y lo imaginado en esa localidad. Aunque sea la historia universal de Hegel. La historia universal es universal en el enunciado pero local en la enunciación”

EN VENTA

El miércoles la concejala de cultura esbozó las nuevas líneas de actuación de su legislatura. Lo sé porque lo leí en la prensa. Pero no sé muy bien si reflexionar en voz alta de lo publicado en este periódico sobre ese asunto o sobre lo que leí en otros medios. Porque las versiones sobre lo que dijo la concejala difieren según sea la procedencia de la fuente informativa. En cualquier caso esta incongruencia mediática es síntoma de algo: que nuestros representantes políticos en materia de cultura siempre hablan de cambios, pero nunca cambian en lo esencial: no explican en vivo y en directo a las personas del ámbito cultural vitoriano sus líneas de actuación. Que en esta ciudad existan profesionales que lleven diez, veinte, treinta años trabajando en el mundo de la cultura no parece importarles. Porque no les llaman para contarles las nuevas políticas que posiblemente les afectarán. Y menos aún para pedirles consejo sobre ellas. Esa forma de hacer es, en sí misma, ya una forma de hacer política. Y es la forma de hacer política de siempre: vamos a cambiar la cultura pero sin que participe en ese cambio el propio mundo de la cultura. "Debemos vendernos mejor", afirma la máxima responsable del departamento de Cultura. Y, explica, acontecimientos de dimensión estatal como el Festival Internacional de Jazz, Azkena Rock Festival, Magialdia o Periscopio son marcas de identidad sobre las que hay que incidir. "A la mayoría les falta un impulso para convertirse en enclaves indiscutibles de la cultura nacional e internacional". Ya estamos con la canción de siempre. En eso tampoco hay cambios. Ni aquí ni en el resto de las ciudades de tamaño mediano de este país. Todas ellas quieren ser internacionales, mundiales, ser visitadas. Y eso es imposible. De la misma forma que todos, como personas, no podemos ser famosos e internacionales. Se entiende la ciudad como un producto que hay que vender y consumir y no como un espacio que hay que construir y habitar. Estimada concejala: yo, como parte de esta ciudad, no quiero ponerme en venta. Es este un asunto que tiene que ver más con la psicología que con la cultura. Deberíamos, por lo tanto, psicoanalizar a las ciudades medias. Si yo fuera psicólogo de ciudades le preguntaría a Vitoria: ¿tus ciudadanos van a ser más felices viviendo en una ciudad famosa, internacional, mundial? ¿No será que te dejas arrastrar por la fiebre de la competitividad y del consumismo imperante en todas las esferas de esta sociedad enferma? ¿Para qué necesitas venderte? ¿No será porque tienes la autoestima por los suelos? ¿Necesitas venderte para sentirte más apreciada? Competir con las ciudades vecinas no es necesario en una ciudad que realmente sea auténtica, y por lo tanto feliz. Ser importante es algo que llega, no que se persigue. Vitoria: ya sabemos que tienes mucha pasta para derrochar organizando mil eventos. ¿Pero quieres que te aprecien por tu dinero o por ti misma?

NUEVO CURSO

Empieza un nuevo curso para muchos. Una gran mayoría comenzará en calidad de alumnos, y una gran minoría como profesores. Yo mi incluyo en el segundo grupo: he empezado ya a impartir clases de pintura en mi pequeño estudio. Llevo años con esto de las clases. Quizá esta ocupación, la pedagógica, sea la actividad que he desarrollado de forma más tenaz y constante a lo largo de mi vida. Nunca la he abandonado. Ni ella a mí.

Y hablar sobre el arte desde esta posición, desde la del enseñante, me hace hablar distinto. Porque no es igual opinar sobre éste desde la posición del artista, del crítico, del historiador o del profesor. El enfoque cambia. Las preguntas serán las mismas, pero las respuestas mutan. Y aunque el mundo de la enseñanza del arte parece ser único, al poco también se nos muestra como dispar: no es lo mismo impartir o recibir clases en una universidad de Bellas Artes, que en un colegio, un centro cívico o una academia. Los personas, sus problemáticas, los contextos son totalmente distintos. Porque ¿qué tiene en común, por ejemplo, una ama de casa que pinta para disfrutar unas horas a la semana con un estudiante de Bellas Artes que quiere trabajar de diseñador gráfico cuando termine sus estudios? Es obvio que para esta pregunta existe una evidente respuesta: tienen en común la materia que se imparte, el arte. Pero yo iría un poco más allá de la propia superficie de la pregunta. Creo que la enseñanza del arte, en cualquier ámbito y en cualquier contexto, es muy distinta a la enseñanza de cualquier otra materia. De eso me percaté ya en edad temprana, cuando acudía de niño a un pequeño estudio ubicado en la calle San Antonio. Estudio que abandoné para entrar en la Escuela de Artes y Oficios. Y cerré esa puerta para abrir otra: la de la facultad de Bellas Artes. Lugar éste donde se enseñaban las nuevas corrientes del arte contemporáneo. Y aunque el aprendizaje para mí fue muy diferente en cada uno de esas tres escuelas –distintos enfoques, metodología, etc.- podría afirmar que un fino, pero nítido, hilo conductor las unía: se nos enseñaba que los dibujos, las mezclas, los proyectos, las preguntas se podían resolver de mil formas. ¡Qué diferencia con la experiencia como escolar en el colegio o en el instituto! Donde las preguntas inexorablemente siempre debían responderse con una única réplica. Si te inquirían sobre cual era el monte más alto del mundo la contestación sólo podía ser una. Si te preguntaban cuánto eran dos más dos sólo había una solución posible. Y si no la acertabas, te pencaban.

La creatividad es necesaria. En un mundo plano lleno de respuestas únicas el hombre necesita fabricar otras. Sobre un lienzo en blanco las posibilidades, las respuestas, son múltiples. De la misma forma que a la hora de vivir, de articular nuestra existencia, las posibilidades deben de ser también plurales. Eso te enseña la enseñanza del arte.

AHORA

En los años sesenta el arte realizado en el País Vasco atraviesa un paradigmático momento. Momento de revolución de conceptos que intenta germinar en una sociedad con escasa libertad de expresión, aunque de mentalidad más abierta que la de décadas anteriores. Esta nueva vanguardia vasca se articula entorno al nacimiento de varios grupos de artistas: Gaur (Gipuzkoa), Hemen (Bizkaia), Danok (Navarra) y Baita (Iparralde). En Álava el grupo Orain -integrado por Carmelo Ortiz de Elguea, Joaquín Fraile, Juan Mieg, Alberto Schommer y Jesús Etxebarria- intenta escaparse de los gastados lenguajes imperantes para intentar crear un arte que se oponga a la censura y a los viciados certámenes oficiales. Los grupos buscan nuevos referentes. Por una parte se sumergen en la ancestral cultura vasca buscando señas de identidad, y, por otra, intentan recuperar el nexo con la tentativa de vanguardia anterior a la Guerra Civil. Sin olvidar que desde Europa y Estados Unidos están llegando los potentes ecos de las vanguardias internacionales. Carmelo Ortiz de Elgea, miembro de Orain, expone estos días una selección de sus seis últimos años de trabajo en la sala Fundación Caja Vital. Ésta es sólo la tercera exposición individual de sus obras en Vitoria, a pesar de ser uno de los pilares del arte realizado en nuestra provincia.

Y podemos ver sesenta obras pictóricas de gran formato cargadas de materia. Obras abstractas, pero con claros referentes figurativos. Los temas clásicos de la pintura - figura, paisaje y bodegón- pueden adivinarse ocultos entre las pinceladas enérgicas del pintor. Una obra que ya no busca revolucionar, sino evolucionar. Es la mera expresión del mundo particular de una autor que a lo largo de los años ha llegado a crear su propio lenguaje. Aunque curiosamente son obras frescas, jóvenes. Detrás de cada cuadro se vislumbra una búsqueda. Rasgo sorprendente en la obra de una artista que lleva más de cuarenta años pintando.

Pero uno echa en falta una mejor puesta en escena de la obra de este autor. Al visitar la muestra no encontré ningún folleto explicativo, ningún catálogo que me sirviera de guía, que me situara ante el artista. Sólo encontré un escueto texto impreso sobre las paredes. En general se echa en falta el apoyo de comisarios o críticos en la planificación y producción de las exposiciones de esta sala. Y el espacio físico tampoco acompaña. Necesita adecuarse a los tiempos que corren. Esos suelos de mármol, esas paredes, la tosca división de los espacios, imposibilitan que las obras expuestas puedan verse sin perturbaciones. Es una pena que esta sala de ubicación privilegiada en la ciudad -y que por ello tiene un alto índice de visitas de la ciudad- no aproveche esa favorable circunstancia para incidir con más peso en el mundo cultural de la ciudad. Exponer no es sólo colgar y mostrar cuadros. Es necesario arropar las exposiciones, apuntalarlas con actuaciones desde los campos del análisis, la didáctica y la divulgación.

CUESTIÓN DE PASTA

Este fin de semana tiene lugar la sexta edición del festival de rock gestionado por la empresa bilbaína Last Tour Internacional. Empresa célebre ya por sus envites al ayuntamiento de nuestra ciudad. Parece ser que ganan poco. Alfonso Santiago -uno de los jefes de L.T.I.- lanzó hace meses un órdago al Consistorio. Aunque según él, un grito de socorro. Santiago abrió la puerta al traslado de la cita si no había un compromiso público en lo económico y en otros aspectos. Aunque mantuvo que su deseo era permanecer en Vitoria. Si les dan más pasta, claro. Que un empresario lance órdagos de ese estilo a un Excelentísimo Ayuntamiento es algo que me asombra. Yo les mandaba a paseo. Y encargaba a un equipo local la gestión de ese festival. Porque en mi vida he oído al señor Añua declarar el traslado del Festival de Jazz a otra ciudad por asuntos monetarios. Uno podrá o no coincidir con este señor, pero si le comparamos con la gente de L.T.I. Añua me parece un santo.Y acabo esta columna con un diálogo entre rockeros extraído de Internet. Del foro “azkenarockfestival.com”.

Iontxu:No me salen las cuentas, el Ayuntamiento les da 25.000.000 ptas., la Diputación lo mismo y también la Caja Vital. Eso suma 75.000.000 ptas. ¿Dónde se ha gastado ese dinero? Porque dudo que cueste eso todo lo que han contratado.

Jevi Pesao:¿Estas son las subvenciones de verdad? ¡Qué poca vergüenza! Ahora suma la venta de entradas, bocatas y bebida y tienes que LTI por si las moscas este año cierra el festi, se saca una buena tajada. Lo que no comprendo es como se puede regalar 75 millones y no exigir unos mínimos de calidad.

Steve Zissou:¿Qué el dinero no les sobra, faltan ayudas y es arriesgado? Vale. Pero el problema fundamental para este cartel tan pobre ha sido la dejadez. Ya se sabe que el que mucho abarca poco aprieta.

Judas:De acuerdo al 100% Al Azkena después del día 1 de septiembre, le quedan horas...

Annie:Para mí ya se acabó la cuenta atrás. El Azkena es pasado. Se lo han montado bien estos de LTI !!!

Stoner:Joder, ¿es cierto esto? ¿Tienen 75 millones de presupuesto y se los gastan entre grupos ganadores de concursos, grupos de sala pequeña en invierno, grupos que llevan doce años desaparecidos, y viejas glorias venidas a menos? No puede ser.

Darth Mercury:Me importa poco que se forren si elaboran un buen cartel. Pero es que este año es mediocre siendo generoso. No puede ser. Es que no puede ser... es imposible. Estos grupos no valen eso... de fijoIontxu:Pues eso dijo cuando empezó a llorar Alfonsito, que el ayuntamiento les daba 150.000 euros, y Caja Vital y Diputación más de lo mismo. Que es el mismo dinero que destinan al festival de Jazz de Vitoria. No me parece que sea mucho dinero lo que les dan, pero como empresa privada que son, con el dinero de las entradas y las ayudas que les dan podrían traer algo mejor. Desde luego que con este cartel no van a vender muchas entradas.

SIN ESPACIOS

"De un tiempo a esta parte, noto que el expresar opiniones o juicios críticos, es un ejercicio en vías de extinción. En muchos casos, cuando se da, es simplemente a modo de chisme o chascarrillo malicioso. Tampoco existen espacios específicos de referencia que den soporte al "juego" de la crítica; todo se ha atomizado en el personalismo del blog o se ha difuminado hasta confundir la crítica con la mera descripción razonada", escribía el otro día Ricardo Amasté en el sustancial blogwww.politikak.org . Blog de crítica cultural coordinado por el dúo vitoriano Fundación Rodríguez, pareja de artistas que lleva años realizando, disponiendo, llevando a cabo, actividades relacionadas con la cultura. Desde una óptica activista. Y estos días en dicho blog se ha originado un fértil debate abonado por artistas y críticos entorno a la exposición Incógnitas . Una exposición que puede visitarse en el Guggenheim, y que quiere reflejar lo que es, y ha sido, el arte contemporáneo realizado en Euskadi en las últimas décadas. En ese mismo blog una persona opinaba desenfadadamente: "Una peli es mala o es buena. Hala, ya está. Como mucho, ponemos un baremo de una a cinco estrellas y a mamar. Ya puestos, molaría tratar así a todos los medios, incluido el arte:
-¿Qué te ha parecido la Tate Modern?
-No vayas, es bastante mala.
-¿Y la Welcome collection?
-Tienes que ir, es muy buena".
El comentario, aunque puede parecer frívolo, esconde una gran verdad: en estos últimos años el ciudadano puede visitar más exposiciones que nunca, pero, por el contrario, en nuestros diarios éstas no se critican. Y en un par de años, a lo sumo, se inaugurará en nuestra ciudad el nuevo centro cultural Krea. Cada vez se invierte más dinero de los contribuyentes en producir exposiciones. Pero no hay espacios dedicados a valorarlas. Esa es la realidad. Son los propios periodistas los que asumen la labor de noticiar tal o cual exposición. Pero se echa en falta una visión más profunda. No entiendo como en los diarios de nuestra ciudad podemos leer artículos escritos por expertos relacionados con el cine, la literatura, incluso el cómic, y sobre arte… nada de nada. Cuando ahora mismo en nuestra ciudad "en cartelera" hay más exposiciones que podemos visitar que películas que ver.
Desde este pequeño espacio de crítica cultural hago un llamamiento a los directores de los periódicos que tienen sede en nuestra ciudad para que habiliten espacios de crítica en sus páginas. Artium, Montehermoso, y en breve, Krea, se financian con cientos de miles de euros. La mayoría de dinero público. Es necesario, por lo tanto, que se valoren con rigor las exposiciones producidas. Sobre todo porque vemos cómo las instituciones se sirven de la prensa para hacerse visibles, para conseguir público. Otro gallo cantaría si las muestras fueran justipreciadas por expertos. Como sucede con el cine. Porque yo, ahora mismo, pondría sólo una estrella a varias exposiciones que he visto estos días

CRISIS

Asistí el otro día a una tertulia radiofónica para charlar sobre el presente de la ciudad. Me invitaron como voz crítica. Supongo que será porque las opiniones discordantes no abundan en esta ciudad. Y si existen, surgen por motivaciones que, para mí, las desactivan de raíz: mosqueos personales, envidias... Por otra parte soy consciente de que en ocasiones uno debería de hablar bien sobre ciertas actuaciones. Aunque como los espacios públicos de expresión son tan escasos, y tan pequeños (la tertulia del otro día duró solo veinte minutos), un menda aprovecha para hablar sólo de lo que cree conveniente cambiar. Es decir: opto por criticar lo que me parece de juzgado de guardia y obvio lo que puede ser digno de encomio.
El martes leí una entrevista publicada en este mismo medio, en el Diario de Noticias. Se entrevistaba al actual Director de Cultura del Ayuntamiento. La leí con interés. Porque una persona que lleva veinte años trabajando en el ámbito cultural tiene muchas cosas que decir. Y el Director las dijo. Hacía mucho tiempo que no leía yo algo tan sensato y sustancial. Porque uno está acostumbrado a leer lo que dice el responsable político de turno. Que suele ser alguien que acaba de aterrizar, que no sabe lo que se trae entre manos, y para cuando empieza a saber de qué va la movida le toca despegar. Si tienen oportunidad lean esa entrevista. “Lo más fácil es inaugurar algo y quedarse ahí, mientras que lo complicado de verdad viene después, en el contenido. Un ejemplo es la plaza de toros. Hay que hacer una planificación seria y constante, no mirar un día, ver que está libre y hacer algo.”, palabras textuales del Director de Cultura. Y más: “A veces siempre nos fijamos en una persona, tal vez porque es la que sale en los medios de comunicación, pero en el campo de la cultura nadie puede hacer algo solo”. O:” Yo soy de una cultura de menos parque temático frente a una cultura más como elemento de transformación social”
Ya dije en su día que teníamos un tercio de Concejala de Cultura. Porque la Concejala de Cultura es además Teniente Alcalde y Concejala de Presidencia. Por eso me parece muy oportuno que el actual Director de Cultura deje su puesto para convertirse en asesor del acalde, y así intentar solucionar problemas en materia cultural que se llevan arrastrando desde otras legislaturas. Y es que estamos todos muy preocupados por emprender nuevas aventuras, cuando hemos dejado en el camino desventuras por resolver.
Son momentos éstos de crisis crematística. Lo intereses de los créditos han subido. Y por primera vez nuestro ayuntamiento se ha endeudado por dos legislaturas. La crisis afectará a los proyectos de nuestro consistorio: auditorio, estación intermodal, soterramiento del tren, tranvía… Nunca nos habíamos endeudado tanto. Y nos ha pillado en pleno periodo de inestabilidad. No es de extrañar que una de las tareas encargadas a este asesor del alcalde sea buscar patrocinio privado para el área cultural.

IMPÍAS FIESTAS

Leo estos días que las asociaciones de comerciantes y hosteleros de nuestra ciudad demandan un cambio de fechas en la celebración de las Fiestas de la Blanca. Es ésta una petitoria que siempre ponen encima de la mesa cuando éstas arrancan en sábado. Está claro que ese hecho les perjudica económicamente: la mayoría de los vitorianos salen a las calles sólo el sábado, el domingo descansan, y el lunes se van de vacaciones a tomar el sol. A comerciantes y hosteleros les gustaría que las Fiestas se celebrasen en julio, y que viniesen miles de turistas, y que los vitorianos no se fueran de su ciudad. Y que unos y otros se dejaran aquí todos sus dineros.No es la primera vez que hablo en esta columna, desde una perspectiva cultural, de las Fiestas. Porque siempre me ha interesado su intrínseco carácter social. El protagonista es el propio pueblo del que éstas surgen. Y, por ello, las fiestas tienen una enorme dimensión creativa, participativa, lúdica. Las fiestas estivales que se celebran en nuestro país nacen, ancestralmente, de modo similar: en comunión con los ciclos del trabajo agrario. Cuando la vida giraba entorno al campo. Y unas conmemoran la llegada del buen tiempo, y otras simplemente un largo periodo de descanso entre el cultivo del producto local y su posterior recogida. Y las posteriores fiestas religiosas son un invento de la Iglesia para patrimonializar ese fenómeno pagano. Y así donde antes se celebraba un acontecimiento ancestral, unido a la realidad cotidiana y vital del pueblo rural, ahora –o hasta hace poco- se homenajea a tal virgen o santo. Se sustituye el secular culto al sol por el pío culto a Dios. Y se bautiza a las fiestas laicas para convertirlas en religiosas. Lo que me parece curioso es que, hoy en día, seguimos viviendo esa milenaria pugna por el control de la Fiesta. La semana pasada el obispo de Guadalajara declaraba: "otro peligro que acecha es la necesidad que algunos sienten de que sus fiestas, tengan atractivo turístico, sobre todo, si son declaradas de interés turístico mundial, nacional, regional o provincial, o aunque sólo sea de interés turístico local”. Y continuaba diciendo: "está bien que los turistas acudan a nuestras fiestas religiosas, si ello sucede por la devoción que inspiran o por la belleza de su celebración", pero que cifrar su éxito en que sea "declarada de interés turístico no deja de ser una desviación de los objetivos" de la fiesta religiosa. Parece ser que la Iglesia, que fue la que cambió hace siglos el sentido original de la fiesta, ahora se queja de este nuevo cambio que estamos viviendo. Pero en algo tiene razón: está manifestando un fenómeno que es real. Porque, ahora, la gente no acude a una ciudad a poner flores a tal o cual virgen. O a celebrar la llegada del buen tiempo. Sino a consumir. Sustituimos el Dios de la Iglesia por el Dios del euro. La fiesta se convierte en espectáculo. Y el pueblo en mero consumidor.

EL LÁPIZ Y EL JUEZ

He seguido, con la boca abierta cual papamoscas, la absurda polémica creada en torno a la portada del semanario de humor “El Jueves”. Esa en la que aparecen los príncipes caricaturizados practicando sexo y que ha llevado a sus creadores a los tribunales. Aunque es la imaginación del lector, o del juez, la que en este caso interpretó que los dibujos representaban a sus Altezas Reales. Porque sus nombres no aparecían por ningún lado. Pero por otra parte: ¿acaso es delito dibujar una escena de sexo?

Y hablo de ello en este espacio porque Vitoria tiene vínculos con esa revista. En ella dibujan habitualmente dos alaveses: Mauro Entrialgo y Santiago Orue. Es más: al lado del “real” chiste de la conflictiva portada se puede ver un dibujo de Orue. Y se da el caso, también, de que el artífice del controvertido gag, su guionista Manel Fondevila, es dibujante de la revista TMEO. Manel en el 2003 vino a Vitoria como invitado al Festival Crash Cómic. Y en la edición del 2004 volvió a participar en nuestro festival. En el intercambio de dibujantes que tuvo lugar entre Buenos Aires y España.

Es inconcebible la torpeza con la que la justicia ha actuado en este caso. Primero la policía irrumpe en la sede de “El Jueves” exigiendo “las planchas” de la portada, cuando desde hace muchos años éstas ya no se usan. La tecnología ha cambiado y ellos no lo saben. Después vemos a las fuerzas de seguridad recorriendo los kioscos y librerías de todas las ciudades para retirar “la ofensiva portada” mientras los lectores competían con –o contra- ellas para llevarse un ejemplar a su casa. Al poco, todos los periódicos del mundo recogen la noticia del secuestro de “El Jueves” amplificándola. Por fin las fuerzas de seguridad consiguen, después de esa intensa movilización, confiscar apenas dos o tres cajas de ejemplares. Porque la revista se ha agotado. Y en Internet se subastan a 100 euros. No se pueden hacer las cosas tal mal, por parte de la Justicia, ni a propósito. Mientras algunos asesinan, otros violan, muchos roban… las fuerzas de seguridad persiguen a “peligrosos” dibujantes.

¿Quién ha ganado en este asunto? La Justicia no. Han quedado como idiotas. Algunos dirán que la propia revista es la que ha ganado. Porque agotó su tirada. Y supongo que durante varios números venderán más. Pero eso no es ganar. “El Jueves” no tiene problemas monetarios. Les va bien. Y que la policía irrumpa en tu sede es como para acojonar a cualquiera de por vida. Lo han tenido que pasar mal estos días. Me consta. Y en dos semanas a los ciudadanos se les olvidará todo esto. Pero a los implicados, a los dibujantes, no creo que se les borre de la memoria. Nadie ha ganado con ello. Quizá cuando la Justicia se pronuncie, y dictamine, sabremos quién ha ganado la batalla: el inteligente humor o la estúpida justicia. En cualquier caso, y sacando algo positivo de todo esto, queda manifiesto que en pleno siglo XXI un afilado lápiz puede ser todavía un arma poderosa.

TRES CELEDONES

Si yo viviera en otra ciudad y viera el cartel de Fiestas de la Blanca se me quitarían las ganas de visitarlas. Porque ver a cuatro señores dibujados de una forma académica empuñando un paraguas –sólo los vitorianos sabemos que esos cuatro son las personas que han encarnado a Celedón- no es el mejor de los reclamos. Un cartel que, paradójicamente, no rinde homenaje a Celedón, ni a los creadores de este mito, sino a las personas de carne y hueso que, como digo, han “interpretado” el papel del simbólico personaje vitoriano. Un despropósito más producto de estos tiempos banales que nos toca vivir. En los que se valora más al actor que al papel que representa.
Y se declara un concurso desierto con cincuenta carteles presentados. Queda feo declarar un concurso desierto. Los concursos se organizan para que cualquier pueda participar y ganar. Tienen un espíritu democrático, participativo. Impiden la posibilidad de otorgar encargos a dedo. Y, este año, al final ha habido dedazo. Da la sensación de que lo que querían los miembros del jurado era que alguien hiciese el cartel que nuestros mandatarios tenían en mente: uno que celebrase la cincuentena de Celedón. El autor elegido para realizar el cartel tiene en su haber el currículo de haber realizado una estatua pública de Celedón. Y por eso han pensado en él. Para que retrate de forma realista a los cuatro “Celedones”. Y así ha salido el cartel. ¡Qué diferencia con los carteles de San Fermines! Éstos consiguen aunar modernidad y tradición a través de su grafismo actual. Situando así simbólicamente la tradición en la actualidad. Cuando alguien, de cualquier lugar del mundo, ve un cartel de San Fermines, sabe que está asistiendo a una fiesta que aún siendo de raíz ancestral, además está asistiendo a un evento actual, del siglo XXI. Cosa que no sucede con el cartel de este año de fiestas de Vitoria.
Las fiestas son eventos culturales, que a diferencia de otros, surgen de los ciudadanos, del pueblo. Celedón, por lo tanto, fue creado por la gente llana. Y por eso me parece de rigor que el cartel que anuncia la fiesta nazca de un concurso. En este caso nos han impuesto un cartel. Y, encima, no han llamado a un publicista, o a un diseñador gráfico. Han llamado a un dibujante. “Dibuja bien para que se vean clarito los cuatro Celedones”, le habrán dicho. Incluyendo también a la persona que, cuando, la comisión de blusas decide en 1976 que Celedón (Jose Luis Isasi) no baje de la torre como protesta por los asesinatos del 3 de marzo, éste -torero llegado de Bilbao, para más señas- desoye la voluntad popular y suplanta a Isasi con el amparo del ayuntamiento de entonces. Si las fiestas son del pueblo ese Celedón no fue tal Celedón. Y no tendría que salir en ese cartel. Eso es lo malo de dibujar personas. Que tienen su vida propia fuera del símbolo que representan. Lo paradójico de todo esto es que, además, todo esto ha sucedido con un ayuntamiento de izquierdas.

MENOSMEGAS

Creo que es una impresión no sólo mía sino que más personas la comparten: en nuestro entorno próximo, Vitoria, los nuevos creadores surgen con cuentagotas. Y no sé si esto pasa en otras ciudades. A mí me parece que no. O por lo menos creo que aquí ese fenómeno es más acusado. Vivir para el arte, o vivir del arte, hoy no es algo que atraiga a las nuevas generaciones. Puede que el sentido práctico de los jóvenes sea, aquí y ahora, más fuerte que su sentido creativo. Como decía la canción de Golpes Bajos: “malos tiempos para la lírica”. Y esa realidad, para mí un tanto sombría, contrasta con la cantidad de infraestructuras públicas especializas en arte y cultura contemporánea en nuestra ciudad. Curiosa paradoja.
Pero hay excepciones. Y una de ellas, el colectivo “Menosmegas”, presenta en Zuloa-Espacio hoy la exposición “Un año sin parar”. “Menomegas” está formado por las creativas alavesas Nerea Lekuona, Soledad Calzada y Puy San Martín. Estos días cumplen su primer aniversario como grupo, y para celebrarlo presentan en Zuloa una selección de sus incursiones en el terreno del arte. "Menosmegas" utiliza recursos del mundo del diseño gráfico y de la publicidad, buscando así un deliberado acercamiento al gran público. El colectivo alterna su trabajo artístico, este que podemos ver en la exposición, con trabajos en el campo de la publicidad y del diseño gráfico. Curiosa mezcla. Porque la finalidad de la publicidad es “vender” productos o servicios. Hay un componente creativo, está claro. Pero la creación no es el fin sino el medio. El medio para vender algo. El diseño y la publicidad son artes aplicadas. O funcionales. En cambio, en la muestra, el diseño y la publicidad se usan como fin en sí mismo. No hay detrás un producto que alguien pueda adquirir. Está delante: porque es obvio que alguien puede comprar a “Menosmegas” una de las obras expuestas. Pero sería similar a comprar el diseño de un cartel que anuncia, por ejemplo, un perfume.
El arte sigue siendo, en gran medida, un mero producto de compra y venta. Al igual que hace cinco siglos. Un producto muchas veces único, pero un producto al fin y al cabo. Aunque también hay un arte que no es un producto. Que nadie lo compra para tenerlo en su casa. ¿Quién compra la obra de un vídeo-creador, por ejemplo? ¿O quién compra una instalación? Los museos lo hacen. Porque es su labor “archivar” lo que la sociedad produce en el terreno artístico. Pero más que comprar un producto lo que se está comprando es un no-producto. Y eso, en un mundo cada vez más ultraconsumista, tiene su componente subversivo. Cuando un artista se niega a crear productos, que puedan ser objetos de especulación, en un mundo en el que todos nos hemos convertido en especuladores, incluso muchos creadores, eso tiene su miga. Por eso me gusta ese proyecto “menosmeganiano” de diseñar productos que no están en venta. O porque no existen o porque no tienen valor económico.

RESQUICIOS

La película de animación “Persépolis” realizada por la historietista iraní Marjane Satrapi recibió el mes pasado en el Festival de Cannes el Gran Premio del Jurado. En nuestro país el Ministerio de Cultura ha creado, este año, el Premio Nacional de Cómic. El centro Cultural y de Ocio de la Alholdiga en Bilbao, que abrirá sus puertas en 2008, ha anunciado que contará con un importante fondo documental historietístico. El mes pasado se inauguró un Museo del Cómic en Calpe. El centro cultural Koldo Mitxelena de Donosti está catalogando la importante colección de cómic adquirida hace un par de años… Es obvio que el cómic empieza a abrirse un hueco en las agendas de los centros culturales, en las páginas de cultura de periódicos y revistas. ¿A qué se debe este repentino interés por el cómic? Este es un medio que, sorpresivamente, ha sabido sobrevivir contiendo con las grandes industrias de la cultura y del ocio, pero sin ser devoradas por éstas. Y desde esa posición lateral ha conseguido crearse un público fiel. Pero mientras otras artes como las plásticas, el cine, la música han sido arrolladas por el fenómeno de la mercantilización de la cultura a manos del actual hipercapitalismo, el cómic ha conservado su esencia intacta. La cultura, hoy más que nunca, es un mero producto: se anuncia y se vende como otro artículo de consumo más. Pero… ¿quién ha visto en los mass media un anuncio sobre determinado cómic? El cómic no necesita de la publicidad para sobrevivir.
Hoy en día cualquiera desde su casa y pulsando una tecla de su ordenador puede, ilegalmente eso sí, disfrutar de cualquier película o álbum musical. El pirateo está a la orden del día. Un fenómeno que daña a las industrias musicales y cinematográficas. Pero que, por contra, no sólo no afecta negativamente al mundo del cómic, sino que le sirve de gratuito vehículo publicitario. Es curioso que un arte que nunca ha conseguido conseguir el estatus de producto cultural de calidad por ser, entre otras cosas, un medio que puede ser reproducido sobre barato papel de periódico, ahora empieza a ser mirado por otros medios con envidia. Porque el cómic está a salvo de la reproducción y copia digital. Y porque todavía sus creadores están llenos de ideas y de energía. Y es que cuando muchos directores de cine se quejan del poco margen de libertad del que disponen a la hora de crear una película de autor, porque están atados de pies y manos a las leoninas compañías cinematográficas -es decir, a las duras leyes del mercado- es lógico que éstos empiezan a envidiar el otrora llamado “cine de pobres”, es decir: el cómic. Porque el historietista puede publicar un álbum, distribuirlo, venderlo, sin costes excesivos. Y si un álbum no se vende bien… es difícil que la editorial quiebre o que su autor se arruine. Eso convierte a este medio en uno de los escasos resquicios de libre creación –y de libre pensamiento- con los que el mundo de la cultura cuenta hoy en día.

LA CULTURA

La cultura lo es todo. Si despojas al hombre de su cultura ¿qué queda? Un animal bípedo que emite gruñidos. Tipo “el pequeño salvaje” de Truffaut. Todo lo que no nos llega por vía genética es cultura, obvio. Por lo tanto, si quieres cambiar al hombre, si quieres cambiar - para mejor – a esta sociedad tendrás que variar su percepción del mundo, tendrás que variar su cultura. A través de la formación, de la educación. Aunque todos somos educadores y productores de cultura. Si una palabra, por ejemplo, se empieza a usar por todos ésta acabará aterrizando en el diccionario. Porque… ¿os habéis preguntado quién inventa las palabras? Nadie. Y todos. Nunca he visto a nadie proclamando a los cuatro vientos que acaba de inventar una palabra. Podríamos decir, por consiguiente, que la producción de cultura es labor de la sociedad en general. Aunque quizá los artistas, los creadores, sean más conscientes que otros de esa realidad. Y al ser conscientes de ello intentan “introducir palabras” en ese mundo nuestro, para propiciar cambios. O simplemente nos señalan esos paradigmas que se están produciendo. Porque vivimos en un mundo en el que las imágenes nos inundan ahogándonos. Y la información... la información de un día para otro ya no nos sirve. Se queda obsoleta. Y entre ese maremágnum alguien debe de hacernos de guía para que no nos perdamos. Y ese alguien es el creador, el artista. Alguien que, cual filtro, mira, analiza y reinterpreta todo lo que nos rodea. Personificando la cultura de su época. Porque para estudiar una era determinada de nuestro pasado o presente debemos mirar la cultura de ese momento histórico a través de los ojos de sus artistas, de sus obras.
La cultura, por lo tanto, es un asunto serio. Aunque los efectos de las inversiones en este ámbito sean difíciles de justipreciar. Muchas veces no entendemos por qué se invierte tanto dinero en este sector. Se entiende muy bien la necesidad de invertir en hospitales. Porque salvan vidas. Y las mejoran. Pero no se entienden las inversiones en materia cultural. Quizá se comprendan mejor las que tienen que ver con la instrucción, con la enseñanza, que no deja de ser una dimensión más del fenómeno cultural. Porque desde la educación (del latín educere "guiar, conducir" o educare "formar, instruir") se enseña cultura. Y ojalá que ésta sea de la buena: una cultura de la participación, de la solidaridad, del respeto, de la empatía. Y no de la chunga: la cultura del consumo, del espectáculo, del éxito fácil… Educación y cultura son, por lo tanto, dos caras de una misma moneda: se enseña cultura, se aprende cultura.
Pero todos debemos asumir que nuestra educación no acaba cuando dejamos la enseñanza reglada. Debemos formarnos durante toda nuestra existencia. Seguir aprendiendo siempre. Pero… si no se produce buena cultura… ¿con qué vamos a formarnos? Acabaremos dónde empezamos: siendo animales bípedos que emiten gruñidos…

EL CRÍTICO

A nadie le gusta que valoren negativamente su trabajo. Y menos en público. Es un hecho que yo he podido constatar en ocasiones. Y eso que, desde un principio, en esta columna he dejado claro que no me interesaba hablar de tal o cual exposición. Me interesaba más hablar de actuaciones culturales. De las actuaciones de los gestores públicos más que de la relevancia artística de una obra determinada. Porque unas malas políticas culturales pueden dejar a un territorio cojo en materia cultural. Pero en ocasiones hay obras de artistas, urbanistas, arquitectos, situadas en espacios públicos, sobre las que sí he opinado. Porque todo lo que se coloca en la calle, en ese espacio que es de todos, es visto por mucha gente. Y si esa obra, si esa intervención, no es válida, hay que decirlo. Con argumentos, claro. Puesto que lo que se sitúa en la calle parece estar legitimado por no sé cuál entidad superior. Las intervenciones en el escenario público tienen su peso, influyen, a veces para bien y otras para mal, en la gente y en su manera de entender el arte. Y por eso he criticado la colocación de figuritas de bronce en la calle, o la colocación de escaleras mecánicas, y de diverso mobiliario urbano estridente, en el casco viejo. Cualquier intervención en un espacio de indiscutible valor cultural tiene que integrarse en él. Estableciendo un diálogo con su entorno. Eso es de cajón. De primer curso de arquitectura o de bellas artes. Pero parece ser que a todo el mundo le gusta intervenir agresivamente en el centro de esta ciudad. Para que su obra se vea y bien. De la misma forma que cuando alguien se compra un modelito nuevo se pasea por el centro de la ciudad. Para que le vean. Y eso es un error. Estamos viendo como el centro de nuestra ciudad está lleno de parches improvisados que buscan ser nuevos protagonistas de escenarios que no los necesitan: estatuas, esculturas, murales, mobiliario urbano…. Sin orden. Sin criterio.
Cuando critico la actuación de un conocido en un espacio público éste suele replicarme "esa es tu opinión". Y prosigue: "pues a tal o cual artista, arquitecto, vecino, le encantó lo que hice". Yo suelo contestarle: "La gente prefiere darte una palmadita en la espalda y decirte que le gusta lo que has hecho, antes que manifestarte algo que te puede molestar" Somos así: si visitas la exposición de un amigo y éste te pide tu opinión sobre ella tú le dirás que está bien, aunque no lo creas. Porque te vence la cortesía. Por eso es necesario que exista la valoración sincera: la del crítico al que se le paga por esa labor a veces ingrata.
El crítico no opina sólo por él mismo. Sino que pone encima de la mesa las opiniones inexpresadas de muchos. Posiblemente aquel que te dice que tu obra le ha gustado, a los cinco minutos le estará contando a un amigo mutuo que esa obra tuya no le convence nada. El crítico no habla por su boca, habla por la boca de esos muchos que no se atreven a decir lo que piensan.

CULTURA EN ÁLAVA

Pocas reflexiones provenientes de la esfera cultural pública (o semipública) de nuestro entorno me interesan. Ni siquiera un ápice. Porque la autocomplacencia, la exaltación de los aciertos, la ocultación de los errores, y la miopía autoprovocada, anulan cualquier declaración que surja de ella. Pero el otro día leí, en la revista editada por Cultural Alava (nº 33, pag. 33), un escrito del conservador de la colección permanente de Artium de interés. En algunos aspectos, discrepo con él. Pero en otros coincido plenamente. Transcribo, por problemas de espacio –es una pena- sólo parte del texto:
“Desde los años sesenta y setenta se viene produciendo en Álava en relación con las artes, un largo proceso, inconcluso aún, de dignificar su presencia social y de instalar en el núcleo duro de una mentalidad ajena al valor cultural, la idea de que es imprescindible su desarrollo integral y no sólo ornamental (…) Pero no fue sino a partir de los primeros ochenta cuando se promovieron, desde el colectivo artístico, la articulación, la definición y la emisión sistemática de los discursos de reivindicación del papel del arte y de los artistas en una sociedad avanzada y desde entonces tales argumentos no han cambiado, aunque sí lo ha hecho la sociedad en algunos aspectos esenciales. La exigencia de una responsabilidad pública e institucional en el desarrollo profundo de la cultura es, ha sido y será responsabilidad, también, de los agentes culturales que se hallan implicados.(…)
Está claro que se ha dado un cambio de sensibilización política alrededor de la cultura, aunque con la perversión, común a casi todas las políticas actuales y esperemos que modificables algún día, de que sólo o principalmente se trata de un asunto de riqueza económica, espectáculo e imagen. No negaré la cuota que corresponde a esta trilogía, pero se obvia que la cosa cultural se compone básicamente y en esencia de despertar, colectiva e individualmente, la capacidad crítica para entender las razones de los procesos históricos de la actividad humana y provocar en positivo, emocional e intelectualmente, los cambios inevitables a los que nos enfrentamos. Por otro lado y como consecuencia, asumiendo que no se debe perder nunca la exigencia de responsabilidad pública en el transcurrir de la cultura, se deben matizar las posturas críticas de los agentes culturales, enfatizando más las cuestiones de fondo, como son las desviaciones apuntadas más arriba, la ausencia absoluta de coordinación en las estructuras y las aspiraciones que se ofrecen, los nuevos conceptos patrimoniales o las reflexiones sobre las políticas de glocalidad e identidad. Debemos asumir que lo cultural y lo artístico ha entrado por una rendija en los principales despachos de la institución, ahora, una vez dentro, deben alterarse el fondo de los objetivos. Éste es el nuevo reto”

KREO

La sede del nuevo Centro Cultural “Krea” promovido por Caja Vital, y ubicada en el convento de las Carmelitas de Betoño, abrirá sus puertas en 2009. Pero su sede virtual, en la dirección www.kreared.com, lleva meses en activo. Y ha canalizado ya unas cuantas e interesantes actuaciones vinculadas con el mundo de la cultura y del ocio. Uno de los peligros de cualquier centro cultural es que entre en competencia con los agentes culturales públicos y privados del territorio donde se ubica. Imaginemos, por ilustrar esta idea con un ejemplo, que un centro cultural comienza a ofrecer espacios de grabación gratuitos a los músicos de nuestro entorno. Si se da el caso de que en la ciudad ya existiese un organismo que ofreciera ese servicio, éste, posiblemente, al no poder competir en igualdad de condiciones con el nuevo centro, debería de trincar la barraca. El centro cultural, por lo tanto, estaría compitiendo deslealmente con esa entidad en vez de hacer lo que es de rigor si éste se nutre de dinero público: reforzar el tejido cultural del contexto en el que se instala. Porque un nuevo centro no debe anular otras propuestas ya existentes en aras de conseguir un público que justifique su existencia. En este aspecto Krea, hasta ahora, lo está haciendo bien. Se ha entrevistado con numerosos agentes culturales locales, recogiendo sus aportaciones, para articular un proyecto que encaje como un guante dentro del plano de la cultura y del ocio de nuestro territorio. En febrero, por ejemplo, Krea colaboró en la grabación del último concierto del Festival Sinkro 07. En marzo, la 23ª edición de Zinemastea, la semana de cine vasco, fue coorganizado por Krea. En abril, un concierto musical organizado por Hell Dorado contó con la colaboración del nuevo centro cultural de la Vital. También es verdad que, al no disponer ahora mismo de un centro de operaciones “real”, la opción de colaborar en muchas de las actividades que se desarrollan en nuestro entorno puede parecer una fácil forma de ser visible sin utilizar grandes recursos que, por otra parte, todavía no tienen. Y, también, es plausible pensar que la apertura de vías de diálogo con los agentes locales puede ser una forma de tener tranquilo al personal, de brindarse ante las posibles críticas. Pero éste no parece ser el caso. Las declaraciones del presidente de la Vital y de la directora de KREA hasta el momento son coincidentes con sus actuaciones. Y claras y coherentes. Además, el proyecto es positivo para la ciudad. Y factible. “Es un proyecto pensado simultáneamente para distintos perfiles de usuarios, desde los creadores de cada campo, a los aficionados y al gran público”, explicó el presidente de la Vital y máximo valedor de KREA. Pero sería fundamente que el proyecto fuera apoyado por la cúpula de dicha entidad en p