airotiv

SUBVENCIÓN

2012-01-27T12:23:00.001+01:00

Nunca entenderé porqué subvencionar a los artistas –que sonlos que ponen en marcha toda la maquinaria cultural- está tan mal vistosocialmente. ¡Cómo si el dinero público hiciera aguas por las subvenciones quese dan a los artistas! Cuando cualquier agricultor, empresario, banquero…recibe más subvenciones en su vida que un artista. Pero claro, para muchosparece ser que subvencionar a los creadores es como tirar el dinero por elretrete. No se dan cuenta de la obvia realidad: los museos se sostienen graciasa los creadores. Os más bien: a sus obras. Pues si no hubiera arte, no habríamuseos. Ni directores, cuidadores de salas, servicios de limpieza, fotógrafos,diseñadores de catálogos. Ni turistas culturales… Ni los hoteles, taxistas, restaurantesengordarían sus cuentas. En definitiva: los artistas son la base de esapirámide que supone un 5% por ciento del PIB de nuestro país. Pero, en estepaís, más del ochenta por ciento de ellos no llegan a cobrar el salario mínimointerprofesional. ¿Y a qué se debe esto? A muchas razones. Pero la principal esque el ciudadano, las empresas, no gastan dinero en arte. Y ese déficit lo havenido cubriendo la institución. Pero, claro, cuando un museo te compra unaobra, esa obra la podrá enseñar durante años, décadas… Y, obviamente, el artista ahí ya no recibe niun solo euro más. A los músicos –bueno, más bien a los intermediarios de lamúsica- se les paga cada vez que una canción suena en un lugar público, perocada vez que una obra es expuesta en un nuevo lugar, el artista no cobra porello. Por eso comprar arte suele ser una buena inversión: no tiene grandescostes de mantenimiento y con los años su valor económico sube. Por otra parte,cuando un museo adquiere un trabajo suyo, es complicado, casi imposible que lecompre otro. ¿Para qué? Si ya le tienen en su colección. Para acabar: venderarte, hoy en día, es muy difícil. Para el ciudadano de a pie no es unaprioridad. Y para la gente de dinero… esos prefieren cambiar de coche cada tresmeses. Así que al artista no le quedan muchas posibilidades: mendigar ayudas odedicarse a otra cosa que no sea el arte pero que tenga algo que ver con ello(enseñanza, diseño, publicidad...).

Con esto no quiero decir que defienda la “cultura de lasubvención”. Obviamente se tendrían que buscar otras fórmulas más eficaces paraestimular la creación y para que el creador pueda vivir de su trabajo, peropara muchas instituciones la forma más sencilla de cumplir con ese apoyo haciael mundo de la cultura es hacer cuentas y ver que dinerillo sobra paradestinarlo a concursos y subvenciones. Queda claro que esta no es la mejormanera para mejorar, incentivar, fortalecer la cultura, pero sí la mássocorrida y cómoda para la mayoría de las instituciones. Hasta ahora. Porqueahora no hay dinero. Así las desde el ámbito cultural público deberían decurrárselo un poco. Pensar en otras opciones. O nos vamos a quedar sinartistas, sin obras, sin cultura…

FILANTROPÍA

2012-01-27T12:17:00.003+01:00

El Ministerio de Cultura de España que se creó en la Legislatura Constituyente enjulio de 1977 ha desaparecido. Cosa que ya ocurrió entre 1996 y 2004 bajo losgobiernos de José María Aznar. Pero el nuevo ministro deEducación, Cultura y Deportes ha querido despejar las "suspicacias yrecelos" respecto a la combinación del departamento de Cultura con el deEducación afirmando que "la cartera de Cultura no ha desaparecido".Por otra parte ha señalado que una de sus prioridades es una nueva regulaciónde la Ley de Mecenazgo. Esperemos que así sea, porque llevamos décadasesperando una ley de mecenazgo eficaz. Francia, por ejemplo, dedica el 1,1% delpresupuesto estatal a la cultura porque la considera una cuestión de Estado.Desde 2003, además, entró en vigor una ley de mecenazgo que ha permitidomodular una red de agentes privados -a cambio de beneficios fiscales- por todoel país que refuerzan el proyecto de fomento y protección de la cultura delGobierno francés. Pero claro, no se puede tirar siempre de la zanahoria de ladesgravación para implicar a individuos y empresas en el mecenazgo. En lospaíses anglosajones existe una mentalidad que por estos lares no abunda: lapersona que gana dinero siente una necesidad de devolver a la sociedad parte delo que la sociedad le ha ayudado a generar. Filantropía, esa es la base de todomecenazgo. Pues se considera como tal a todas aquellas aportaciones de dinero,bienes o servicios que realiza una empresa o un particular de forma altruista. Pesea que suelen confundirse, hay una diferencia muy clara entre el mecenazgo y elpatrocinio. En el patrocinio la empresa asocia su imagen de marca o susproductos a un fin, sea éste cultural, científico o social. Por ejemplo: costeouna exposición pero aparece mi sello bien grande en todo el material impreso. Puesbien: en este país mecenazgo y patrocinio tienen el mismo trato fiscal.Cuestión que habría que resolver de manera urgente. En ese sentido nuestra leyde mecenazgo tendría que se similar a la de los países europeos que estánprimera línea en cuestiones de filantropía privada.

Pero el filántropo no nace, se hace. A través de la educación, de la cultura. Puesmuchas veces no es cuestión de “tener”, sino de “querer” y “saber”.

Y todos podemos ser mecenas a través de sistemas como el “crowdfunding”.El término crowdfunding (de crowd, multitud y funding,financiación) designa la financiación de un proyecto, a menudo de tipocultural, mediante micropagos realizados por particulares que deciden apoyar lainiciativa para hacer posible su realización. En 2009, por ejemplo, nace laweb Kickstarter, una plataforma webque reúne diversos proyectos creativos que cualquier usuario puede apoyar acambio de recompensas no dinerarias. En diciembre de 2010 nacen en España Lanzanos 7 y Verkami plataformas que adaptanel modelo de Kickstarter y lo ponen adisposición de los creadores de este país. 2012 puede ser un buen año paraaprender a ser mecenas.

ARTE DE SOBREMESA

2011-12-27T20:19:00.001+01:00

Le oía el otro día a un amigo indicar algo que comparto: lapintura parece haberse escapado de los lienzos para refugiarse en los fogones,pues el cocinero compone sus platos de una manera similar a como antes lo hacía–o lo sigue haciendo- un pintor experimental. Esta fenómeno sólo lo podíamos apreciarhasta hace unos pocos años en contados restaurantes dedicados a la cocina avanzada,de laboratorio. Pero ahora mismo ya son legión los restaurantes en los que loscocineros parecen estar innovando sobre el plato jugando con los ingredientescomo si fuesen pintura. Y así, de la misma manera que el pintor de vanguardiaexperimentaba antes con diversos materiales, enredando con ellos para conseguirdiversos efectos, texturas, desde hace unos años con la irrupción de la gastronomíamolecular –Ferrán Adriá y discípulos- sucede algo similar. Pues esta cocina juegacon las propiedades de los alimentos al someterlos a procesos que los hacen manifestarsus propiedades tornándose en espumas, emulsiones, geles u otras estructurasque pueden ser infinitas, dado que en ella se está continuamente innovando. Yasí uno ve en el plato efectos visuales, composiciones, que le recuerdan, porejemplo, al expresionismo abstracto americano de los años cincuenta. Con ladiferencia de que ahora degustamos esas pinturas servidas sobre platos. Platosmuchas veces cuadrados, rectangulares. Ya no circulares. Con lo que lasemejanza con “la pintura sobre lienzo” se acrecienta.

Y el pasado sábado, de manos de un grupo de cocinerosllamados “cocina de guerrilla” tuvo lugar una curiosa comida en la salaAmárica: cincuenta personas comieron sobre lienzos. El menú estaba pensado paraque lo que se iba sirviendo dejara rastros de color sobre los platos-lienzos. Loscomensales, la mayoría artistas, fueron más allá y utilizaron diversosmateriales que tenían sobre la mesa: servilletas, bebidas, cucharas, pan…Finalmente, una vez acabada la comida, los resultados fueron llevados a Zuloadonde pueden ser visitados hasta el día 9 de enero. Pero aún hay más: estacomida fue la última actividad de la Asamblea Amarika en la sala Amárica. Pues,como ya se sabe, la diputación ha retirado a este colectivo abierto deciudadano la confianza depositada hace años que le permitía gestionar a este laprogramación de varios espacios provinciales. Han sido cuatro años deactividades, exposiciones, demostrando que se puede participar de una maneradirecta, económica y eficaz con las instituciones si éstas así lo desean.

Y con este gesto, con esta comida, la Asamblea queríatransmitir a la ciudadanía lo siguiente: el colectivo de artistas ya no está enAmárica pero seguirá trabajando en Zuloa. Y no sólo eso: de la misma manera queuna comida se recicla, muta, de manera natural en un cuadro gracias al poder dela creatividad, la asamblea se reinventará, se transformará en lo que hagafalta para seguir trabajando por la cultura y el arte próximo.

SOS

2011-12-22T14:52:00.001+01:00

El mundo de la cultura se viene abajo. Ayer mismo, porejemplo, recibía un mail de un grupo de teatro -con sede en Vitoria- que bajabala persiana. Obviamente la gente no paga ya por ir al teatro. Y lasinstituciones públicas menguan su oferta cultural. Constatándose que éstas nohan hecho bien su trabajo durante años de bonanza. Pues han acostumbrado alpúblico a acceder a la cultura de una manera gratuita. O casi. Sin pasar portaquilla. Se ha promocionado la cultura de lo “gratis”. Desde luego, no hanconseguido inculcar en la sociedad un gusto, amor, por la cultura. Y, sobretodo, por la cultura próxima, cercana. Más bien lo que han promovido es elacceso gratuito al espectáculo. A los fuegos artificiales. Así que el públicoentiende que ahora la fiesta se ha acabado. “Estamos en crisis y no quieroacudir a fiestas de pago”, piensan. 

Y ahora sin apoyo público -ni privado porque nadie lo haincentivado- vemos como ese sustrato cultural del que estábamos en el “primermundo” tan orgullosos desaparece bajo nuestros pies. Y las miles de personas eneste país que reciben un salario público por su trabajo en este ámbito, ¿quéhacen? Parece ser que lo único que les preocupa son los recortespresupuestarios que sufren sus departamentos, museos. Pero “la tijera” por ahora,sólo se abate sobre las actividades que programan, en primer lugar. Y, después,sobre todas esas empresas externas que trabajan para ellos: fotógrafos,diseñadores, montadores de exposiciones… La consigna es clara: “hacer más conmenos”. Lo que supone rebajar las honorarios de las personas con las que dichasinfraestructuras trabajan: artistas, fundamentalmente. Y así la crisis se estácebando sobre esos trabajadores de la cultura que no ocupan despacho en unainstitución pública. Obviamente los recortes deberían dividirse proporcionalmente.Se deberían de adelgazar los salarios de los altos y medios cargos de lacultura pública. Se debería así intentar hacer sostenible el ecosistemacultural. ¿Cuál es el salario de un director de museo? ¿Cuatro mil, cinco mileuros al mes? ¿Y de un subdirector? ¿Y del jefe de departamento de prensa? ¿Yde el de marketing? ¿Y del responsable de didáctica? ¿Y del director de labiblioteca del museo? ¿Y el director económico? Los trabajadores públicos de lacultura deberían solidarizarse con ese mundo de la cultura externo al ámbitoinstitucional. Pues últimamente me llegan mails de bajadas de persianas deempresas, asociaciones culturales, grupos de teatro, danza… pero no me lleganmails de restructuraciones de plantillas institucionales. ¿Por qué no trabajan parareclamar públicamente una ley de mecenazgo eficaz que anime a empresas,ciudadanos a invertir dinero en cultura?  Sin una buena ley -ya que desde lo público noparece que se haga nada- estamos, hablando en plata, bien jodidos. Hay que apostarpor reanimar el mecenazgo privado. Un mecenazgo que se fue debilitando según ibaocupando el público su lugar en épocas de bonanza.

MASA VISCOSA

2011-12-16T14:40:00.003+01:00

“La Pepa”, la primeraconstitución española, cumple ya en 2012 doscientos años. Y con motivo de estaonomástica dieciocho creadores -bajo la flexible batuta del comisario JorgeDíez y la ágil coordinación de Mónica Castellano- están realizando diversasintervenciones de carácter temporal en centros de arte de diecisiete ciudades.¿El propósito de todo ello? Revisitar, traer al presente, la filosofía de dichaconstitución. Una constitución que en su día destilaba un espíritu libertario,avanzado, ilusionante para la ciudadanía de aquella España del siglo XIX. Unespíritu que, en estos tiempos que corren –más bien galopan- de crisiscultural, ideológica, política sería interesante recuperar, rescatar, de algunamanera. Aunque sea desde el arte y no desde la política. Pero ahí quedan elgesto y el esfuerzo.

Por otra parte es deagradecer que los artistas elegidos para dar forma a esta iniciativa sean todosellos creadores vinculados con nuestro contexto, nuestro país, nuestrarealidad, nuestra historia. Y se agradece porque no es algo muy habitual porestos lares. Pues parece ser que la mayoría de los centros de arte y museos,españoles, necesitan legitimarse así mismos teniendo que demostrarcontinuamente –supongo que a las instituciones que les financian- que puedenacceder a una agenda internacional. Que contactos con la escena mundial, endefinitiva. Pues bien: aquí tenemos un proyecto que de manera natural ynecesaria –pues se habla de la historia de nuestro país- integra sin ningúntipo de complejos a un grupo amplio de creadores cercanos. Un aplauso, portanto, para los organizadores.

Y uno de los espacios que acogen esta iniciativa es nuestro museoArtium., alojando un trabajo del artista cántabro Juan López. Un artista que habitualmente explora lasposibilidades estéticas de la cultura urbana, jugando con los espacioscallejeros, vinculando videoproyecciones e instalaciones y diseñando complejasconstrucciones icónicas. En su trabajo podemos ver un profundo interés porponer en contacto directo el lenguaje de la calle con el del ámbitoinstitucional. Difícil, pero posible. Y continuando con los trabajos muralistasque viene realizando en los últimos años en los que dibujando con cintaaislante y vinilo intenta modificar nuestra percepción de un espacio, de unpaisaje concreto, el artista utiliza en esta ocasión la palabra “Constitución”para mutarla en “Instinto cuco” y estamparla en la fachada del edificio deArtium donde se ubican las oficinas y la biblioteca. Y así de las ventanascirculares de la parte superior del edificio en cuestión podemos ver estos díascomo escurre una inquietante masa de color y de apariencia viscosa que baña lasletras que componen “instinto cuco”. Un guiño a todos esos personajes “cucos”de la política profesional que todos conocemos. Esperemos, por tanto que, comonos quiere hacer ver el autor cántabro, esa masa viscosa se los lleve lejos denuestras instituciones.

COMPROMISO LOCAL

2011-12-15T14:29:00.001+01:00

Hasta hace un par de décadas -como mucho- la decoración de losdespachos de abogados, médicos, arquitectos… arrojaba muchas pistas sobre elnivel profesional de los susodichos. Si estos exhibían obras de calidad, esacircunstancia era un subjetivo pero relevante indicativo del buen nivel de losprofesionales en cuestión. El arte, por tanto, funcionaba como tarjeta depresentación del especialista culto, instruido. Un profesional no sólo ducho enlo suyo, sino también comprometido con la cultura. Un arte que era, además,producto de los artistas locales del momento. Gran matiz este: no sólo elprofesional liberal apreciaba el arte sino que, además, apostaba por lacreación cercana. Pues médicos, abogados, arquitectos, era muchas veces conscientesde que estaban realizando una necesaria labor de mecenazgo. Entendían que adquiriendoobra local estaban abonando la cultura de su entorno. Es más: muchas veces entreprofesionales y artistas se creaban vínculos de amistad y complicidad.

Por otra parte, también las cafeterías, bares, hoteles, empresas,bancos, negocios que se preciasen ser amantes del arte compraban obra a losartistas locales.

No sé muy bien en qué momento todo esto cambió. Quizá con elfenómeno de la globalización y de la espectacularización de la cultura. De repenteel arte de interés ya no era el local, sino el internacional. Y sólo unos pocosartistas de proyección universal empezaron a formar parte de las grandescolecciones públicas y privadas que también querían ser internacionales. Peroclaro, los costes eran otros. Coleccionar obra de estas estrellas del arte reaalgo al alcance de muy pocos. El profesional liberal no se podía permitir comprar una obra de unreconocido artista extranjero. Por otra parte, este ya no era un potencialamigo, sino un siempre lejano desconocido. La conexión entre ambos mundos serompió. En paralelo, el arte local empezó a perder prestigio. Obviamente elcoleccionismo público cometió un gran error alimentando esa dinámicamundialista. Dinámica que se mantiene hoy en día. Y así cuando uno viaja porlos museos de arte contemporáneo del mundo los nombres de un grupo reducido deartistas se repiten hasta la saciedad. ¿A qué se debe esto? ¿Quizá al hecho deque estos equipamientos se destinar a atender a unos turistas culturales degustos globales? ¿Quizá porque los propios museos tienen que legitimarse a símismos demostrando que tienen contacto con el arte internacional del momento?

Y nuestra Diputación declaraahora que el año que viene no se va a comprar arte. Bueno, bien poco afecta estoal paupérrimo escenario de la creación local. Obviamente no son tiempos paraderrochar dinero en obras caras ni espectáculos. Pero si ya ni para comprararte o programar distracciones sirven lo mejor es que bajen la persiana. Y esegasto nos ahorramos. O que hagan algo por la cultura local. Que para eso nohace falta invertir millones.

¡ATIZA!

2011-12-15T14:18:00.000+01:00

Hoy, el cómic vasco —concebidopara el público infantil o para el adulto, publicado en castellano o eneuskera—es inviable como producto estrictamente comercial, de iniciativaprivada sin apoyos, pues el umbral de rentabilidad de una publicación periódicade cualquier tipo exige una tirada regular de unos cuantos miles de ejemplares,una distribución eficaz y unas ventas constantes. Pero este panorama sombríotiene su contrapartida: los autores dibujan por motivos personales, porque esaactividad les satisface, porque cubre sus necesidades expresivas personales. Endefinitiva: son artistas. Escriben y dibujan porque sí. Una situación similar ala de muchos artistas plásticos.

Y en el País Vasco -como en otrascomunidades autónomas, también hay que decirlo- carecemos de políticasespecíficas pensadas para promocionar y dar a conocer la cultura de cómic:apenas se apoya a los autores que trabajan en este ámbito, no existen campañasde animación a la lectura del cómic, no se respalda a las editoriales quetrabajan en este ámbito… En ese sentidolos historietistas -aunque la mayoría de ellos no pueden vivir de su labor-tampoco reciben ningún tipo de apoyo institucional para poder investigar,trabajar, sobre o desde este medio. Y eso que su situación como autores esequiparable a la de los artistas que trabajan en el sector de las artesvisuales. Un sector que sí goza del respaldo de las políticas culturalespúblicas. La cultura del cómic se encuentra, por tanto, en un limbo extraño,“en tierra de nadie”: no es apoyado desde el “sistema arte” ni, por otra parte,desde el ámbito del libro.

Partimos de una realidad: el cómic realizado en Euskadi esun bien cultural, similar en ese sentido a nuestro teatro, a nuestro cine, onuestro arte. Por lo tanto debe de ser igualmente promocionado, divulgado,cuidado, exportado. Pero desde los ámbitos públicos de apoyos a la creación noparece que se quiera afrontar esta cuestión con convicción, quizá por undesconocimiento del valor real del medio, muy por encima de su escasaconsideración por parte de sectores de la cultura más oficial.

Y la excepción confirma la regla: con el apoyo delGobierno Vasco y del Instituto Vasco Etxepare, más la colaboración de Gauekoaky de la revista TMEO la asociación de dibujantes de cómic Atiza –con sede enVitoria-Gasteiz- viaja este fin de semana a Madrid, para acudir una de lascitas más importantes del estado relacionadas con el cómic –Expocomic- y hacerdifusión del cómic pergeñado en el País Vasco. Presentando diverso materialeditado por dicha asociación en el que están presentes más de cuarentahistorietistas vascos, algunos de ellos relacionados con nuestra ciudad:Antonio Altarriba, Mauro Entrialgo, Santi Orue, Kini, Simónides, Ata, Piñata,Álvarortega...

Y la cita es doble: del día 4 al 8 de diciembre laasociación Atiza acudirá a la más importante cita editorial del País Vasco: laferia del libro de Durango. ¡Atiza!

ECOCULTURA

2011-11-19T14:18:00.004+01:00

Hoy a la tarde, en la sala Amárica, una serie de creadores, diseñadores se reúnen para reciclar los rótulos, carteles… que se han ido acumulando durante estos años en este espacio expositivo. Y la idea que tienen al juntarse es la de adaptar ese material para que sea empleado en una actividad que arranca el sábado en la sala Amárica: “Inmersiones”. Puede parecer ésta, la del reciclaje, una idea un poco manida, pero, si nos paramos a pensar un poco, tiene su miga. Porque con dicha actividad se está hablando de algo que en los tiempos que corren es fundamental para la supervivencia de la cultura: su sostenibilidad. De verdad que no hay que gastarse grandes sumas de dinero para poner en marcha un proyecto. Ni grandes centros culturales, ni grandes departamentos de cultura. Durante estos años la Asamblea Amárica nos ha dado a todos una lección sobre ello. Pero curiosamente, siendo el suyo el proyecto más sostenible, más participativo, la actual diputada de cultura lo ha borrado del mapa de un plumazo. Pero no nos desviemos y prosigamos hablando de este “Inmersiones”. Este año el tema de Inmersiones es la “Ecocultura”. Un término acuñado para la ocasión que tiene como objetivo central “sembrar” en la sala Amárica un repertorio de posibles “semillas” que fructifiquen en futuras actuaciones entorno al arte y la naturaleza que puedan ser desarrolladas en Vitoria-Gasteiz, trazando conexiones entre ecosistemas naturales y culturales. Y así, por ejemplo, durante este fin de semana cualquier ciudadano puede acercarse a la sala Amárica para pergeñar una obra colaborativa. Para darle forma, desde el “grupo motor” de “Inmersiones” se lanzó hace unos días una convocatoria que rezaba así: “En el marco de la filosofía de "inmersiones 2011" dedicado a la "ecocultura", desde el grupo motor de "Inmersiones" convocamos a los ciuadadan@s a traer a la sala Amárica, durante los días 19 y 20 de noviembre, sus "mascotas vegetales". Con la suma de estas aportaciones individuales construiremos una obra colectiva: un pequeño ecosistema natural que hay que cuidar, regar. También entre tod@s para que no enferme” La actividad tiene por nombre “Vergel de mascotas vegetales”. Y también tiene su intríngulis. Pues pone sobre la mesa, de manera un tanto metafórica, un asunto de vital importancia para todos nosotros: que la cultura, la creación, el arte, son producto de la sociedad. Pues todos aportamos, o podemos aportar, algo al fenómeno cultural. Me explico: si nadie leyese un libro, nadie mirase una obra de arte, la cultura no existiría. Un congreso de artistas, una exposición de dossieres, un mapeo de huertos urbanos, una recogida de firmas para que las instituciones realicen compras ecológicas... son también algunas de las otras actividades que ya están en marcha en la sala Amárica; pues este "Inmersiones" es como una planta que irá creciendo conforme pasen los días. Pero es fundamental que el ciudadano riegue dicha planta. ¿Cómo? Participando.

INMERSIONES

2011-11-16T20:05:00.003+01:00

Vitoria se viste de verde. Nos han otorgado el título de “capitalidad verde” por nuestra preocupación por el medio ambiente, y, ahora, hay que vestirse de él. Cosa que no deja de ser un contrasentido, pues lo lógico no es vestirse en estos momentos, sino desnudarse y mostrar nuestra piel. Es como si uno –o una- tuviera una idiosincrasia natural, sin maquillajes… y el mundo se fijara en ti, en esa belleza tuya sin artificios, y te distinguiera, entonces, con el premio a la naturalidad; y en ese momento, en vez de proseguir con tu imagen natural, te creyeras esa tontería del premio, abandonaras tu naturalidad, te maquillaras, te disfrazaras para recibir el galardón, con lo que automáticamente dejarías ya de ser natural. En ese preciso momento, deberían retirarte el homenaje. Por traicionar su espíritu. Al poco de que Vitoria recibiera el “premio verde”, una diario local entrevistaba a los últimos alcaldes de Vitoria, responsables en buena medida de que ese premio hubiera recaído en Gasteiz. El señor Cuerda decía algo así como que Vitoria, en los veintitantos años en los que él había ejercido como alcalde, había recibido muchos premios relacionados con el medio ambiente pero que nunca se había montado ningún guirigay mediático por ello. Despotricaba contra la cultura del espectáculo en la que vivimos. A mí me sucede algo similar que al señor Cuerda: cuando se habla de ecosistema natural no puedo de dejar de pensar en nuestro ecosistema cultural. ¿Se puede cuidar el primero y descuidar al segundo? ¿Es posible ser sensible a lo natural sin ser sensible a lo cultural? Quizá por moda, pueda ser. Pero estaríamos defendiendo algo por inercia y quizá no de la manera adecuada, pues solo desde el conocimiento podemos velar de manera óptima por nuestro medio ambiente. El conocimiento nos indica que el papel que juega en los ecosistemas una simple bacteria es tan importante como el que juega un árbol o un león. Y que la labor de todos los que habitamos y disfrutamos de dichos ecosistemas es vigilar porque ese equilibrio no se rompa. Cuidando, alimentando a las pequeñas bacterias, a las plantas, a los leones. Pues todos entendemos que tanto la naturaleza como la cultura son patrimonio de la humanidad. Son bienes comunes. Forman parte de nuestro legado. Por lo tanto nadie puede apropiarse de ellos, patrimonializarlos, explotarlos en su propio beneficio.
Si la naturaleza y la cultura forman parte del "procomún" todos debemos corresponsabilizarnos en su cuidado. No podemos delegar esas responsabilidades en organismos, empresas, instituciones. Podemos compartirlas, pero no hacer dejación de ellas. Y así el premio “Green capital” tiene que servir para reflexionar sobre ambos ecosistemas: el cultural y el natural. De esto quiere ocuparse “Inmersiones: ecocultura (arte, naturaleza, ciudad)”. Una batería de actividades que la semana que viene arrancará en la sala Amárica. Estén atentos a este “Inmersiones”.

AMARIKA: THE END (2)

2011-11-01T15:21:00.004+01:00

La semana pasada hablé del fin del Proyecto Amarika. De ese proyecto en el ámbito del arte al que la actual diputada ha dado carpetazo. Un proyecto que ha durado sólo tres años. Un proyecto ciudadano, participativo, abierto, orientado a la gestión compartida de varias salas expositivas de la Diputación. Un proyecto considerado –por poner sólo un ejemplo- por el Observatorio Vasco de la Cultura como ejemplar, pues, como a continuación explicaré, se trataba de un proyecto único en el Estado. Hablé un poco del fin de dicho proyecto y me quedaba pendiente explicar sus particularidades y los beneficios que producía –ya no puedo decir “produce”- para nuestra comunidad. El proyecto Amarika consiguió aglutinar en torno a él a un amplio grupo de agentes culturales: la Asamblea Amarika. Es cierto que la Asamblea podrá continuar existiendo. Pero el Proyecto Amarika funcionó como pegamento que aglomeró a los miembros del colectivo: tener que afrontar un reto, una responsabilidad, común posibilitó que se crearan lazos entre agentes culturales que hasta entonces permanecían aislados. Incluso provocó que emergieran nuevos. Que se visibilizaran. En ese sentido, bajo el paraguas del Proyecto, por primera vez algunas personas comenzaron a dar sus primeros pasos coordinando exposiciones y actividades. Se convirtió así en un semillero de artistas y de gestores culturales. Es por eso que casi desde sus incios se empezó desde diversas instituciones culturales, centros de arte, museos... del Estado a invitar a los miembros del colectivo para que explicaran su ejemplar y particular modelo. Pues los propios creadores se hacían responsables de abonar e incentivar la cultura del territorio. Sin intereses políticos, sin realizar un intento por ocupar una silla y un despacho y convertirse en unos nuevos funcionarios del arte. Pero sí por crear nuevo tejido cultural y económico en nuestra ciudad. Es por eso que el Gobierno Vasco estuvo dispuesto a aportar a nuestra diputación unos iniciales 200.000 euros para habilitar un espacio abandonado situado en Zaramaga y convertirlo en una “Fábrica de creación”. Siempre que el colectivo se encargara de su gestión. Los últimos cambios políticos han truncado este proyecto. Y otros. En definitiva: el Proyecto Amarika –de continuar- hubiera podido servir para que un nuevo sector cultural y económico que ya despuntaba hubiera prosperado en nuestra ciudad con el apoyo de la Diputación. El arte, la cultura, el turismo cultural, la industria cultural de nuestra provincia, podría haberse beneficiado de todo ello. Pero la miopía de nuestras instituciones que ven la cultura como un adorno, un aderezo, y no como un nuevo espacio de oportunidades sigue siendo galopante. El arte es cultura y es industria. Genera empleos, genera riqueza. Riqueza social, cultural y económica. ¿Tienen nuestras instituciones algún plan, algún proyecto al respecto? No. Pues la asamblea Amarika lo tiene. Hablen con ellos.

AMARIKA: THE END (1)

2011-11-01T15:04:00.002+01:00

Hace ocho años se cerró la sala Amárica. Una sala que apostaba en gran medida por el arte local. Después del cierre, su presupuesto cercano a los dos cientos mil euros, se destinaron a al proyecto “Programárica” que se desarrolló en el seno de un nuevo museo: Artium. “Programárica” intentó seguir la estela de la sala Amárica. Y así se habilitaron ayudas, becas, exposiciones para la creación local. Con no muy buen resultado: no sirvió para sacar al arte de su invisibilidad. Y hace tres años la sala Amárica se reabrió. La diputada de Cultura de entonces apostó por realizar un proyecto destinado al contexto local pero gestionado con la ayuda de los creadores locales. Creadores que se constituyeron en asamblea abierta. En una asamblea con representación y legitimidad suficiente como para asumir esa responsabilidad. Y con un ideario compartido e ilusionante. Y el presupuesto de Artium, de “Programárica” -convertido ahora en el “Proyecto Amarika”- pasó a ser gestionado por el tejido local, junto al equipo de la Diputación. Incluso dos salas expositivas más del organismo foral (Casa de Cultura y Archivo Provincial) fueron programadas bajo el sello “Proyecto Amarika” costeando el plus con ese mismo presupuesto. Y ahora la nueva diputada da carpetazo al Proyecto Amarika. Sin haberse reunido previamente con la Asamblea Amarika para hacer una valoración en condiciones de los resultados del proyecto, valorarlo, sopesar pros y contras y decidir su futuro. Es más: el colectivo se enteró del fin del Proyecto, y de los argumentos esgrimidos por la diputada para tomar tal decisión, por los medios. La diputada aducía que se había creado una estructura paralela al departamento de Cultura y que para hacer ese trabajo ya estaban ellos. También explicó que los de Amarika son sólo un grupo de artistas, pero que, bueno, hay más grupos. Todos con el derecho a ofertar algo a la Dipu. Queda claro que la diputada no ha vivido en Vitoria, ni conoce el proyecto Amárica, ni conoce el contexto local. Sólo así se pueden entender esas declaraciones. Porque la Asamblea Amárica nunca ha sido una estructura paralela a la Diputación. Por lo pronto porque no había un equipo contratado paralelo a la institución. Algunas de las actividades realizadas se ponían en marcha gracias a la colaboración de los más de cuarenta artistas que han formado –y forman- parte de dicha Asamblea. Y de aquí pasamos a rebatir el segundo argumento de la Diputada: Amarika no es un grupo determinado de artistas. Es una plataforma abierta en la que cualquier ciudadano –artista o no- puede estar. Es un órgano, por tanto, de participación ciudadana. Que ha gestionado siempre un presupuesto destinado al arte local buscando la conexión con su comunidad. Y lo ha hecho con más éxito que cuando la institución lo hacía por su cuenta. Y de esos éxitos hablaré la próxima semana. No se vayan lejos.

PASTICHE

2011-10-15T10:37:00.003+02:00

Lamento mucho haberme pasado media vida leyendo, visitando museos… llegando a sentir verdadero aprecio por el arte. Y lo lamento pues ahora no hago más que sufrir viendo lo que desde nuestras instituciones públicas se está haciendo en el ámbito que tanto aprecio. Es mejor ser analfabeto. Un ejemplo: imaginen por un momento que de una obra de un artista memorable, y ya fallecido, un museo hace copias -obviamente sin el consentimiento del finado-, rompe esa copia en seis trozos, los coloca desperdigados sobre una especie de tiestos gigantes y los alquila al mejor postor para que sean exhibidos como adornos en los espacios públicos de las ciudades con el sello “Rodin”. Sería un disparate, ¿no? Pues bien: ese disparate se ha materializado ahora en la Virgen Blanca.

Rodin realizó la escultura “Los burgueses de Calais”-que puede ser visitado en el puerto francés de Calais tal como fue concebido por el autor- en homenaje a los seis ciudadanos que se ofrecieron en sacrificio al ejército enemigo a cambio de que no masacraran su asediada ciudad. Fue un acto, por tanto, solidario. El sacrificio de seis ciudadanos que se ofrecieron al enemigo por el bien común de su comunidad. En la obra original los seis valientes avanzan hacia el sacrificio formando piña. La composición está pensada para incitar al espectador a caminar alrededor de ella. Y al hacerlo, la obra parece moverse con nosotros. “Los burgueses de Calais” individualmente parecen, a veces, tomar aisladamente su decisión de sacrificio, pero, otras veces, parecen decidirse en conjunto por entregarse. Pues bien, ese conjunto escuntórico ha sido ahora dispersado en la Virgen Blanca. Y al hacerlo la obra-que habla de una acción colectiva- queda rota. Su sentido se pierde. Ahora son personajes aislados, individuales. Para más inri cada “trozo” de esa obra ha sido “plantado” sobre una especie de maceta gigantesca. Los trozos se convierten así en meros adornos, vaciados de cualquier sentido político, colectivo. La obra original de Rodin ha sido rota pensando en entretener a los viandantes que se topen con ella. Una vez más el arte es mero adorno. Una vez más todo se convierte en espectáculo. Para esto sí hay dinero en Gasteiz. Pues todo esto sucede mientras se da carpetazo a proyectos culturales como Krea, el Proyecto Amarika…

Rodin sólo realizó la creación del conjunto escultórico que podemos ver en el puerto de Calais. Pero además de esta escultura original la técnica de vaciado permite realizar varias copias a partir del molde original. Posteriormente a la muerte del autor la ley francesa permitió realizar hasta doce copias de la escultura. Un bonito negocio para el Museo Rodin.

Y esta muestra en la Virgen Blanca ha servido como previa operación de marketing para anunciar que ahí mismo -después de que las copias “originales” de la obra de Rodin se retiren- se colocará el logo escultórico de la Green Capital. Esto promete.

FERRER

2011-10-08T08:55:00.006+02:00

Normalmente no suelo utilizar este espacio para hablar de una exposición de arte o para explicar la obra de un artista en concreto. Pues siempre me ha interesado más departir sobre políticas culturales cercanas. En definitiva: me parece más relevante hablar sobre todo aquello que planea por encima de la cultura y del arte y que influye en su propia concepción. Y asumo esa tarea con la ingenua instancia de intentar incidir un poquito en las políticas culturales de nuestro territorio. Intentándolo en vano, habría que matizar, pues creo que el mundo de la cultura y el de la política se han divorciado hace años. Un fenómeno que no el local, sino global. Y que es síntoma del propio declive de nuestro sistema social. Antes la cultura, el pensamiento, incluso el arte, conformaban un sustrato sólido sobre el que crecía el pensamiento político. Pero hoy queda claro que eso ya no es así. Los intereses de los políticos son otros. Más preocupados por asuntos de índole económica. Y más allá del dinero, del suyo, del de su partido, del de las empresas amigas, y -si éste alcanza- del de los ciudadanos, parece que nada más les importa. Crear riqueza cultural no les interesa. Que un ciudadano no pueda comprarse un coche es un gran motivo de preocupación, pero que este no se haya leído un libro en su vida, es algo que no merece la pena tomar en consideración. Y así andan ahora nuestros políticos, pensando en eliminar el Ministerio de Cultura para ahorrarse el chocolate del loro. Y esa pata de la tríada de la que nos sentíamos tan orgullosos los europeos (cultura, sanidad, educación) se derrumba tan a marchas forzadas como las otras dos. Pero ahora, haciendo una excepción, quiero hablar de una artista y de una exposición: hoy a las cinco y media de la tarde, en Artium, la veterana artista nacida en San Sebastián en 1937 -y Premio Nacional de las Artes- Esther Ferrer realizará una performance como preludio a su exposición “En cuatro movimientos”. Esther es conocida mundialmente por sus performances, principal forma de expresión de su trabajo desde 1965. De hecho, está considerada como la primera performer española. Para el que no lo sepa, una performance es una acción que se realiza en directo -como el teatro o la danza- y que se basa en la espontaneidad y en la improvisación, pretendiendo provocar en el público una respuesta. Es un “arte de acción”, en definitiva. Un arte en el que el cuerpo de la persona que lo realiza se constituye en herramienta de trabajo, de expresión, de comunicación. Vivir de las performances es muy difícil, pues no deja de ser un arte inmaterial y por lo tanto imposible de vender. Por eso, Esther estuvo muchos años trabajando como traductora mientras realizada su labor artística. Y sólo desde hace unos años puede vivir del arte. Quizá por esa inmaterialidad y por ese empeño en suscitar reacciones en el público de una manera tan directa, salvaje, me interesa mucho el trabajo de esta artista.

3 AÑOS

2011-10-01T21:34:00.003+02:00

El proyecto Amarika cumple estos días tres años. Nos referimos a ese proyecto de gestión ciudadana de varias salas expositivas de la diputación Foral de Álava. Un proyecto que en su día fue calificado por el Observatorio Vasco de Cultura como un modelo ejemplar de gestión cultural, por su carácter participativo, abierto e innovador: detrás de dicho proyecto existe una asamblea Amarika a la que cualquier persona preocupada por la cultura de nuestro territorio puede sumarse. Una fórmula que permite que la ciudanía pueda gestionar directamente una pequeña parcela del espacio político de su ciudad. En ese sentido Amarika es un proyecto que ha demostrado ser eficaz. Por eso ha sido invitado a presentar su modelo en múltiples espacios culturales del Estado. Pero es este un proyecto que últimamente, desde hace unos meses, parece atascado: la postura por parte de la Diputación hacia el Proyecto Amarika es dubitativa, pues el Proyecto parece que lo han paralizado. Síntoma de ello es su escasa actividad. ¿Será por la crisis? Curiosamente la iniciativa ha visto disminuir su presupuesto año tras año hasta quedarse en la mitad. Para que nos hagamos una idea: la Asamblea Amárica ha estado gestionando tres salas con aproximadamente la mitad de presupuesto con el que contaba una sola de ellas –la sala Amárica- hace diez años. Tendríamos que preguntarnos por qué ciertos proyectos no sufren recortes –o éstos son mínimos- por la crisis. Y porque otros –quizá los más culturales, participativos, críticos y propositivos, los que aportan otras visiones- sí. Existe un peligro a la vista: con la excusa de la crisis ahora mismo nuestras instituciones pueden dar carpetazo a todo aquello que no comulgue con sus objetivos. Porque para poner en marcha festivales, ferias de vino, mercados medievales, para que la gente se divierta –cuestión que es necesaria, obviamente- sí que hay presupuesto. Habría que buscar un espacio intermedio, ¿no? Una de cal y otra de arena. Porque de seguir así nos vamos a volver una comunidad mucho más frívola y barbarizada de la que ya somos. El proyecto Amarika supone, además, la materialización del compromiso de la diputación con el arte local. Si este desaparece, lo lógico es que esa responsabilidad de la institución con lo local aunque mutara, se mantuviera. Habilitando una serie de políticas que sirvieran para abonar nuestra cultura. Obviamente la comunidad de artistas tendría que velar para que eso sucediera. Pero el Proyecto Amarika sigue coleando: este fin de semana la fotógrafa -nacida en Vitoria y residente en Madrid- Ana Nieto va ocupar la sala Amárica todo el fin de semana. Para explicar su obra a todo aquel que quiera acercarse a dicha sala. Dentro de una iniciativa que se llama “Hospitalarios”. No es una exposición, ni una charla, ni un taller, ni una visita guiada. Es una mixtura de todo ello. Un nuevo formato para acercarse al arte de manos del Proyecto Amarika.

NECROLÓGICAS

2011-09-28T18:22:00.005+02:00

Todos tenemos que tener muy presente que las labores que corresponden a las administraciones públicas con competencias en el ámbito cultural -todo ello recogido en nuestra constitución desde la transición democrática- son, entre otras, las de velar por la diversidad cultural y promover el desarrollo cultural de la ciudadanía. Asimismo deben de garantizar para la ciudanía su acceso a la cultura y preservar su acervo cultural. Pero todo esto –desde hace años- no se cumple. La cultura ya no es un derecho recogido en nuestro ordenamiento jurídico, sino un recurso. Un recurso utilizado para entretener a los ciudadanos, atraer turistas culturales, etc. Y así desde el gobierno central se están planteando eliminar el Ministerio de Cultura. Decía la semana pasada que lo peor de esta crisis está provocando que el capital subyugue a la cultura. Y así artistas, colectivos, intelectuales, escritores, músicos… que se habían encargado históricamente de mantener encendida la llama de la cultura, simplemente desaparecen, invisibilizados por esas instituciones que deberían encargarse de promocionar e incentivar su labor pero que no lo hacen, pues su mensaje es claro: no necesitamos artistas, necesitamos empresas culturales que pongan en marcha rutas culturales, organicen eventos mediáticos, etc. La inminente eliminación del Ministerio de Cultura supone, de facto, la muerte de la cultura entendida como ese terreno desde dónde se puede reflexionar, criticar, evolucionar… Y ahora, oportunamente, se utiliza la crisis económica como pretexto para poner en marcha esta cruzada contra la cultura. Cuando todos sabemos que los presupuestos que manejan los departamentos de cultura de nuestras instituciones son irrisorios. Y Vitoria, con la eliminación del Departamento de Cultura del Ayuntamiento, con el desmantelamiento de Krea, etc. está sufriendo ese proceso de “muerte cultural” de una manera más traumática que en otras comunidades. Porque Vitoria estaba en una situación privilegiada, ilusionante, hace tan solo un par de años. Lo teníamos todo. Y ahora vemos que con la coartada de la crisis proyectos culturales que pueden aportar a nuestra comunidad grandes valores son abolidos mientras se habilitan líneas de actuación que tienen más que ver con el espectáculo y el entretenimiento. Y así el centro cultural Krea, que suponía una apuesta por la modernización de la idea de la cultura de nuestra caja de ahorros, no se va a inaugurar. Cuando ese espacio podría haberse puesto en marcha entre diversos agentes, sumando esfuerzos. Con un gobierno vasco interesado en poner en nuestra ciudad su proyecto “Fábricas de la cultura”, un Artium interesado en disponer de espacios en los que poder alojar artistas foráneos y un colectivo de artistas –la Asamblea Amarika- dispuestos a colaborar en todo aquello que abone el tejido cultural de la ciudad, hubiera sido posible un proyecto como Krea aún en tiempos de crisis.

SUPERMAL

2011-09-28T18:12:00.003+02:00

Decir que el ámbito de la cultura –y del arte, sobre todo- lo está pasando canutas, no es decir gran cosa, pues todos sabemos que en tiempos de crisis son más importantes los platos de alubias que el arte. Pero también es verdad que detrás de este también hay fríjoles: existen unos trabajadores, incluso una industria… Por lo tanto, de la misma manera que se apoya a otros sectores productivos para que no se hundan, habría que aplicar la misma receta a la cultura y el arte. 397.600 personas trabajan en este ámbito aportando al PIB más o menos como el sector agrario (3%). Pero estas son las cifras de la industria cultural. Porque una cosa es la cultura –que debe de ser apoyada aunque no genere riqueza económica, pues ya genera riqueza cultural- y otra la industria cultural.

El arte agoniza: desde el sector privado, los artistas lo tienen difícil y desde el público, los museos, centros de arte no tienen pelas para contar con ellos como antes. Pues en tiempos de bonanza se crearon muchas infraestructuras culturales, se contrató a mucha gente para atenderlas y eso –parece ser- es intocable. Por lo tanto los recortes perjudican sobre todo a la base de la pirámide del arte: a los propios artistas. Y la solución que se plantea es que todo arte, toda cultura, se convierta en industria. Tendríamos, por ejemplo y por lo tanto, que eliminar a los poetas. Pues participan bien poco en engordar el PIB. Y un inserto: lo perverso de esta crisis es que no está obligando a convertir la cultura en mero producto. El capitalismo ha vencido a la cultura por KO.

En una radio local escuchaba el otro día hablar a un responsable cultural. Se le preguntaba si Vitoria está muerta culturalmente. Respondía que no, que en Vitoria hay mucha oferta cultural. El entrevistador matizaba que esa oferta se trae de fuera. Y ahí se estableció un diálogo que evidenciaba la distancia que existe entre la cultura institucional y la que se genera en la calle. Porque la entrevistada declaraba: si se llama a artistas foráneos es porque son mejores que los de aquí. Como si todo fuera una cuestión de calidad de productos. En cualquier caso, si es así, habría que preguntarse por qué pasa eso. ¿Quizá porque no se incentiva la creación local? ¿O es que los artistas alaveses son malos por herencia genética? Una ciudad es rica culturalmente cuando produce y exporta cultura. No cuando la importa. Y si no es así, es que algo falla. En muchísimas capitales se apoya lo local ¿Y aquí? Simplemente se discrimina. Por muchas razones. Sobre todo por esnobismo.

Es responsabilidad de nuestros políticos que Vitoria genere cultura. ¿Para qué tenemos entonces departamentos de cultura? ¿Sólo para programar espectáculos divertidos como si la ciudad fuera una gran televisión? Nuestro tejido cultural lleva años mermando. De seguir así los propios departamentos de cultura van a tener que encargarse de producir arte, cultura, pues no habrá ya artistas a los que apoyar.

EN COMA

2011-06-25T09:11:00.002+02:00

El Azkena Rock tiene que servirnos para recordar que en sus inicios el rock no sólo fue un género musical, sino que originó una forma de vida para una juventud que, por primera vez en la historia, quería distanciarse de las generaciones anteriores a los que veían como representantes del conformismo. El Azkena tiene que servirnos para recordar que el rock fue una revolución que cambió las vidas de toda una generación: los jóvenes ya no serían más niños esperando a ser adultos. Ahora eran una “tribu” distinta, con su propia manera de vestir, hablar, relacionarse. Y con sus propios valores. Las protestas contra la guerra de Vietnam no pueden ser entendidas sin la música de Lennon, por poner sólo un ejemplo. Dylan en el libro sobre sus memorias dice así: "Si estabas vivo, aunque hubieses nacido hacía poco, notabas en el ambiente que el viejo mundo estaba desapareciendo para ceder el paso al nuevo".
Las letras hablaban de liberar los cuerpos, de hacer el amor en lugar de la guerra, de crear una sociedad que no midiese a los individuos por su capacidad de adquisición de bienes materiales… ¿Dónde están ahora esos ideales? Hoy podemos afirmar que ideológicamente el rock está en coma. "Lo de la rebeldía, la contracultura, o el sueño romántico de cambio de sociedad se ha perdido. Ahora el rock es como jugar con la Playstation", afirmaba en una entrevista Santi Carrillo, uno de los responsables de la revista musical Rockdelux. Ortega, codirector de la publicación Ruta 66, coincide con él: “El rock ya no es voz de nada. En el mayor de los casos es un producto de consumo más". Y en ese sentido Paul Gambaccini, conocido musicólogo, declaraba hace un tiempo en The Guardian: “la era del rock ha llegado a su fin, como antes sucedió con la del jazz". "Un adolescente que hable en la actualidad de Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Rolling Stones o Bob Dylan es lo más parecido a un ser de otro planeta", continuaba diciendo Ortega. "El tipo de sociedad actual tiene mucho que ver con el usar y tirar. Al rock hay que tenerle ganas y dedicarle tiempo. La sociedad de hoy anda escasa de él, convirtiendo la música en un mero estímulo puntual", prosigue Ortega. “En esta nueva geografía sensitiva, el rock tiene dura competencia y, hoy por hoy, ha perdido la batalla ante productos de consumo más rápidos y accesibles, tanto por la confianza promocional con la que cuentan como por lo que representan. Los únicos que pueden competir con Lady Gaga o Shakira son las vacas sagradas del rock. Pero cada vez les cuesta más”, sentenciaba Ortega.
Y las listas de éxitos están controladas por las estrellas del pop y el hip-hop. Aunque el rock en directo aún reúne a grandes masas en torno él. Eso sí: gracias a las “viejas glorias”. Solo éstas pueden competir con Shakira o Lady Gagá. Y son los adolescentes de los ochenta, los que se hicieron adultos con David Bowie o Bob Dylan, -los adultos nostálgicos de hoy, en definitiva- los que más acuden a dichos conciertos.

CIRCO

2011-06-19T21:46:00.004+02:00

Del movimiento social 15M han acabado germinando una serie de lúcidos manifiestos sobre políticas culturales. Leyéndolos uno se reafirma en la idea de que el mundo de la creación –la creación “de base”, no aquella que promueve un arte elitista producido por unos pocos y para unos pocos-, y el mundo de la cultura institucional se han divorciado hace años. Porque desde esta última se apuesta por rentabilizar económicamente cualquier inversión cultural tirando del recurso “espectáculo”. Se quiere tener al ciudadano lobotomizado con tanto entretenimiento: a falta de “pan” doble ración de circo. Por el contrario, el sector creativo “de base” desea que las inversiones en materia de cultura generen lo que es lógico que tienen que generar: conocimiento, capital cultural, social… Y así desde la acampada de Barcelona se dice que “las administraciones culturales son gestoras de recursos, no sus propietarias”. Y que “es la cultura la que crea políticas culturales”, y que, por tanto, la cultura no está al servicio de la administración si no al revés. En ese sentido se insta a las administraciones para que abandonen las políticas cimentadas en el espectáculo y para que apoyen “a las prácticas culturales que se dedican a la exploración, a la producción colectiva, al fomento de la participación y del auto-aprendizaje”. También lanzan propuestas concretas. Por ejemplo: exigir a las empresas culturales que reciben subvenciones públicas que devuelvan “valor social añadido” a la sociedad, compartiendo públicamente los resultados. O esta otra: aprovechar las infrastructuras en desuso (teatros, locales, cines y locales sin uso) emprendiendo políticas de sostenibilidad de materiales. Por ejemplo: creando almacenes públicos donde puedan guardarse aquellos materiales (escenografías, montajes expositivos, equipos técnicos) que son habitualmente tirados o destruidos. Los almacenes constituirían un fondo de material para creadores y productores independientes.

Y desde la acampada de Valencia, llueven también interesantes aportaciones. Verbigracia: que se apoye un modelo cultural diverso que siendo sostenible económicamente permita y facilite una regeneración del tejido cultural a todos los niveles y que favorezca la participación ciudadana. O esta otra: eliminar las líneas de subvención de capital público a empresas privadas cuyo objetivo es el beneficio económico (bancos, cajas, fundaciones y obras benéficas).

La cultura en estos tiempos de crisis acelera su mutación en mercancía. Y son los propios gestores públicos los que aprietan el acelerador. El mismo Departamento de Cultura del Gobierno de Catalunya acaba de redactar una ley en la que queda al descubierto su ideario: la cultura o es industria cultural o no es nada. La pregunta entonces es: si la cultura es sólo industria…. ¿porque se alimenta con recursos propios del mundo de la cultura? ¿Este tipo de políticas no deberían costearse desde los departamentos de industria, promoción económica…?

4 AÑOS MÁS

2011-06-14T15:01:00.005+02:00

Natalia López Moratalla, catedrática de Bioquímica y Biología Molecular de la Universidad de Navarra – ¡nada menos!- declaraba hace unos días en una conocida revista: “Las personas con mayor sentido del humor tienen más desarrollada el área del cerebro correspondiente a la creatividad, ya que necesitan ponerse en la situación de los personajes que crean, de la historia que cuentan y que, de pronto, cambia. Ese concepto de flexibilidad mental para contar una historia y llevarla a otro contexto, de relatar y relacionar un absurdo está desarrollado por naturaleza. Las personas que no lo tienen cultivado o educado tienen poca flexibilidad mental y no entienden los chistes. '¡Qué tontería!', dicen. Un cómico está creando de manera continua los absurdos que necesita para hacer reír. Es un tesoro tener esta capacidad que tiene un sentido artístico, como la pintura”.
Así que el humor tiene mucho que ver con la creatividad, con el arte. Pero en los museos no solemos ver a la gente riendo por sus salas. ¿Por qué? ¿Quizá porque se exige a los museos que sean “sitios serios”, templos modernos construidos para adorar el arte contemporáneo?
Reírse puede parecer un fenómeno sencillo. Pero nada más lejos de la realidad: para procesar un chiste interviene nuestro cerebro al completo: nada menos que las tres capas que lo conforman. La primera de ellas es la más interna de las tres, se localiza en la base del cerebro y procesa las materias más viscerales. Es, por tanto, la zona más “primitiva”. La segunda capa, la intermedia, comprende el sistema límbico, encargado de procesar las emociones o sentimientos. Y la última capa es la corteza, zona muy desarrollada en el hombre pues procesa el conocimiento y el pensamiento. Cuando oímos un chiste éste comienza a procesarse en esta parte, en la parte donde pensamos y entendemos las palabras. Al poco, en la parte media de la corteza donde se encuentra la central de detección de errores, se advierte el “error”. Pues la expectativa de lógica con la que empieza el chiste no se cumple. Y al frenarse nuestra lógica, damos paso a la ilógica. Y cuando lógica e ilógica chocan, detectamos el absurdo. Ante esa detección del absurdo, se envía una señal hacia la capa más interna del cerebro. Ahí, esa señal desatada por lo irrazonable provoca que las células de esa zona segreguen la hormona de la felicidad. Nos referimos a la dopamina. Ésta hormona riega la parte emocional del cerebro y con esa señal de la felicidad, de diversión, se genera la sensación de estar divirtiéndose. Es como un premio que nos damos por “entender” el absurdo. Y uno se ríe.
Los expertos en salud dicen que las personas que se ríen sufren menos infartos y tienen hasta cuatro años más de vida. Ahí queda eso.
Y estos días podemos alargar nuestra vida leyendo el número 114 del TMEO. Esa revista de humor producida en nuestra ciudad. Una revista que lleva la friolera cifra de veinticinco años uniendo arte y humor.

CREAR ES RESISTIR

2011-06-09T11:53:00.002+02:00

Hay que bucear en el seno de Internet para poder vislumbrar los orígenes -y el alcance- de este nuevo movimiento social llamado “15M”. Un movimiento surgido hace, apenas, un par de semanas y que a muchos pilló “fuera de juego”. No vieron venir al tsunami. Incluso algunos hablaron de poderes escondidos detrás de las bambalinas moviendo los hilos de los indignados para poder explicarse lo que estaba sucediendo. Sin comprender que todo terremoto se origina, de manera invisible, en las entrañas de la Tierra. Es decir: sin discernir que “el terremoto 15m” se originó en las entrañas de la red. Y así, todo lo que hemos visto en la calle y su representación en los medios de comunicación tradicionales no deja de ser el mero efecto de lo que se fraguaba en la Red. En la calle, en los medios, sólo vimos la punta de un iceberg. El resto, la gran masa helada y amenazante, navegaba por la Red. Algunos esperarán que el iceberg se acabe derritiendo, pero las aguas están muy frías. Y parece ser que seguirán enfriándose cada vez más. Por tanto, habrá más terremotos.
La sociedad se está movilizando de nuevo y organizando en la red. El poder ciudadano se canaliza ahora en un espacio que no puede ser tomado por esos poderes económicos y políticos que están desmantelando con gran celeridad ese estado de bienestar creado por nuestros padres con gran esfuerzo y sacrificio. El futuro no se nos presenta nada halagüeño: “España debe bajar su déficit en 9,4 puntos porcentuales en la próxima década, una de las reducciones más drásticas del mundo, según el Fondo Monetario Internacional... que además pide un recorte en las prestaciones sanitarias de nuestro país para reducir la deuda. Menudo panorama.”
Por otra parte el terremoto social 15M está provocando una serie de “sismos reflejo” en diferentes estratos de nuestra sociedad. Uno de ellos es el cultural. Y así diversos creadores del ámbito nacional se han agrupado bajo las siglas “Crear es resistir, resistir es crear”. Dicen: “Desde el colectivo artístico se ha puesto en marcha la plataforma CREAR ES RESISTIR, RESISTIR ES CREAR de apoyo al movimiento 15M, con el fin de generar la conciencia y el debate. La idea es, desde ahora hasta al menos las elecciones próximas, tratar desde CREAR ES RESISTIR, RESISTIR ES CREAR algunos de los temas que el movimiento 15 M plantea y denunciar la situación político-económico-social que se está viviendo.
Consideramos el arte como un vehículo de pensamiento, como una posible herramienta de transformación social que permite activar nuevas posibilidades de cambio y abrir nuevos espacios para el pensamiento. Así proponemos esta plataforma que desarrollará una serie de talleres, exposiciones, conferencias, mesas redondas y proyectos de todo tipo a fin de despertar la conciencia ciudadana.
El nombre de esta plataforma hace referencia directa a las últimas palabras con las que S. Hessel hace un llamamiento a los indignados en su celebrado libro:¡CREAR ES RESISTIR, RESISTIR ES CREAR!”

POLVORA

2011-05-21T13:13:00.002+02:00

Siempre escribo esta columna –columna que quiere ser de crítica cultural- con dos días de antelación al día en que ésta se publica; esto es: el miércoles. Habitualmente a lo largo de ese día ojeo, olfateo, un poco los periódicos para ver qué se noticia por estos lares en materia cultural. Y reviso, asimismo, los últimos mails que me han llegado sobre cultura. Y, también, echo un vistazo a las redes sociales de internet en las que tengo como “amigos” a no sé cuántos artistas, dibujantes, comiqueros… Amigos y conocidos, todos, con inquietudes creativas. Todo ello mientras trabajo en otros proyectos personales a lo largo del día. Y de esta manera el tema sobre el que quiero escribir acaba aflorando a lo largo de la jornada con suma facilidad.
Pero hoy no consigo concentrarme. Y no es porque el runrún de la campaña electoral me despiste, no. No es porque esté atento a lo que tal o cual partido promete hacer o dejar de hacer si consigue su parcelita –o parcelaza- de poder, no. La verdad es que llevo varios días despistado, abducido por el movimiento “¡Democracia real ya”! No lo puedo evitar. Porque trabajo delante de una pantalla que siempre está conectada a internet. Y “Democracia real ya” es un fenómeno viral, que se propaga por la red cual reguero de pólvora encendida. Un movimiento que ha conseguido miles de simpatizantes –muchos de ellos del mundo de la cultura- en poquísimo tiempo. Simpatizantes que ejercen un efecto multiplicador en la propagación de este movimiento ciudadano. Un movimiento que me tiene alucinado: horizontal, ágil, sin cabecillas, pacifista, auto organizado… Yo mismo me encuentro ejerciendo de correa de transmisión de sus convocatorias, de sus acciones, porque éstas me llegan de todos los lados: un amigo “cuelga” una noticia nueva sobre este fenómeno social y yo la comparto con mis contactos. Otro conocido me manda un mail sobre el tema en cuestión y yo lo reboto a mis conocidos. Se participa en este nuevo fenómeno social de muchas maneras: como periodista aficionado, como políticos amateur, como impresor y distribuidor de octavillas… Y así la gente que colabora en la propagación de este fenómeno siente que forma parte algo. Siente que está participando en algo. Que está creando algo.
Quizá si nuestras instituciones públicas, si nuestros responsables políticos, hubieran permitido a la ciudadanía participar de una manera real en la gobernanza de nuestra sociedad, de nuestra cultura, ahora mismo no tendrían a miles de ciudadanos participando en “Democracia real ya”.
“Democracia real ya” pide que el sistema democrático desarrolle “cauces directos” de participación ciudadana en la política y que no se dedique a “enriquecerse y medrar a nuestra costa, atendiendo tan solo a los dictados de los grandes poderes económicos”. Hablan de una “Revolución ética”. Y reclaman ser tratados con respeto por parte de su gobierno: “Somos personas, no productos del mercado”, dicen. Y nadie mínimamente cabal puede estar en desacuerdo con ello.

TRANSLAB

2011-05-06T10:25:00.002+02:00

Todo aquel que acuda estos días a la sala Amárica se encontrará con un caótico panorama que no casa con lo que podríamos entender como una exposición al uso: gigantes paneles negros apoyados en las paredes y plagados de apuntes a mano, notas, dibujos, organigramas… Proyecciones de vídeos que narran diversos proyectos de temáticas sociales. Un archivador portátil que puede ser consultado y que recoge múltiples materiales entorno a diversas experiencias grupales. Libros, dosieres, catálogos sobre varias mesas… La pregunta que nos asalta al entrar en Amarica y recorrer la sala es: ¿qué es todo esto? Pues bien: esto es el resultado de cuatro días de trabajo conjunto. Esto es el resultado de juntar a quince colectivos, quince agentes de nuestro ámbito que trabajan en el contexto sociocultural para que revisen, critiquen, dialoguen, debatan… sobre ciertos proyectos que dichos agentes están desarrollando actualmente en la ciudad. Cada día se trabajaba sobre problemáticas concretas con los que esos colectivos se topan a la hora de realizar su labor. Y se intentaba buscar respuestas entre todos. Durante ese proceso de trabajo se ha ido “contaminando“ el espacio expositivo con los materiales que se iban generando. Para ello se recogían los resultados del taller de un día y, al día siguiente por la mañana, se ordenaban y colocaban las notas, los escritos… en la sala Amárica. De tal modo que las mismas paredes del espacio han servido como dispositivos para narrar todo el proceso.

¿Y qué se ha debatido? ¿Qué se ha solucionado? Se ha hablado de la falta de participación de los ciudadanos en los colectivos y de lo complicado que es encontrar nuevos colaboradores. Se ha hablado de la apatía de las instituciones, de la falta de entendimiento con ellas. De que no ayudan. De las múltiples trabas burocráticas que son un freno para muchas iniciativas. De la falta de espacios reales en los que poder trabajar. De la poca visibilidad que se tiene ante la ciudadanía. De que quizá no se sepa comunicar los proyectos. O, también quizá, lo que sucede simplemente es que a los ciudadanos éstos no les interesan. O que muchas veces aventuramos las necesidades de los demás pero con poco tino y mucha miopía.

Y se ha dado un intercambio reciproco de conocimiento entre los colectivos que ha cuajado de una manera productiva: durante diversos días posteriores a los talleres en la propia Sala Amarica se están desarrollando diversas iniciativas gratuitas organizadas por dichos colectivos y abiertas a todos los ciudadanos. Ayer mismo se desarrolló un taller para aprender a realizar “mapas mentales” de proyectos, hoy a la tarde hay una visita guiada a la exposición, mañana un taller para aprender a manejar “Twitter”… Y suma y sigue: porque muchos colectivos han unido sus fuerzas para desarrollar conjuntamente proyectos futuros.

En definitiva: otro acierto del proyecto Amarika. Gracias a la gente que está detrás de Translab. Y, obviamente, gracias a los colectivos que se han embarcado en esta aventura.

EJECUTOR, EJECUTADO.

2011-04-30T10:19:00.004+02:00

Dos obras que pueden visitarse estos días en Vitoria –en sendas exposiciones- involucran intensamente al espectador invitándole a realizar una acción tan sencilla como es el hecho de sentarse en ellas. Por una parte, en la Casa de Cultura una instalación de la artista Miriam Isasi recrea -abstrayéndolo mucho- el escenario que ha utilizado siempre la banda terrorista ETA para leer sus comunicados. Por otra parte, el artista Guillen Bayo ha situado en Artium un remedo de silla eléctrica dentro de la exposición “Video(s)torias”. El visitante se sienta en ella mientras una proyección videográfica que simula descargas eléctricas se abate sobre él. Y un espejo posibilita que pueda verse así mismo siendo virtualmente ejecutado.
En ambas obras el público se convierte en obra. Y en cómplice de un suceso que necesita de una contextualización previa, de una aporte de conocimiento externo, para que la obra tenga sentido; pues ninguna de esas dos obras funciona como tal si el espectador previamente no viene equipado con cierto saber: en un caso sobre el fenómeno de ETA; en otro, sobre el empleo de la silla eléctrica como medio de ejecución “Made in Usa”.

Ambas obras abordan un tema tabú: el asesinato. En la obra de Isasi, el asesinato terrorista. En la de Bayo, el homicidio a manos del estado estadounidense. Pero hay diferencias: en la obra de Isasi –si te sientas en ella- mutas por un momento en asesino; en la de Bayo,
en asesinado.
En ambas obras hay una condensación de sentido, y una liberación de algo reprimido. Y un sentimiento de estar realizando algo prohibido al integrarte en ellas.

La obra de Guillen convierte una ejecución en atracción de feria. Pero superando al referente. Recordemos que la ejecución pública de personas ha sido muchas veces un espectáculo ejemplizante y –valga la redundancia- público. Y mejora al terrible referente porque el propio “ajusticiado” puede verse a sí mismo mientras es ejecutado. Obviamente este suceso real nunca podría darse en una ejecución real. Por eso el acto de sentarse en esa silla, desata en el espectador cierto humor negro.

En todo humor hay una condensación de sentido, un plus de información que queda implícita y no explícitamente expresada. Y a veces este “salto conceptual” se resuelve como risa. Pues la risa es un síntoma espontáneo de comprensión, un "he entendido tanto y tan rápido que sólo puedo reaccionar histéricamente”. Eso es la risa: una reacción histérica.
En este sentido algunas obras de arte se acercan a la idea de chiste. Pero la obra de arte no suele tener excesiva gracia. No suele provocar la carcajada. Porque en el chiste hay, además, una situación de comicidad que se puede definir como liberación inesperada de algo
reprimido (“El chiste y su relación con el inconsciente”, Freud).

El ser humano crea chistes verdes, chistes machistas, chistes sobre la muerte… Todos ellos, incompatibles con el pensamiento “políticamente correcto”.

"SUPERSAMBLEA"

2011-04-16T11:44:00.005+02:00

Ayer, en el Jimmy Jazz, tuvo lugar una nueva edición de la “Supesamblea”. Es la segunda vez que -convocados por la Asamblea Amarika- un grupo abierto de ciudadanos se reúnen para debatir sobre asuntos sociales y culturales que les preocupan. Aunque hay que aclarar que la Asamblea Amarika como tal no pretende asentar una propuesta y que la gente se adhiera a ella. Más bien propone que se dialogue desde el posicionamiento, desde la opinión, desde la opción de cada uno de los asistentes. Para así poder generar una opinión conjunta. Se trata de convertir las muchas voces en una sola. La Superasamblea no es, por tanto, una propuesta en sí misma, sino una premisa de partida. No se trata de opinar, sino de generar ese espacio desde donde se generar una opinión, una voz, un eco. Incluso en la primera "Superasamblea" revoloteaba la idea de convertir paulatinamente este formato asambleario y abierto en un consejo de la cultura autónomo y ciudadano. Un consejo alejado de cualquier sistema de control por parte de las instituciones locales. Pues siempre (e incluiríamos el caso de la Propia Asamblea Amarika en este “siempre”) se han creado instrumentos de participación al amparo de las instituciones. Instrumentos que, paradójicamente, funcionan a duras penas: no son instrumentos reales de participación, sino dispositivos que sirven únicamente para recabar opiniones. Se constata, por tanto, que los políticos y funcionarios se muestran reticentes a ceder espacios de participación real, de gestión a los ciudadanos. No dejan de ver esa cesión como una claudicación que permite que los ciudadanos se entrometan dentro de unas labores que consideran suyas como profesionales de la política y de la gestión. Así que más que participantes, quieren comparsas. En ese sentido dentro de los Consejos sociales del Ayuntamiento, organismos de “participación” creados por nuestro Consistorio, hay mucho malestar al respecto.
En la “Supeasamblea” de ayer se generó un sustancioso debate sobre BAI Center, centrándose la discusión en el terreno cultural. Y así se habló del papel que este nuevo ente tendrá en las políticas culturales de la ciudad (si es que éstas existen). Se habló también por supuesto de otras cuestiones (principalmente económicas) que entrarán en juego. Y quedó claro que era necesario que se diera en la ciudad un debate de este tipo, puesto que hasta ahora éste había mutado -más allá de una reflexión sobre el papel de lo cultural en las políticas locales- en campaña un tanto partidista en contra de equipo de gobierno del ayuntamiento Por eso se propuso debatir desde la Asamblea Amarika esta cuestión. Y por eso se convocó de manera especial a los colectivos culturales de la ciudad que no participan en la Asamblea Amarika pero a los que el asunto en cuestión les toca directamente (artes escénicas, música, teatro, etc...) Esperemos que en unos días los resultados de este encuentro se plasmen en un comunicado público.

DESMANTELAMIENTO

2011-04-08T12:27:00.003+02:00

Afirmaba yo hace dos años lo siguiente: que nuestros equipamientos dedicados a la cultura por primera vez estaban funcionando sin solaparse, asumiendo cada uno de ellos distintas metas. Y así la Asamblea Amarika se centraba en el arte próximo; Krea se orientaba hacia el ámbito de las artes escénicas, audiovisuales; Montehermoso programaba desde una perspectiva de género, y Artium asumía su labor de buque insignia de la provincia. Por fin los astros parecían alinearse. Por fin teníamos un mapa elaborado, una hoja de ruta, en el que no cabían duplicidades, solapamientos. Pero estos días de campaña electoral estamos viendo como el mapa se emborrona: el futuro de Krea es incierto; Montehermoso sufre duras críticas por parte de un sector de nuestro Ayuntamiento, Amarika tiene asegurado el funcionamiento para 2011, pero el año 2012 se presenta inseguro… Sólo Artium parece mantenerse alejado del peligro. Quizá porque algunos entienden que es un espacio necesario para atender a los turistas culturales. Queda claro, por tanto, que ningún responsable político había elaborado previamente ese mapa. Queda claro que han sido las personas que gestionan las infraestructuras las que han entendido la lógica de la complementariedad de misiones. Era mucho pedir que este necesario escenario cultural hubiera sido el resultado del trabajo en equipo de los políticos que dirigen la Caja Vital, el Ayuntamiento y la Diputación. Los “tres castillos culturales” parecen querer volver a tirar cada uno para su lado, desmembrando así la cultura de este territorio. Estos días preelectorales, además, hemos visto como el órgano que crearon en su día para buscar una complementariedad de tareas (“Cultural Álava”) ha sufrido otra herida mortal: cada institución quiere que en las actividades que promueven bajo el sello “Cultural Álava” se deje de mostrar dicho sello y que aparezca su propio emblema. Las críticas si se argumentan sobre criterios sólidos sirven para mejorar, para trasformar nuestra realidad. Es verdad que en tiempos de crisis cada euro que se invierta en cultura, en investigación, en educación, en lo que fuere, tiene que medirse. Pero no cerramos una biblioteca por que no tenga miles de usuarios. Lo que intentamos es optimizar su funcionamiento para que cumpla bien su cometido. En ese sentido Krea, Montehermoso, Artium, Amarika tienen que hacer un esfuerzo por acercarse más al ciudadano. Por incidir en nuestro contexto. Por ser una herramienta al alcance de todos. Una herramienta que posibilite un escenario culto, crítico, creativo. Pero es imposible valorar si nuestras instituciones culturales están cumpliendo esa misión tirando de encuestas públicas. Eso es puro populismo, demagogia. Existen fórmulas. Quizá sea interesante implementar en esos contextos auditorías sociales y culturales realizadas por agentes culturales y sociales. Marcar unos indicadores y analizar si realmente se cumplen. Y, si no es así, fijar los mecanismos para que lo hagan.

DESVERGONZADA

2011-04-01T10:29:00.001+02:00

Ya está en los puntos habituales de venta el último número del TMEO. De esa irreverente revista pergeñada en Vitoria. Una revista que contra viento y marea sigue – desde hace veinticinco años- repartiendo estopa gráfica a diestro y siniestro. Eso sí: con humor. El TMEO: una publicación que vive gracias a esos cuatro mil militantes que la compran cada dos meses. Y también gracias a esos pequeños comercios, tascas, que se anuncian en ella. O que la venden. De vez en cuando me gusta escribir sobre el TMEO. ¿Por qué? Quizá porque es uno de los pocos productos culturales (más bien contraculturales) que aún sigue vivo y coleante en este país. El TMEO no deja de ser como una pequeña ventana por la que entra aire fresco, aire libre. Una ventana que nos alivia un poco del sofoco de calor. Porque vivimos inmersos en una calorina asfixiante, mires por donde mires. En verdad los dibujantes que puntualmente nutren la revista de contenidos han encontrado en esa publicación la libertad que no han hallado en otros espacios. Y es que en el TMEO no se da la autocensura. Que, dicho sea de paso, es la peor clase posible de censura que puede darse en un medio de comunicación. Y es que en este mundo plagado, infectado por el pensamiento político y moral –en el terreno público, en la calle, pero no en nuestras casas- correcto, la gente del TMEO es una excepción. Los del TMEO se mofan de las mujeres, de los hombres, de los homosexuales, de los vascos, de los españoles, de ellos mismos… de todos. No discriminan. Les da igual. En eso son muy igualitarios. Quizá porque el TMEO no vive de las subvenciones o de la publicidad. No corre el riesgo de que una gran empresa anunciante se sienta herida. O de que al político de turno no le guste tal o cual chiste y le retire su apoyo. No tiene, por tanto, por qué ser “políticamente correcto”. Vive de las personas que lo compran. Personas que son capaces de pagar unos euros por llevarse a casa algo que posiblemente se esté mofando de su propia persona. Porque todos pertenecemos a una o a varias categorías sociales, culturales, biológicas, políticas contra las que el TMEO arremete. Y todos tenemos un componente patético, estúpido, egoísta, absurdo del que tenemos que reírnos. Porque es sano. En ese sentido el comprador del TMEO también es una persona libre, que no está encadenada a sus prejuicios. O a los de los otros. En los veinte cinco años que el TMEO lleva en la calle algunos han dicho de ella que es una revista machista, pro etarra, españolista, vulgar, faltona, pornográfica, que realiza apología de las drogas… De todo. Está claro que esos “algunos” no han entendido nada. La mayoría de los prisioneros supervivientes de los campos de exterminio nazis declararon en su día que el humor fue para ellos una herramienta fundamental para sobrevivir. Una herramienta que les mantuvo vivos. Pues sólo cuando te ríes de algo consigues superarlo. Por ahí van los tiros para entender al TMEO.

ENGORDAR

2011-03-29T23:02:00.004+02:00

En Gasteiz nos da por copiar –a golpe de talonario- iniciativas que pensamos que funcionan en otras ciudades. Pero somos muy miopes. Sólo vemos los grandes proyectos. Nos deslumbra el brillo de lo espectacular, del emblema. Lo que realmente deberíamos de “copiar” ahora es una idea, un espíritu que se respira ahora mismo en las grandes –grandes en conciencia- ciudades. Un espíritu que nos dice que no es tiempo –en plena crisis- de invertir en más infraestructuras. Que nos dice que es tiempo de optimizar lo que ya tenemos. Que nos dice que es momento de hacer inventario y rentabilizar el capital humano, la experiencia acumulada. Hay que invertir en software, no en harware. Sacar brillo a lo que ya tenemos. Que es mucho. Desde hace muchos años hemos confundido expansión con desarrollo. Porque sí, hemos crecido, hemos pegado un buen “estirón”, pero estamos muy flacos. Y así como desde el ámbito urbanístico se está concluyendo que nuestra ciudad tiene que redensificarse -engordar, y no crecer ya más- en economía y cultura deberíamos pensar de la misma manera. Porque no tiene sentido expandirnos más. Tenemos que repito, desarrollarnos más. Mirar lo que ya hay, lo que se ha habilitado en décadas anteriores, analizar con creatividad lo que está malnutrido y alimentarlo. Y no puedo evitar -al hablar de todo esto- pensar en el futuro BAIC. Pues sigo sin entender cómo una ciudad desconectada de los grandes núcleos urbanos, que incluso carece de vuelos a Madrid y a Barcelona, va a ser el centro de nada. Es de manual de parvulario entender que para que una infraestructura funcione de cara al exterior las comunicaciones externas tienen que permitirlo. Y aquí tenemos un aeropuerto desnutrido. Y sin visos de que alguien lo alimente. Hace unos años realicé un proyecto en Vitoria junto con la galería de arte “Trayecto”: me alojé en un hotel de esta ciudad e intenté vivir durante una semana metiéndome en el pellejo de un turista. Fue una acción muy sencilla. Pero se la recomiendo a nuestros responsables políticos, pues aprendí mucho de mi propia ciudad. Por lo pronto que Vitoria-Gasteiz es como un pequeño pueblo: su configuración urbanística es amable, invita a pasear por su centro histórico y callejear. Me recordó mucho a nuestra ciudad hermana: Angouleme, ciudad que aloja el festival de cómic más conocido en el mundo. Un proyecto que acoge a siete mil profesionales del cómic, más de seiscientos stands, doscientos cincuenta mil visitantes… Y sin disponer de un gran recinto. Pues toda la ciudad es el recinto. Se aprovechan las calles, las infraestructuras públicas y privadas, para que el festival se desarrolle en toda la villa. Ahí radica el éxito de la mayor cita mundial del cómic. Y no en disponer de un gran espacio. En fin, que si yo acudiera a Vitoria a un congreso me gustaría alojarme, moverme, vivir en el pintoresco –cada vez menos- y tranquilo núcleo de nuestra ciudad. Y no en la periferia que es similar a tantas otras periferias.

V.O.S

2011-03-18T11:03:00.003+01:00

Ver –oír, sería la palabra- una película en su idioma original es la mejor opción para disfrutar de un filme tal como su autor lo concibió. De la misma manera que leer un libro o un cómic con su texto original es mejor que leerlo traducido. El problema surge cuando una comunidad no entiende el componente idiomático de una obra que ha sido realizada en otra región donde se habla un idioma ajeno. En ese caso hay que realizar una versión de dicha obra y hacerla así comprensible para ese otro contexto idiomático. Con los libros y cómics, la versión se realiza empleando el mismo lenguaje utilizado en la obra original: el escrito. Pero en el caso del cine caben dos posibilidades: doblar a los actores con unas voces que no son las suyas o incorporar unos textos al celuloide respetando sus voces originales. Podríamos decir que con la primera opción la traducción se hace en el mismo lenguaje en la que fue concebida la obra (el oral) y en la segunda opción se traiciona a este introduciendo otro lenguaje: en vez de ver y oír cine ahora vemos, oímos… y leemos cine. Pero –y esto es importante dejarlo claro- en ninguna de las dos opciones interviene el propio autor de la obra. Las dos, por tanto, atentan contra ella. Y es cuestión del espectador elegir una u otra. En ese sentido, y resumiendo mucho, podríamos decir que desde las esferas que se creen más cultas se apoya la fórmula de los subtítulos y desde el ámbito más popular se apoya el doblaje. Hasta el punto que algunos directores y cinéfilos españoles han llegado a plantear al ministerio de cultura que se prohíba el doblaje en este país y que se respete la V.O.S. Las razones esgrimidas, todos las conocemos porque los defensores del subtítulo hablan y escriben mucho sobre ello. Aunque a mí (y a Kubrick también, por poner un ejemplo), no me parece que el subtítulo sea la panacea. Pues si subtitulas insertas un artificio, un "postizo" en la obra audiovisual tanto como si doblas. Un artificio en el que el director no ha colaborado, repito. En el primer caso te pierdes matices visuales; en el segundo caso, sonoros. En el primer caso tienes que resumir los diálogos. Y se pierden cerca de un veinte por ciento ellos en el proceso. En el segundo, introducir voces no originales.
Stanislavskit –el creador del método de interpretación más conocido en el mundo- decía algo así como que para que toda ficción funcione el espectador tiene que sacrificar cierto grado delo que habitualmente piensa que es creíble. Es decir: tiene que creer que los actores no son actores sino personas, que esa proyección -o esa actuación- son algo real... Toma la ficción por algo real, resumiendo. Y en ese sentido a algunos espectadores les resulta más fácil creer lo que ven si escuchan a los actores en su lengua original. Otros, en cambio, no consiguen “meterse” en la película si tienen que leer. Resumiendo: la cuestión es elegir la opción que te permita vivir la película con más intensidad.

SATURACIÓN

2011-03-14T16:31:00.001+01:00

La fotografía ha tenido la capacidad de constituirse en conciencia visual de la sociedad. Desde sus comienzos se ha mostrado como un mecanismo eficaz para desvelar, revelar lo oculto. Si algo nos llamaba la atención, una injusticia, un hecho inusual, sacamos una fotografía. Fotografiábamos para mostrar, para comunicar, para decir: “mira lo que yo he visto, quiero que lo veas tú”. O: “mira lo he creado, lo comparto contigo”. Pero hoy en día, con la revolución digital, vivimos sumergidos en un mar de imágenes. Cualquier hecho banal o cliché aspira a ser compartido. Hace apenas unos años sólo podíamos acceder a las fotografías en periódicos, diarios, revistas, exposiciones. Ahora sólo tenemos que encender el ordenador y nadar en internet para poder visualizar cientos de miles de fotografías. Porque cualquiera puede acceder a una cámara digital y a un ordenador. Cualquiera puede fotografiar y compartir. Este grado de masificación era impensable hace tan solo un par de décadas. Y conceptos como “innovación”, “riesgo” son ahora sustituidos por “frescura”, “inmediatez”. La fotografía queda esposada a las reglas del banal espectáculo: muchas se vuelven populares de manera viral y las redes encumbran a algunas en fugaz estrellato. Nos ahogamos entre tanta imagen. Incluso es difícil discernir entre lo mediocre, lo que no aporta nada y lo que puede servir como antaño para trasformar la realidad. Pues miles de ciudadanos anónimos ponen al alcance de cualquiera millones de imágenes de cuantos contenidos puedan ponerse en el punto de mira de sus cámaras o móviles. La fotografía ya no es solo asunto de fotógrafos. Aunque la avalancha de personas que empapela internet la mayoría de las ocasiones no tienen ninguna otra pretensión que la de compartir su vida con otros. Menos justificación tiene la horda de nuevos fotógrafos que aspiran a ser considerados como tales emulando a los clásicos. Aquellos que piensan que para diferenciarse de los amateurs sólo tienen que imitar a Cartier Bresson. Son fotógrafos que apenas tienen “background” fotográfico. Que se creen expertos por haber visto cuatro imágenes clásicas en blanco y negro ilustrando un reportaje en internet o el dominical de algún periódico. Que piensan que esa vuelta al purismo, al clasicismo, les defiende de la avalancha competitiva de imágenes generada por los amateurs. Algunos incluso optan por el absurdo de regresar a la fotografía analógica. No se dan cuenta de que toda buena obra se sustenta en una buena idea y no en una técnica en concreto. No hay que emular a los clásicos copiando su estilo, usando sus cámaras. Sólo hay extraer de ellos una gran y dificultosa verdad: se fotografía con la cabeza, no con la cámara.
Fotografías de pensionistas sentados en bancos, paisajes urbanos, fotos de pomos y de farolas... Nos saturan esos fotógrafos que se limitan a repetir las mismas fotos banales y tópicas de toda la vida. Buscando, como mucho, insertar valor añadido a su tarea tirando de cámara analógica.

BAI EDO EZ?

2011-03-04T11:36:00.001+01:00

Hace ya un par de años escribí lo siguiente: con los 150 millones de euros que va a costar levantar el BAI Center, Vitoria podría invertir medio millón de euros al mes, durante veinticinco años, en llenar diariamente calles, bares, infraestructuras en desuso… de conciertos, de actividades relacionadas con las artes. Toca a tres millones de las antiguas pesetas al día. Y durante veinticinco años, repito, Vitoria, bulliría rebosante de actividad. La capital mundial del arte durante veinticinco años. Abonando el tejido cultural de la ciudad. Dando trabajo a todo aquel que se dedica a la música, el teatro, el arte… y sin tener que pagar el coste de mantener una infraestructura tan cara y costosa para la ciudad como es el BAI Center. En fin, puede parecer pura demagogia esta propuesta. Pero… ¿para defender la creación del BAI Center los impulsores del proyecto no están ahora mismo haciendo uso de un lenguaje populista e incluso electoralista?
¿BAI Center o EZ Center?, esa es la cuestión. Y la respuesta dependerá de la fe que tengamos en el actual equipo de gobierno de nuestro Ayuntamiento. Fe en cómo nos hacen las cuentas. Así de claro. Lazcoz afirma, por ejemplo, que cada euro invertido generará 2,8 euros en la economía vasca, 64 millones anuales en total. Los tres años de obras crearán 2.643 empleos y las Administraciones saldrán beneficiadas al recaudar el 25% de la inversión en tributos. También dice que BAI Center permitirá la creación y mantenimiento anual de 409 empleados anuales. Datos basados sobre la previsión de 300.000 visitantes al año, claro. Y de que se celebren ahí no sé cuántos congresos anuales. Y digo “no sé cuántos” porque es una cifra que no he conseguido averiguar.
Y, por otra parte, la respuesta a la pregunta “Bai edo Ez?” dependerá de si pensamos que las inversiones en material cultural deben asentarse meramente sobre premisas económicas, turísticas o de “marca de ciudad”.
Ya desde el Consejo Social de nuestra ciudad se ha reclamado al Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz que en lo concerniente a los grandes proyectos estratégicos de la ciudad se obtengan consensos y que los acuerdos se tomen con el apoyo de todos los grupos políticos. Pues dada la relevancia y duración de dichos proyectos –abarcan más de una legislatura- éstos no deberían sufrir modificaciones con los cambios de gobierno de cada momento. Y también el Consejo exige a los representantes políticos de la sociedad vitoriana a que busquen un aumento de la financiación procedente de la Diputación Foral de Álava y del Gobierno Vasco. Llegando, al menos, al 75% del importe total del proyecto. Porque no es de rigor que un proyecto cuya aportación anual al PIB vasco que se prevé que aportará al PIB vasco 64 millones de euros tenga que ser sufragado al 80% por el Ayuntamiento. ¿O es que el Gobierno Vasco no tiene fe en las cuentas de Lazcoz?

CREATIVIDAD SOCIAL

2011-03-04T11:30:00.002+01:00

La creatividad es la capacidad de pergeñar cosas nuevas. Ya sean de naturaleza material (objetos) o inmaterial (ideas). El ser humano disfruta creando, eso es una realidad. Porque llevamos la creatividad en nuestros genes. Aunque muchas veces no seamos conscientes de ello, pues no se nos educa para ser creativos. Más bien se nos adiestra para todo lo contrario: para insertarnos en la maquinaria, en los engranajes, de la producción y del consumo. Y es una lástima. Porque la creatividad sirve para vivir más plenamente.
Aunque la mayoría de las veces asociamos el concepto “creatividad” con “arte”, y esto es un error. Porque una persona es creativa cuando consigue bucear en su propia mente, alejarse de roles y estereotipos, y convertir su vida en una obra. En ese sentido podríamos afirmar que una sociedad que considere la creatividad como un valor substancial, un valor en sí mismo, sería una sociedad más plural, más crítica, más flexible, más imaginativa y, por tanto, más plena.
Y desde hace unos años, con el ciclo recesivo en el que ha entrado la economía global, se habla mucho de la creatividad aplicada a los procesos económicos. Pero no como fórmula para repensar dicha economía, para hacerla más solidaria, más ecológica, más sostenible, sino como herramienta, como recurso, para asomar la cabeza por encima del bache económico en el que estamos hundidos. Y así la “economía creativa” es ahora mismo el tema obligado a tratar en los consejos directivos de las grandes corporaciones. Se está apostando por crear nuevas culturas empresariales -más creativas, más imaginativas- orientadas al desarrollo de propuestas innovadoras que ayuden a producir y a vender más objetos de consumo. Es decir: la idea es utilizar la creatividad para seguir alimentando a la amoral e insolidaria economía de mercado sin realmente llegar a insuflar aquella en el ADN de nuestra sociedad. Como señala María PTKQ: “los beneficios económicos, materiales y reales no repercuten en esas mismas cuencas creativas sino que se mantienen y se gestionan de manera privada”.
En ese sentido los individuos y colectivos que se dedican actualmente a las prácticas creativas tienen que estar muy atentos para que las empresas no capten y utilicen esa creatividad en su propio beneficio. Y, por otra parte y al mismo tiempo, los agentes creativos deberían aprovechar ese actual acercamiento del mundo empresarial hacia el ámbito de la creación para intentar insuflar algo de cordura, de moral, de alma, al sistema de mercado.
Quizá la mejor manera de incidir en la sociedad desde el arte no sea partiendo de una posición de creador autónomo, de artista, sino desde una esfera que trascienda lo personal. Llámese “creatividad social” o “innovación social”. Porque la realidad es que el arte de los últimos tiempos basado en la creatividad individual no ha conseguido introducir ésta en la sociedad. Más bien lo que ha hecho es convertirla en un producto de compra-venta más.

SIN CODIFICAR

2011-02-24T09:22:00.001+01:00

Mañana mismo, a las doce “meridien”, podremos ver a dos pesos pesados del cómic alavés pergeñando en directo sendos “cómics en vivo” en la Casa de Cultura de Vitoria. Pues el historietista Ata -afincado en Palma de Mallorca- y Alvarortega -madrileño casi de adopción-, invitados por el Proyecto Amarika y por la Asociación de Cómic Atiza, crearán una página de cómic de gran formato ante el público asistente. Y distribuirán gratuitamente ejemplares de dos monográficos que recientemente se han editado sobre su trabajo, distribuyéndose, además, junto con la revista “TMEO”. Pues ambos dibujantes son también colaboradores habituales de dicha publicación. Una publicación con sede en nuestra ciudad que, por cierto, el año que viene cumple la friolera cifra de veinticinco años de existencia.
El TMEO es un caso atípico en el panorama historietístico nacional: ya no quedan revistas de cómic vivas, de carácter periódico y destinadas a un público adulto. Bueno, habría que matizar que sí existen algunas, pero son de carácter gratuito y sobreviven gracias a la publicidad privada e institucional. Lo que las obliga a ubicarse en el terreno de lo “políticamente correcto”. Y es que el cómic es un medio muy claro, directo, casi transparente, poco codificado. Y sumamente reproducible. Y eso le acarrea ciertas contrariedades. Me explico: el cómic está escrito en un lenguaje muy fácil de entender por el gran público y, además, se distribuye a pie de calle. Por tanto, si en una viñeta, por ejemplo, parodio a un político en concreto y distribuyo esa “obra” por todos los kioscos y librerías del mundo mundial, es muy posible que esa obra se entienda como un ataque al personaje en cuestión y a las ideas que representa. Acuérdense de la portada de la revista “El Jueves” en la que se retrataba al príncipe Felipe y a su mujer. La revista fue “secuestrada” y retirada de los kioscos por un juez. Y eso que en dicha portada no aparecían los nombres de los protagonistas “reales” de la escena. Y sólo eran dibujos, líneas sobre un papel. Ese es el poder del cómic. Es mucho más difícil que algo así suceda con una obra de arte expuesta en un museo. Pues el arte actual no es tan “comprensible” como pueda serlo el cómic. Está más codificado y eso lo protege de ciertos ataques de los poderes públicos que, además, son los que nos enseñan a decodificar dichas obras. Aunque no siempre esto es así. Pues todos conocemos casos en los que la “censura oficial y democrática” ha llegado a retirar obras polémicas de exposiciones financiadas por el poder. Pero todas pasaron previamente los filtros previos de la “autocensura” de los centros de arte y cultura.
Me gustaría ver ciertas obras del cómic nacional de los últimos veinte años expuestas en un museo o centro cultural. Me gustaría ver, por ejemplo, una exposición del TMEO. De esta revista ácrata, atea y apátrida. El año que viene, en su vigesimoquinto aniversario, sería una buena ocasión. Pero eso es “cultura ficción”.

PSICÓPATAS

2011-02-15T10:12:00.003+01:00

El otro día estuve viendo el galardonado documental “La corporación”. Para que nos entendamos: una corporación es una entidad comercial establecida de acuerdo al marco legal. Es decir, una empresa. La película comienza así: "Hace 150 años, la corporación era una institución insignificante. Hoy es una presencia viva, dramática y persuasiva en todas nuestras vidas. Al igual que la Iglesia, la Monarquía y el Partido Comunista en otros tiempos o lugares, la corporación es hoy la institución dominante.” Y el documental va desgranando los amorales mecanismos que rigen a las grandes corporaciones, viniéndonos a explicar -en resumen- que una gran empresa multinacional puede comportarse como un psicópata, sin sentir ninguna clase de empatía con los seres humanos. Sus fines son únicamente conseguir más y más beneficios para sus accionistas. Y nada más. No les importa dañar el medio ambiente, despedir a miles de trabajadores, producir enfermedades vendiendo productos insanos, explotar a sus trabajadores… Las corporaciones cuando son “pilladas in fraganti” incumpliendo la ley, pagan las millonarias multas pertinentes, pero no aterrizan en la cárcel, obviamente. Nadie puede encarcelar a una empresa. La empresa es una “persona jurídica”, no una “persona física” y amparándose en esa realidad hacen lo que les place sin ningún tipo de control por parte de los gobiernos. Pues la mayoría de ellas son empresas transnacionales que cuentan, además, con un capital superior al producto interior bruto de muchos países.
El documental no está diciendo algo que no sepamos ya, pero explica y desarrolla su tesis de una manera tan efectiva que uno pasa en un “plis plas” de odiar a nuestros representantes políticos a maldecir a viva voz a todas las corporaciones del mundo deseando que éstas pasen a ser controladas por los poderes públicos.
Y estos días estamos escuchando que las cajas de ahorro, golpeadas por la crisis, se van a ver obligas a convertirse en bancos, es decir, en corporaciones. Como todo el mundo sabe, las Cajas de Ahorro son entidades de carácter social. Por ello tienen ciertos beneficios fiscales. Y también por ello sus órganos de gobierno son elegidos por nuestras instituciones públicas. Es decir: existe un control sobre ellas. Y ahora, repito, se habla de convertirlas en bancos.
Las cajas de ahorro están obligadas a invertir buena parte de sus ganancias en obra social y cultural. ¿Qué va a pasar ahora? Muchas instituciones, asociaciones, fundaciones… todas ellas culturales subsisten en buena medida gracias a las Cajas de Ahorro. El futuro, por lo tanto, para los que se dedican a la cultura no es nada halagüeño. Si ya todas las instituciones culturales públicas están sufriendo importantes recortes económicos ahora uno de sus mayores mecenas va a desaparecer. Es fundamental que el Gobierno mueva rápidamente fichas y ponga en marcha una nueva ley de mecenazgo para intentar tapar ese hueco que dejarán las Cajas.

DOCUMENTALES

2011-02-15T09:55:00.002+01:00

No veo televisión desde 1988. El mismo año en el que me puse a vivir por mi cuenta y riesgo. El mismo año en el que me sentí por primera vez completamente dueño de mi vida: podía comer y dormir cuando y como quisiera, andar en ropa interior –o sin ropa- por mi casa… y desconectar el aparto de televisión de la antena pertinente. Eso sí: me compré un reproductor de vídeo para poder ver películas, documentales, cortometrajes… Yo mismo me programaba lo que quería ver rebuscando en bibliotecas y videoclubs. Todo un lujo.
En definitiva: dejé de ver tele. Simple y llanamente no me interesaba en absoluto lo que me ofrecía. Ni cómo me lo ofrecía. Pues mi vida caminaba en una dirección y la televisión justo en sentido contrario. Chocábamos: no me molaban los coches; ni mi sueño era comprarme un chalé de lujo, ni rodearme de los miles de productos que se asomaban por la caja tonta. Tampoco me veía reflejado en los sonrientes personajes que se asomaban por los programas televisivos y que representaba un modelo de vida en el que yo no creía. Ver televisión me producía una honda congoja. La tele no me servía para reafirmar mi manera de entender el mundo. Por otra parte no quería buscarme un curro mecánico ni convertirme en hábil empresario para poder costearme no sé qué. Quería hacer lo que me gusta hacer y no lo que otros me querían imponer. Si conseguía eso –pensaba- me podía dar por satisfecho. Triunfar en la vida era simple: poder vivir a mi modo. Y yo veía la tele como un enemigo que me restaba fuerzas en ese propósito de hacer lo que yo quería hacer. La tele me intentaba inculcar nuevos hábitos de consumo, obligándome, por tanto, a ganar mucho dinero para poder costeármelos. Han pasado más de veinte años y sigo pensando igual.
¿Qué en la tele ofrecen también productos interesantes? No lo niego. Por eso me parece fundamental que los espacios destinados a la difusión de arte y cultura, los museos, los centros de arte, realicen una función de filtrado seleccionando productos, obras, destinadas en principio a la televisión, al cine o a Internet pero que, paradójicamente tienen claros componentes creativos, artísticos, reflexivos… Y digo “paradójicamente” porque, repito, hoy en día es muy difícil visionar algo de calidad, algo alejado del consumo rápido y fatuo, en esos canales. Así que alguien tiene que realizar esa función de criba y ponerse con la dura tarea de separar el escaso grano de entre tanta paja. En ese sentido, estos días, Artium nos ofrece un interesante ciclo de cine que versa sobre el falso documental. Podemos ver legendarias obras dentro del género “falso documental” realizadas por Peter Watkins, Orson Welles, Peter Jackson… Obras que nos muestran la difusa frontera entre realidad y ficción y que ponen de manifiesto la necesidad de poner en cuestión cosas que a priori son tomadas como ciertas. El ciclo está Ligado a la exposición “Basado en hechos reales”, de la Colección ARTIUM. Recomendable.

CHIDILLA LEKU

2011-01-29T18:18:00.001+01:00

Son malos tiempos para los museos que tienen un claro objetivo de generar beneficios económicos. Porque las pérdidas que muchas veces generan ya no se pueden camuflar con dinero público: estamos en crisis. En definitiva, los museos deberían ser simple y llanamente museos. Y tener fines culturales, didácticos y no empresariales. Resumiendo: ser espacios para mostrar y enseñar arte. Pero en época de “vacas gordas” se apostó por un modelo sobredimensionado, con mucho “tirón mediático” y que atrajera a millones de turistas culturales. Para así –dicen- generar beneficios económicos para las ciudades que apadrinaran ese tipo de estructuras. A ese fenómeno se le llamó “el efecto Gugghenheim”. Pero nunca se hicieron bien las cuentas. Ni se hacen. Este tipo de modelos sólo funcionan cuando las instituciones les inyectan muchísimo dinero. Es imposible que el Guggy funcione hoy sin cantidades ingentes de dinero institucional. Tom Krems, director de la Fundación Guggenheim hasta hace bien poco, en su día se quedó maravillado con la “pasta” que teníamos los vascos para poder acoger su franquicia en Bilbao. Hasta hace poco, sólo para la compra de arte para el Guggy, la Diputación de Bilbao aportaba cerca de tres millones de euros y el Gobierno Vasco otros tantos. En definitiva: es muy difícil saber cuál es el retorno económico de esas inversiones en cultura. Todo depende de quién nos hace las cuentas. Y de cómo.
El Chidilla Leku funcionaba sin apoyo institucional. Y acogió a ochocientos mil visitantes en sus diez años de existencia. Esto es: ochenta mil visitantes al año. Y aún y todo, calculando unos ingresos sólo por la venta de entradas de casi setecientos mil euros al año, es decir cincuenta mil euros al mes, no ha conseguido sobrevivir. Pero claro, es que está en Hernani, y no en el centro de San Sebastian. En fin, no conozco muy bien los detalles financieros del Chidilla Leku, pero está claro que la familia Chillida va a conseguir más beneficios económicos vendiendo la obra de Eduardo Chillida que con este museo un tanto a desmano. Hace unos días diez de las cuarenta esculturas que albergaba el Chidilla Leku, a pocas horas de anunciar el cierre, salían del museo para ser vendidas en importantes galerías del mundo. La familia Chillida, que son muchos, necesita recuperarse de las pérdidas económicas que les ha generado un museo que ellos creían que iba a ser rentable, sostenible.
Pero tanto el alcalde de San Sebastián, Odón Elorza, como la consejera de Cultura, Blanca Urgell, declararon que ya sabían que el cierre era inevitable después de que los Chillida dijeran que ya no podían mantener el recinto por sí solos. Y ambos se mostraban seguros de que Chillida Leku abrirá de nuevo. Pero que la solución pasa por inyectar dinero público al museo. La consejera de Cultura afirmó que hallarán el modo de que Chillida Leku vuelva a abrir y que "cualquier intervención" que se acometa "estará unida al espíritu Chillida que todo el mundo conoce".

POLITICA

2011-01-29T18:15:00.002+01:00

Hemos oído, pronunciado, tantas veces la palabra “política” que la hemos vaciado de sentido. La hemos desgastado. Y de la misma forma que “arte” se nos antoja como ese término que engloba todo lo producido por los artistas profesionales, llamamos “política” a la actividad ejercida por los políticos profesionales. Pero no, no es así. El término “política” proviene del griego. De “politikos”, que significa “ciudadano”. Por tanto la “política” es una actividad que surge de los ciudadanos. Otra cuestión es que éstos deleguen en unos pocos el ejercicio de dicha actividad. Y lo mismo sucede con el arte: el arte surge de los ciudadanos, de todos ellos. El arte o la creatividad, la política son actividades que nos convierten en personas, en ciudadanos. Pues el hombre es un animal creativo y político.
Así que no es un dispara afirmar que el ciudadano en vez de delegar en otros el ejercicio de la política, puede decidir no hacerlo. O no del todo. Puede tener la necesidad, el deseo, de incidir directamente en el gobierno, en el ordenamiento de su ciudad, de su país. Quizá no quiera participar en la toma de grandes y complejas decisiones, pues para eso ya están los “liberados”, los profesionales asalariados de la política. Pero quizá sí que quiera tomar las riendas de diversos proyectos con los que se sienta identificado, cómodo, a gusto. De proyectos que entienda. El ciudadano puede, por tanto, realizar acciones de “micropolítica”.
Y en Vitoria tenemos dos ejemplos de ello. Uno es el “Proyecto Amarika”. Un grupo de artistas, de ciudadanos relacionados con el arte y con la creatividad, constituidos en asamblea –una asamblea abierta, además- que lleva dos años gestionando tres salas expositivas de la Diputación Foral de Álava. Y de una forma eficaz y económica. En estos dos años han sido invitados para explicar su proyecto desde todos los centros de arte más significativos del Estado.
Y, por otra parte, el programa de ocio nocturno Gauekoak es gestionado desde una asamblea de colectivos, de asociaciones. Hablamos, por tanto, de un sistema federativo de gestión. Gauekoak es un programa sufragado por el ayuntamiento de nuestra ciudad. Una herramienta que permite a los jóvenes poder decidir de manera activa en qué invertir su tiempo libre, su tiempo de ocio. Y lo pueden hacer no sólo como meros usuarios que disponen de un “menú a la carta”, sino como plenos ciudadanos capaces de organizar y ejecutar sus propias actividades de ocio y cultura. Gauekoak, por tanto, es un programa pergeñado por los jóvenes y para los jóvenes. Un programa fundamental pensado para crear futuros ciudadanos responsables. Ciudadanos críticos y dinámicos. Diez años lleva el programa de ocio nocturno Gauekoak funcionando. Y hace pocos meses la federación que sustenta dicho proyecto ha crecido con la incorporación en su seno de nuevos colectivos. Esperamos, deseamos, que de esa manera el programa crezca y mejore aún más.

HOMBRES

2011-01-15T15:01:00.001+01:00

Uno tiene que ser mujer para poder hablar con rigor sobre el fenómeno de la discriminación sexual. Pues si eres varón es difícil ser discriminado por ese motivo. Por el tipo de orientación sexual sí que se discrimina a los hombres, pero por el hecho de tener pene, no. Aunque no estoy de acuerdo con la aseveración de que el machismo sólo los sufren mujeres o gays. Obvio es que la “violencia de género” –eufemismo utilizado para definir la violencia que ejerce el hombre contra la mujer- sólo la padecen las mujeres, pero la machista la sufrimos también los propios hombres. Me explico: desde chicos se nos educa a los varones de acuerdo a un modelo masculino basado en claves de fortaleza física, emocional y psicológica. Y la mayoría de los hombres hemos sufrido los efectos de ese modelo. Unos menos y otros más. Y en el apartado del “más” nos encontramos los que nos dedicábamos a escribir, dibujar, leer... y no a “labores masculinas”. Y no estoy hablando de homofobia -que de eso también había- sino de chavales que no nos ajustábamos a la cultura “de hombres” imperante. A mí particularmente no me gustaba quemar lagartijas, ni participar en juegos en los que a veces se infringían castigos corporales a los perdedores. Y no me molaba nada pegar otros niños o niñas. En fin, ni siquiera jugaba al fútbol. Con el consabido riesgo de que te llamaran “niña”, “marica” o epítetos similares. Con los años me he dado cuenta que yo no era un bicho raro: he conocido a tíos que les sucedía exactamente lo mismo. Curiosamente muchos de ellos se dedican al arte. Pues bien: creo que los hombres deberíamos pensar un poco en todo esto. Los hombres tenemos que reconstruir nuestro modelo masculino. Pues somos los primeros perjudicados. Y así las cárceles están llenas de hombres. Y en las guerras siguen muriendo sobre todo hombres. Y la mayoría de los menores explotados en el mundo son niños. Es decir: los primeros que sufrimos los efectos del machismo, de la violencia, de ese rancio y chungo modelo masculino somos los hombres. Hay que despabilar y cambiar. Pero no por las mujeres, que también, sino por nosotros mismos. Y organizarnos como hacen ellas. Y luchar por conseguir cambios.
Por ejemplo: ayer pudimos conocer a la asociación MAV (mujeres en las artes visuales.) Fue gracias a la Asamblea Amárika que acogió y colaboró en la primera presentación de este colectivo en Euskadi.
MAV está formado por un amplio grupo de mujeres profesionales del sector de las artes visuales en España. Se explicó el Art. 26 de la siempre incumplida Ley de Igualdad. Se explicó la formación de MAV, las actuaciones mas recientes de la asociación y los resultados de informes y estudios en museos y otros centros de arte. Informes que revelan que en muchos casos se discriminaba a las mujeres de este sector. Por ejemplo: los jurados que se constituyen para otorgar premios y ayudas están formados mayoritariamente por hombres.

INDIVIDUALISMO

2011-01-15T14:58:00.001+01:00

El actual mundo del arte se sustenta sobre la idea de artista independiente, individualista… del genio. ¿O no? Si examinamos la historia del arte reciente, de los últimos cien años, podemos ver que esa lectura no es del todo cierta. Pues el artista se ha agrupado siempre que ha podido bajo el paraguas de “movimiento artístico”, agrupándose con otros que compartían un mismo ideario, lanzando manifiestos colectivos, intentando, en definitiva, incidir desde el arte y en su realidad de una manera colectiva. Y así el futurismo, el surrealismo, el expresionismo y otros movimientos vanguardistas intentaron propiciar cambios en el arte y en la sociedad trabajando desde la idea de grupo. Opción lógica, pues el hombre es un animal social que necesita organizarse, juntarse para poder trasformar, mejorar su realidad. Y así cualquier avance social relevante siempre ha tenido el apoyo de un grupo amplio de la sociedad. Y cualquier opción individual que ha querido imponerse al grupo, a la mayoría, ha acabado fracasando. En ese sentido podemos afirmar que vivimos en un mundo en el que los sistemas políticos sustentados en una sola persona, o en un conjunto reducido de individuos, –llámense dictaduras- cada vez tienen menor vida.
En el actual mundo del arte los artistas apenas se agrupan por compartir un mismo ideario. Se agrupan en asociaciones, colectivos, sí. Pero muchas veces para defender sus intereses colectivos como profesionales del arte. Pero pocas veces, repito, por compartir un mismo sistema de valores. Y es una lástima. Porque si queremos mejorar en el terreno de la cultura deberíamos contar con numerosos colectivos que intentaran propiciar los necesarios cambios en esta sociedad. Para conseguir así una sociedad más culta, más crítica.
Paradójicamente el sistema del arte, las instituciones públicas que promueven el arte y la cultura, pocas veces promueven a los colectivos. Más bien alientan la creación individual. La idea del artista-genio. El arte convertido en competición. El artista como atleta profesional: se entrena, estudia al “enemigo”. Espera su momento. Pide sus becas, concursa… Y finalmente sus esfuerzos serán recompensados: quizá se convierta en una figura importante dentro del arte y llegue a exponer en los grandes museos y centros de arte del mundo.
Incluso algunos artistas buscarán atajos. Saben que para ser grandes artistas, ricos artistas, famosos artistas, necesitan que “el sistema del arte” legitime su trabajo. Ya no esperan su momento, no esperan a que se les llame, sino que usarán artimañas, se “doparán”, sobornarán a los jurados… para conseguir despuntar en su carrera individualista como profesional del arte.
Y digo esto porque el otro día leí que una persona de esta ciudad solicitaba públicamente a Artium que mostrara sus esculturas porque él pagaba sus impuestos al igual que otros artistas que habían expuesto en Artium. En fin, son los daños colaterales que produce el propio sistema del arte sustentado en el individualismo.

ANTIHÉROE DE PAPEL

2010-12-29T14:07:00.002+01:00

Herminio Bolaextra es un “antihéroe de papel” creado por Mauro Entrialgo. Herminio nació en 1987 en el TMEO número cero del ácrata fanzine TMEO. Y ha asomado su nariz puntiaguda de periodista por todos los números de esta mítica publicación vasca. Es, por tanto, uno de los personajes del cómic peninsular con más años de edad. También es verdad que en el panorama actual los personajes de papel con largas apariciones periódicas y regulares no abundan. Pues actualmente el medio del cómic no da cobijo a muchas revistas periódicas. Ese formato está desde hace años en vías de extinción. Ahora se apuesta por los álbumes, por las novelas gráficas… por historietas más largas y auto conclusivas. Esos formatos no permiten que la vida de los “héroes de papel” sea excesivamente larga. Si descartamos, obviamente, las continuas reediciones de personajes míticos de la edad dorada del tebeo español: El capitán Trueno, El Jabato, El corsario de hierro…
Mortadelo y Filemón (de Ibañez, nacido en 1958) y Zipi y Zape (Escobar, 1948) serían dos de los protagonistas más veteranos que aún siguen vivos después varias décadas. Aunque la vida de Zipi y Zape ha sido interrumpida durante periodos largos de tiempo. En cualquier caso, si nos trasladamos al mundo de la prensa, no encontramos con Don Celes (Olmo, 1945) que se erigiría como el personaje español de papel con más solera, superando a los dos anteriores. Esther (1971, Purita Campos) sería uno de los personajes femeninos con más existencia. Es verdad que “murió” en 1990, pero después de casi dos décadas, y debido al éxito de las reediciones, su autora de 71 años está publicando actualmente nuevas aventuras de Esther. Si no damos a Esther como válida, entonces el honor de ser la heroína española de papel con más solera pasaría a Mamen, estrella de El Jueves (1983, Mariel y Barceló). Porque claro, no podemos olvidar a los personajes de la revista semanal de humor gráfico El Jueves: “Martinez el facha” (Kim, 1977), “El profesor Cojonciano (Oscar, 1977) y el personaje Groucho de “Grouñidos en el desierto” (1979, Ventura & Nieto) siguen vivos y coleando después de más de 30 años.
Y volviendo a Herminio: este degenerado periodista se ha convertido, por tanto, en uno de los personajes más conocidos de la historieta peninsular. Sus exquisitas gamberradas y su animada cháchara de lúcido caradura han protagonizado varios libros superventas recopilatorios, una exitosa obra de teatro y una guía de autoayuda titulada “Cómo convertirse en un hijodeputa” que anda ya por su quinta edición. Y ahora podemos disfrutar del recién publicado álbum “Medio a medias”. Un monográfico que reúne por fin todas las historietas a color del personaje no publicadas anteriormente en libro alguno. “En un volumen de lujo encuadernado en tapa dura a un precio de chiste”, dice su autor. En fin, si quieren ustedes que nuestro personaje siga vivo por muchos años, acérquense a las librerías y llévense un ejemplar de “Medio a medias”.

RESULTADOS

2010-12-29T14:03:00.001+01:00

El otro día en la comida popular que organizó la asamblea Amarika estuve almorzando cerca de una joven que yo creía no conocer de nada. Pero ella me saludó familiarmente. Y viendo mi respuesta, mi cara de extrañeza, me preguntó si yo no la conocía a ella. Le dije que no caía. Entonces me explicó que yo le había dado clases de dibujo hace quince años. En una academia, cuando ella era una chiquilla de diez años. Seguí sin caer. Pero la pregunté bastante dubitativo, casi con miedo, que qué tal. Que si había aprendido algo conmigo. Me dijo: “Bueno, algo aprendería porque ahora me dedico al diseño gráfico. Y me va bien”. Me llevé una alegría, pues siempre recuerdo mis clases como guerras campales: yo luchando contra un montón de chavales hiperactivos, intentando que no se levantaran de sus pupitres, intentando siempre poner orden. Intentando que regresaran ilesos a sus casas. Que no se comieran las gomas de borrar y que no usaran los lapiceros como armas de combate. Lo del dibujo era casi secundario. Así que me llevé una gran satisfacción viendo que mi trabajo de aquellos años había dado sus frutos, en definitiva. No había sido tiempo perdido.
Pocas veces somos conscientes del fruto de nuestro trabajo. Trabajamos en la mejor de las ocasiones porque nos gusta lo que hacemos. En otras, simplemente porque necesitamos dinero para vivir. Pero las huellas que dejamos en otras personas la mayoría de las veces no podemos seguirlas.
Y hace unos meses me pasó algo similar con Antonio Altarriba. Le acababan de dar varios premios. Por una novela gráfica magnífica, guionizada por él y dibujada por el catalán Kim. Antonio me dijo que él había conocido a Kim en el Festival de Cómic Crash Cómic de 2003. Un festival que yo me encargué de coordinar bajo el paraguas de la Asociación de Dibujantes de Cómic de Atiza. Mi recuerdo de aquel festival era bastante confuso: siete exposiciones que poner en marcha, más de veinte invitados que atender... No contábamos con un presupuesto en condiciones. Así que a mí me tocó hacer de todo. Apenas tuve tiempo para hablar con los invitados. Me saltaba las comidas. La pastelería “La peña dulce” nos había hecho unas “galletas Crash” y yo las llevaba en mi mochila junto a carteles, postales… Material para repartir durante el festival. En los días que duró la actividad creo que sólo me alimenté de esas galletas.
Si no se hubiera organizado el Crash Cómic en 2003, Antonio no habría conocido a Kim. Y posiblemente esa novela gráfica no se hubiera pergeñado de la misma manera. Ahora ambos autores han recibido el Premio Nacional de Cómic por ella. Así que ahora mismo me siento como con mi encuentro con la joven alumna mía: veo que lo que hicimos en su día cobra sentido años después.

Moraleja: muchas veces nos desanimamos al no poder ver los resultados de lo que hacemos. Y la verdad es que no los vemos porque se esconden. Sólo hay que esperar, como a mí me ha pasado, a que algunos de ellos afloren al cabo de los años.

RESETEO DE "INMERSIONES"

2010-12-29T14:01:00.001+01:00

Hoy se inaugura en la sala Amárica una nueva edición del programa anual “Inmersiones”. Un programa pensado para “sumergirnos” en la creación más joven, desconocida. Es ésta la tercera edición. Cada una de ellas ha sido coordinada por una persona diferente. Algo bastante inusual hoy en día en el mundo de la cultura. Porque cuando alguien pone en marcha una propuesta que funciona, la amarra con fuerza. La hace suya y no la suelta. “Hasta que la muerte nos separe”, parece ser. Y esto es un problema. Pues la fórmula acaba desgastándose de tanto repetirse. Año tras año se introducen cambios, sí. Pero realizados por la misma cabeza. Por tanto no son significativos. Ejemplos cercanos, tenemos: hace unos días he estado visitando las exposiciones de “Periscopio” y me parece que este “evento” empieza a dar señales de fatiga. Y me gustaría saber cómo se desarrollaría “Periscopio” si sufriera un reseteo: si lo apagásemos y lo volviéramos a encender. Pero no quiero “sumergirme” en el terreno de la cultura-ficción. Ni tampoco animar a nadie a abandonar nada. Es sólo un ejemplo.
El relevo coordinativo de un proyecto posibilita que éste se enriquezca, mute, cambie, se reinvente, sorprenda… Cada edición sufre un previo reseteo de su propio sistema. Cada coordinador es una nueva persona al frente del mismo ordenador. Lo personaliza, carga otros programas, otras mejoras. Cada edición es, por tanto, como un personaje de cómic dibujado por un nuevo creador. Algo muy interesante. Parece que el proyecto está vivo. Que el personaje de cómic tiene vida propia, sin necesidad de un autor.
La primera edición de “Inmersiones” coincidió con la reapertura de la Sala Amárica tras años de cierre. También fue la primera actividad puesta en marcha por la Asamblea Amarika. Por ese colectivo de ciudadanos que está gestionando actualmente tres salas expositivas de la Diputación Foral de Álava con un presupuesto, por cierto, cada vez más menguante. Fue por tanto un “Inmersiones” con mucha energía. Con muchísimos artistas jóvenes presentando sus proyectos ante el público mientras conocían a la gente de la Asamblea. Y mientas se conocían entre sí.
La segunda edición se centró en dar a conocer a los jóvenes artistas seleccionados a múltiples museos, centros de arte del Estado. Mientras se daba a conocer también a la propia Asamblea Amarika. Fue un “Inmersiones” volcado al exterior.
Y esta tercera edición -coordinada por Rubén Díaz de Corcuera- quiere ser una edición de encuentro reflexivo. Un ejercicio de crítica, de autocrítica, analizando lo que se ha hecho y lo que queda por hacer. Repensando el futuro del propio “Inmersiones”. Sin olvidar, obviamente, las presentaciones públicas de los trabajos de las varias docenas de artistas seleccionados.
Deseamos larga vida a “Inmersiones” y al “Proyecto Amarika”. Y deseamos, también, que cunda el ejemplo y que haya relevo en la coordinación de otro tipo de eventos, de festivales, de exposiciones, de programas…

SIERRA SIN FILO

2010-12-29T13:59:00.001+01:00

Por primera vez un artista –Santiago Sierra- ha rechazado el Premio Nacional de Artes Plásticas otorgado por el Ministerio de Cultura. Y lo ha hecho publicando un mensaje en su blog. Dice: “Agradezco mucho a los profesionales del arte que me recordasen y evaluasen en el modo en que lo han hecho. No obstante, y según mi opinión, los premios se conceden a quien ha realizado un servicio, como por ejemplo a un empleado del mes.
Es mi deseo manifestar en este momento que el arte me ha otorgado una libertad a la que no estoy dispuesto a renunciar. Consecuentemente, mi sentido común me obliga a rechazar este premio. Este premio instrumentaliza en beneficio del estado el prestigio del premiado. Un estado que pide a gritos legitimación ante un desacato sobre el mandato de trabajar por el bien común sin importar qué partido ocupe el puesto. Un estado que participa en guerras dementes alineado con un imperio criminal. Un estado que dona alegremente el dinero común a la banca. Un estado empeñado en el desmontaje del estado de bienestar en beneficio de una minoría internacional y local.
El estado no somos todos. El estado son ustedes y sus amigos. Por lo tanto, no me cuenten entre ellos, pues yo soy un artista serio. No señores, No, Global Tour.
¡Salud y libertad!”
Y, estos días, los cuatro interesados por el mundo del arte nos hemos dividido en dos: por un lado los que defienden la “heroica” respuesta de este artista; por otro, los que creemos que se trata de un mero golpe de efecto (en el fondo, otra efectista obra de Sierra más), o de una simple operación de marketing (cierra su misiva anunciando “Global Tour”, un documental que ahora mismo está rodando).
También puede tratarse de una rabieta plasmada en escrito: se cree un artista “antisistema” y, paradójicamente, es premiado ahora por el propio sistema. Y si a un artista que vende subversión le quitas eso, ¿qué sentido tendría ahora su trabajo?
Resumiendo: hay una gran contradicción en esa respuesta tan engreída, tan débilmente argumentada, tan mal escrita de Sierra: el artista trabajó para el Estado en 2003. En la Bienal de Venecia. Cuando se lo pidió el gobierno de Aznar. Por entonces el PP necesitaba limpiar su imagen ante la opinión pública por el fuerte apoyo prestado a Bush en la guerra de Ikak. Y Sierra colaboró en esa campaña de lavado de imagen.
El jurado puede haber herido su gran orgullo al premiarle. Porque Sierra es como un Hugo Chavez del arte: es capaz de “vender petróleo”, de hacer negocio con estados imperialistas y creerse al mismo tiempo un revolucionado. En otro arrebato anterior Sierra dijo públicamente dirigiéndose al artista Barceló: “Vamos a ver majete, por si te interesa vivo de mi trabajo y no de lamerle los huevos al poder como haces tú...
Sierra podría haber donado el premio a alguna causa perdida. O podría haber devuelto lo que en su día le dio el Estado por su participación en Venecia. Y es que si un artista quiere entera libertad, lo que tiene que hacer es no vivir del arte.

CINE DE BARRIO

2010-12-29T13:56:00.001+01:00

La semana pasada tuvo lugar un atípico acto cultural en el cine de Errekaleor: se presentó una actividad llamada “Postalfreek”. Al evento acudieron varios periodistas, algunos vecinos de este barrio en vías de desaparición y las personas implicadas en esta iniciativa. Mery Cuesta, “cómplice” en la puesta en marcha de esta propuesta nos relata:
“Postal Freek es una colección de diez postales que muestran imágenes de Vitoria alternativas a las que proyecta la industria del turismo y las narrativas institucionales. Las contra-imágenes de Postal Freek son una contestación a aquellas fotografías aburridas, tópicas y alienadas a las que estamos habituados.
Cada postal es un comentario social de un ciudadano de Vitoria que viene a contrarrestar el discurso de la oficialidad. Vitoria, como todas las ciudades, es narrada desde una versión de la Historia cortada a medida de discursos políticos e ideológicos pactados y tendenciosos. Es necesario que, desde la iniciativa particular, se pongan en circulación otros relatos sobre la ciudad basados en su uso intensivo y desintoxicado de cualquier interés de carácter institucional. La ciudad es patrimonio de todos y, por ello, debe ser referida desde cuantas más perspectivas mejor.
Las diez postales han sido seleccionadas de entre todas las recibidas para participar en el concurso Postal Freek! convocado a título personal por un ciudadano apodado ‘Yomismo’. El concurso se revela como una forma eficaz de hacer hablar a los otros, aquellos con los que experimentamos el mismo espacio, y con los que, a lo mejor estamos opinando lo mismo sobre la gestión que de éste se está haciendo. A menudo se habla del trabajo artístico en el espacio público. Esto no significa únicamente trabajar a pie de calle, sino poner en marcha iniciativas que tengan en cuenta a todos los actores del territorio común y contar, a través de estrategias muy diversas, con su colaboración directa.
No hay fines comerciales en esta propuesta. Las postales no se venden, se regalan. La producción, difusión, maquetación y distribución, todo corre a cuenta de ‘Yomismo’. Pero, ¿quién es ‘Yomismo’? Básicamente, un ciudadano de Vitoria. Así, Postal Freek viene a demostrar que, desde la iniciativa particular y con recursos propios, existe la manera de hacer circular discursos alternativos ¿Porqué no va a poder un vecino de Vitoria, a título personal, organizar un concurso público?”
Y la presentación tuvo lugar en el barrio de Errekaleor porque una de las imágenes seleccionadas –realizada por Estibaliz Díaz,- recoge un plano general de dicho barrio. Las otras nueve imágenes han sido realizadas por: Oben Antón, Zirika, Iñaki Cerrajería, Estibaliz Díaz, Mauro Entrialgo, Ibabe Ibañez, Carlos Lalastra, Virginia Lekuona, Ana Nieto, Mary Zurbano.
Las postales pueden conseguirse en diversos bares de Vitoria situados en los expositores de postales gratuitas “Postalfree”.

RELEER A CUERDA

2010-11-06T11:05:00.001+01:00

Me acordado estos días de Jose Ángel Cuerda. A cuenta del premio “European Green Capital” que acaba de recibir nuestra ciudad.
Desde 1979 hasta 1999, Cuerda fue nuestro alcalde. Ya en 1996 Vitoria es elegida modelo de sostenibilidad en Europa. Y pocos meses después de que Cuerda abandone su cargo, “el Anillo Verde”-creado en 1993- es seleccionado por la ONU entre las 100 mejores actuaciones mundiales. Y no cito más premios, reconocimientos, de la “era Cuerda” para no aburrir al personal. Así que es de rigor afirmar que Vitoria es lo que es en materia de ecologismo y sostenibilidad gracias a Cuerda. Y, sabiendo eso, nuestro actual alcalde en el momento de recibir el mencionado premio y –según he leído- aturdido por haber ganado “a la primera”, se apresuró a llamar a sus dos antecesores en la Alcaldía, Cuerda y Alonso, para informarles de la buena nueva.
Y he “buceado” un poco en internet para “releer” a Cuerda. Y así desviar mi atención de ciertas declaraciones de nuestro Ayuntamiento, que parece preocuparse ahora por sacar rendimiento económico al galardón: que si vamos a crear unas “rutas verdes” para los turistas, que si vamos a organizar no sé cuál evento… Convertir Vitoria en un parque de atracciones verde, en definitiva. Así nuestro Ayuntamiento señalaba que el premio recibido "ha llegado a ser el tercer comentario más seguido en toda el Estado en la red social 'twitter' y se ha hecho con los titulares de los principales medios de comunicación europeos". Como si lo importante no fuera lo que somos, sino que hablen de nosotros. Por eso, repito, busco escritos de Cuerda. Necesito leer algo sustancioso sobre Vitoria y no frases que parecen extraídas de un folleto de parque de atracciones. Cito unas frases suyas: “La ciudad es el escenario de una forma de vida regida en gran parte por una ideología neoliberal, mercantilista, culturalmente homogeneizante y transgresora de toda clase de límites. Se propicia, o se genera de hecho, un individualismo egoísta e insolidario, un consumismo compulsivo en respuesta a necesidades creadas artificialmente por una publicidad asfixiante. El automóvil es el icono de esta sociedad urbana y capitalista, y se fomenta una cultura mediática intrascendente y alienante, convirtiendo a casi todas las cadenas de televisión en auténticas ‘armas’ de cretinización masiva”. O éstas: “Creo que hay esencialmente un profundo déficit de ciudadanía, de ciudadanía crítica, participativa y responsable. En gran medida el ciudadano ha optado, o se ha convertido de hecho, en usuario, cliente o consumidor de bienes y servicios públicos o privados, renunciando a su poder político permanente.” Y para finalizar: “La ciudad, como espacio complejo, diverso y multidimensional de convivencia, es el espacio, el territorio, de la educación como elemento esencial de un proyecto global y colectivo de ciudad sostenible y democrática”. En definitiva: creo que es un buen momento para que los que vivimos aquí “releamos” a Cuerda.

ZAPATOS NUEVOS

2010-11-03T12:53:00.002+01:00

La representante del comité de trabajadores de nuestro ayuntamiento decía hace unas semanas: “si en economía doméstica tienes que ahorrar, lo que no haces es quitarte de comer para comprarte unos zapatos de 250 euros”. Se refería a los proyectos estratégicos puestos en marcha por el actual equipo de gobierno del consistorio: nuevo ayuntamiento, el soterramiento… y el auditorio. Y se refería al recorte de los cursos en los Centros Cívicos, al recorte de los sueldos de los trabajadores municipales… Decía que, por una parte, no se cubren las sustituciones de las personas que atienden los servicios sociales, pero por otra, se invierten 180 millones de euros en un nuevo auditorio.
Son tiempos malos, éstos. Y parece ser que hay una campaña no ya municipal, sino nacional contra el funcionariado. Campañas muy populistas. Basadas en la imagen del funcionario vago. Y eso no es verdad. O si es verdad eso no es algo que sólo se dé entre los funcionarios: existe en todos los ámbitos. En la empresa privada y pública. Porque el mundo no funcionaría si el escaqueo fuera lo que primara. ¿Y por qué tenemos esa imagen de funcionario? La respuesta es clara: basta con que veamos a un funcionario chungo para que generalicemos de mala manera con todo el colectivo al que pertenece. Lo ilustro con un ejemplo. Hace unos años amanecíamos los domingos en el centro de Vitoria con un tropel de papeleras quemadas. Daba la sensación de que toda la chavalería presa de la “fiebre del sábado noche” se dedicaba a prenderlas fuego. “Son unos vándalos estos chavales. No saben divertirse…”, decía la gente. Al final se descubrió que el que se dedicaba a ese menester tan descerebrado era sólo un chaval. Un chaval en solitario. Y es que una persona sola puede armar mucho ruido A lo que iba: hay muchos funcionarios con una carga física de trabajo importante, ya sean auxiliares de enfermería, limpieza, jardinería... Estoy convencido de que la mayoría de los trabajadores del “mundo mundia” (e incluyo a los funcionarios) cumplen con sus labores. De lo contrario, repito, esto no funcionaría.
Y está claro que aunque estemos en crisis hay que seguir invirtiendo, arriesgando, creando nuevos proyectos. Pero los ciento ochenta millones de euros del auditorio es mucho gasto. El director del auditorio aseguró que las cuentas quedarán saneadas a partir de 2018. Que las obras darán trabajo a 2.643 personas durante los casi tres años que duren. Que cada euro de inversión generará 2,8 euros en el Producto Interior Bruto (PIB) y el 25% de la inversión en la fase de construcción retornará a las administraciones públicas en forma de recaudación tributaria. Después, en la etapa de explotación, decía, el centro creará 409 empleos anuales aportando, además, 64, 4 millones de euros al año al PIB. Pero muchos no se creen esas cifras. "Esto es humo, hipótesis y puro marketing. Ni siquiera hay un modelo de gestión o una cuenta de explotación", criticó, el PP.

ARTE DEPORTIVO

2010-11-03T12:45:00.002+01:00

El pasado miércoles llevamos una “elíptica” –una pesada y voluminosa máquina que sirve para correr sin moverse de sitio- a Artium. Previo consentimiento del mencionado museo. Situamos la aparatosa “elíptica” en frente de una obra expuesta en Artium y un amigo mío se subió en ella para hacer ejercicio mientras observaba dicha obra. Gert, fotógrafo de profesión y artífice de dicha obra, inmortalizó el momento con una foto. Foto que ilustrará una libreta que Artium regalará a los visitantes el mes que viene. Mi idea era plasmar la cuestión siguiente: hacer turismo cultural muchas veces se convierte en algo similar a practicar un deporte. El turista llega a un sitio e intenta visitar la máxima cantidad de museos, espacios de interés de ese lugar… en el tiempo mínimo.
En resumen: el miércoles pasado mezclamos arte y deporte en una fotografía. Tenía ganas.
Y es que algo tendrán en común el deporte y el arte cuando desde las políticas culturales generadas por nuestros gobiernos se tiende a empaquetar ambos ámbitos de la cultura bajo un mismo sello: “Ministerio de Educación Cultura y Deportes” (Gobierno español, de Venezuela, Costa Rica…), “Ministerio de Cultura y Deportes “(Gobierno de Guatemala, de Irán…), Departamento de Cultura y Deportes” (presente en la mayoría de los Ayuntamientos y Universidades del mundo). A vista de pájaro podríamos afirmar que arte y deporte son medios universales de comunicación, de expresión, de creación de identidad colectiva, de intercambio cultural entre individuos y sociedades. Medios que traspasan todas las fronteras, ya sean de carácter geopolítico, económico, social... Sin olvidar que arte y deporte sirven para formar a las personas sobre unos valores que las sociedades, digamos avanzadas, consideran fundamentales para la construcción de la ciudanía: esfuerzo, superación personal, autoconfianza, capacidad de interactuar con el entorno, de aunar esfuerzos…
Pero no hay que olvidar que ambos medios de producción cultural sufren una continua devaluación, una pérdida de sus valores más importantes –los que son motores del desarrollo y del avance social- al ser explotados económicamente. Al convertirse en meros espectáculos, en fenómenos de masas, perdiendo así su esencia entre ese entramado de empresas e intereses que se constituyen de este modo sobre la actividad deportiva y artística. Y así muchas veces acaba primando el negocio. Y deportistas y artistas se convierten en meros objetos de producción cuyo propio fin no es otro que la pura rentabilidad económica.
En cualquier caso aún teniendo tanto en común el arte y el deporte en contadas ocasiones ambos ámbitos se mezclan, se interrelacionan, se confrontan juntos en el mundo real. Los casos de hibridación deporte-arte no se suelen dar. El arte mira al deporte, como mucho, buscando cierta inspiración temática a un nivel representativo. Y el deporte asume que ciertos aspectos suyos ya son “per se” artísticos (gimnasia artística, por ejemplo).

VIRAJE

2010-10-16T13:13:00.001+02:00

Esta semana Daniel Castillejo cumple dos años al frente de Artium, pues fue en octubre de 2008 cuando el nuevo “capitán” tomo el timón del “barco”. Poco después, observamos algún pequeño cambio en su tripulación. Como pequeño fue también el “golpe de timón” dado por Castillejo: el timón giró con suavidad apenas uno centímetros. No fue, por tanto, un golpe, sino un leve toque. Pero suficiente para que el gran buque virara, sin chirriar, unos grados. Los grados necesarios para -después de dos años de navegación- situarlo, poco a poco, sin forzar motores, en otro contexto. Sabiendo aprovechar las corrientes. Alejándose de los peligrosos cantos de las sirenas. Sorteando arrecifes. Pero sin desviarse del plan de navegación trazado. Y ahora, Artium, navega por aguas más cercanas a nosotros, a nuestro contexto social y cultural. Queda aún largo camino por recorrer, pero la proa apunta clara hacia su destino. Aunque con esto de la crisis y los consabidos tijeretazos a la cultura, algo de lastre ha tenido que soltar Artium por el camino. Para ahorrar combustible. Esperemos no llegar al racionamiento de víveres. Aunque en las inauguraciones ya lo sufrimos: justo peladillas y unos vinos. Pero fuera de bromas: la sensación que tuve la semana pasada visitando las tres muestras de la nueva temporada expositiva de Artium es que nuestro museo ha cambiado –y para bien- en estos dos años.
Por una parte el alavés Aitor Lajarín ha diseñado para ARTIUM la instalación From Here to Everywhere. Profiling Postcity. Tirando del mestizaje técnico (pintura, vídeo, dibujo, piezas volumétricas…) el autor nos presenta una “foto” de la vida humana organizada en torno a las grandes urbes, analizando la transformación de nuestros espacios en ciudades globales.
La segunda muestra lleva por título Colección ARTIUM. Basado en hechos reales. Reúne noventa piezas adquiridas por el centro. Piezas representativas de aquellas estrategias (narración, documento, ficción, cuento) que nos permiten comprender y dar forma a nuestro entorno. Una interesante selección de piezas “puestas en escena” de una manera muy eficaz: casi no hay puesta en escena.
Y la tercera propuesta -Morder la mano que te da de comer- se centra en la obra de Jaime Davidovich, pionero en trasladar proyectos culturales y artísticos al medio televisivo. La muestra es la materialización de la mirada revisionista arrojada por el comisario Fito Rodriguez hacia trabajo de Davidovich. Un trabajo realizado entre 1968 y 1984.Fito nos presenta primero su obra pictórica, seguidamente vemos la experimentación de Davidovich con el vídeo, finalmente nos encontramos con su trabajo más interesante: el artista explotando las posibilidades creativas de la televisión a través del sistema de acceso público por cable de la ciudad de Nueva York. Carga irónica, sátira política, temáticas sociales… Otra televisión es posible, sí. Y sin aburrir al espectador. Ni tomarlo por un estúpido. Quizá este sea el mensaje que podemos extraer de la muestra.

ARTISTAS OBREROS

2010-10-16T13:10:00.001+02:00

Mis columnas las escribo los miércoles. Es decir: hoy es miércoles para mí. Día de la Huelga General. Y estoy escribiendo esto. Trabajando, por tanto. De verdad que me gustaría haber hecho huelga: no me gusta nada como funciona este sistema en el que vivimos. Sea laboral o social. Y una huelga me parece una muy buena opción para expresar el descontento. Aunque, claro, sé muy poco del sistema laboral. Para empezar no sé si soy un obrero o un empresario. Llevo veintitantos años “trabajando” como artista. A salto de mata. Nunca he tenido unas vacaciones pagadas por nadie. Ni una baja laboral. Ni ocho horas de trabajo al día. Más bien el trabajo no acaba nunca… Y no soy un “rara avis”. En este país hay mucha gente como yo. Gente que no quiere ser “obrero”. Que no quiere tener jefes. Pero que tampoco quiere ser empresario. Que no quiere tener empleados. ¿Somos autónomos, por tanto? Un autónomo es un empresario individual… En fin, me gustaría hacer huelga contra este sistema basado en “empresarios”, “obreros”, “autónomos”… Me gustaría que cada persona pudiera trabajar en lo que quisiera. Porque si te gusta el trabajo que haces, todo cambia. El trabajo deja de ser trabajo. El dinero que cobras importa menos mientras llegue para cubrir lo básico. Así que al que hace un trabajo duro habría que pagarle más que a uno que disfruta con lo que hace. Pero, claro, entonces nos encontraríamos con personas cobrando distinto por realizar un mismo trabajo en una misma empresa. Porque lo que para unos es un disfrute para otros es una condena. ¿Qué sistema laboral regula eso? Imposible.
A mí me gustaría hacer huelga por la situación de los que no tenemos “situación laboral”. Porque no tenemos la opción de parar, de tomarnos un mes de vacaciones a cuenta de la empresa. Porque no hay empresa. Otros hacen lo mismo que nosotros. Pero amparados por una institución. Pero nosotros nunca trabajamos dentro de la institución. Porque elegimos estar fuera de ella. Eres más libre. Aunque fuera hace frío, muchas veces. Y otras te mueres de calor.
Pero otros lo tienen más claro que yo: los artistas son obreros. La Unión de Actores, colectivos universitarios y distintas asociaciones del espectáculo secundaron la huelga general ante los “vaivenes y recortes presupuestarios” a los que está expuesto el sector cultural. Y criticaron que “solo se les llame para cuando necesitan la foto”.
“Esta es también una huelga de la cultura porque hay una reforma laboral que nos afecta”, No obstante, aclararon que esta convocatoria “no es contra un partido político” en particular, sino que señalaron que los distintos gobiernos generales, autonómicos y locales “no lo saben hacer en lo que se refiere al papel de la cultura”.
Por ello, la Unión de Actores apostó en su manifiesto por un “modelo cultural y social”, puesto que la cultura “no es un adorno” y representa hasta el 4% del Productor Interior Bruto (PIB) de este país. “Queremos ser el ‘Producto Interior Culto’”, reclamó al respecto Bosso. Ahí queda eso.

CULTURA LIBRE

2010-10-16T13:08:00.001+02:00

Los “okupas legales” que gestionan el espacio cultural y social “Tabacalera” de Madrid decidieron el martes pasado oponerse a Alejandro Sanz rodara en dicho espacio un video clip musical. El cantante tenía el permiso del Ministerio de Cultura, que es el propietario del edificio. Pero… ¡Oh!, a alguien se le olvidó pedir permiso a los gestores legales del espacio.
Recapitulemos: la antigua fábrica de Tabacos de la glorieta de Embajadores de Madrid –conocida por “Tabacalera”- está a la espera de convertirse en el futuro Centro Nacional de Artes Audiovisuales. Pero hasta que empiecen esas obras el Ministerio de Cultura ha cedido el edificio a varios colectivos de Lavapiés. La idea era que éstos pusieran en marcha un proyecto social y cultural basado en la autogestión. Y así ha sido: el lugar desde entonces se ha convertido en un contenedor que recoge las inquietudes artísticas y sociales de los vecinos de Lavapiés. El ministerio de Cultura actuó sagazmente: era mejor permitir que esos colectivos de la zona –que son muchos y muy activos- ocuparan el espacio legalmente antes de correr el riesgo de que, al quedar ese magnífico espacio vacío durante meses, este fuera “okupado” de manera ilegal.
Y el lunes pasado miembros del Ministerio y de la productora de Alejandro Sanz acudieron a Tabacalera para comenzar el rodaje del vídeo clip. Pero los colectivos del centro lo paralizaron a la espera de la decisión de su asamblea. Y ésta, tras largas horas de reunión, llegó a la conclusión de que la grabación del vídeo no encajaba en su proyecto de cultura libre. "El Ministerio nos dijo que en el contrato que firmamos hay una cláusula por la que se reservan el derecho a utilizar nuestra parte siempre que no afecte a las actividades programadas. Casualmente, la nave central va a estar ocupada este lunes y este martes por el seminario 'Praxis en desobediencia civil cultural'. Además, en el contrato se recoge que cualquier uso que quisiera hacer el Ministerio de esta mitad del edificio debe comunicarse con suficiente tiempo" -explicó un portavoz del colectivo autogestionado.
Finalmente, ha sido el equipo de Alejandro Sanz el que ha renunciado grabar el vídeo clip. El vídeo iba a estar dirigido por Gracia Querejeta, y protagonizado por el cantante y la actriz Maribel Verdú, según cuentan miembros de los colectivos de Tabacalera. Y también criticaron que se quisiera usar la nave en la que ellos desarrollan actividades cuando existe otra con la misma estructura en la parte del edificio que sigue siendo gestionada por el Ministerio. Finalmente cuestionaron que no se les avisara con tiempo ni se tuviera en cuenta la celebración de sus actividades. "No es una cuestión particular contra Alejandro Sanz, pero no estamos aquí para este tipo de cultura", sentencian desde el colectivo Tabacalera. Colectivo que, por cierto, ha elaborado un vídeo clip alternativo al de Alejandro muy divertido. Tomen nota: http://blip.tv/file/4145794

CULTURA INCULTA

2010-09-20T10:52:00.003+02:00

Decir que “la televisión es cultura” es de incultos. Porque, por una parte, la televisión es sólo un instrumento, un medio. Y como herramienta comunicativa que es podrá transmitir basura o productos de interés. Y, por otra parte, no olvidemos que bajo el sello “cultura” podemos calificar absolutamente toda actividad humana. Sea de la índole que sea. Es decir: el machismo, “la cultura del botellón”, el racismo…. son cultura. Todos los conocimientos que heredamos de nuestros antepasados, o los que dejaremos en herencia a nuestros hijos, son “cultura”. Otra cuestión es si queremos referirnos a la “Cultura” como todo aquello que nos ayuda a crecer, a desarrollarnos mejor como personas, a dotarnos de libre albedrío, a convertirnos en elementos activos, con capacidad crítica para poder mejorar nuestras vidas y nuestro entorno. A la “Cultura”, con mayúsculas. A esa Cultura que se enseña (o se debe de enseñar) en colegios y universidades. Y a esa “Cultura” que según ordena la Constitución debe de ser promovida y apoyada por nuestras instituciones públicas. Porque es deber del Estado ayudarnos a convertirnos en mejores ciudadanos.
Yo no he visto “Cultura” en el festival de televisión de Vitoria que se desarrolló en Vitoria a finales del mes pasado. He visto culto al espectáculo, promoción de la frivolidad, idolatría a la fama, mucha “alfombra roja”…. He visto a cientos de quinceañeras dando el espectáculo, gritando “tío bueno” al famosete de turno. Es decir, he visto “la calle” convertida en televisión.
Decía nuestra concejala de Cultura que el evento había sido un éxito: los hoteles se habían llenado durante la semana del festival televisivo. No me extraña: 300.000 euros dan para pagar muchas habitaciones a muchos famosillos televisivos. Quizá sea el momento de cerrar el departamento de cultura y abrir un “departamento de hoteles y famosos”. Seamos serios: los objetivos de nuestros departamentos de Cultura tienen que ser culturales. Y en ese sentido se deben apoyar todas aquellas iniciativas culturales de interés público que precisamente necesitan de ayuda para desarrollarse y llegar al ciudadano. Se debe apoyar lo minoritario, lo no popular. Precisamente para que llegue a ser popular y para que llegue a ser mayoritario. Pero apoyar con dinero público destinado a cultura la difusión de series de televisión que cuentan ya con millones de televidentes… eso es un “crimen cultural”. Porque no nos engañemos: los objetivos de las televisiones privadas no son culturales. Son meramente económicos. Las televisiones quieren entretenernos. Y mientras nos tienen entretenidos, y con la ayuda de los anuncios, nos “educan” como consumidores.
"La televisión es el espejo donde se refleja la derrota de todo nuestro sistema cultural”, sentenciaba hace años Federico Fellini. Pero quizá sea mejor finiquitar esto con una cita de Groucho: "Creo que la televisión es muy educativa. Cuando alguien la enciende me voy a leer un libro”.

DINAMITA

2010-08-15T13:36:00.002+02:00

“Juventud”, “joven” son palabras muy recurrentes, casi gastadas. Parte de ese deterioro es provocado por el mundo de la publicidad. Mundo que manipulan “lo joven” para estimular nuestros hábitos de consumo: “sé joven, consume”. Y las políticas públicas también juegan con “lo joven”, instrumentalizando el concepto en la mayoría de las ocasiones. Desde la cultura institucional, por ejemplo, siempre se destinan ayudas para “lo joven”. Con la invariable idea de incentivar a los jóvenes creadores para que se inserten profesionalmente en el mundo del arte. No se actúa para que éstos integren esos ricos valores que el arte puede aportar hoy en día en sus vidas. Se entiende el arte como una profesión y no como un ingrediente fundamental que pueda enriquecer nuestro desarrollo personal. Porque así es: el arte nos puede aportar creatividad, pensamiento crítico, imaginación… En ese sentido todos deberíamos entender nuestra experiencia diaria como una propuesta artística. Y el museo sería un “recinto de uso” donde se recogen después esas experiencias. De esta forma la producción de arte sería un mecanismo que permite al ciudadano-artista romper con su día a día y reencontrarse consigo mismo. El arte, el museo serían espacios en los que podríamos reconsiderar nuestros propios valores y readaptar nuestras ideas. Y hablo de todo esto porque me sirve de preámbulo para explicar una actividad que me parece que ejemplifica lo que acabo de contar. Se trata de DINAMIK(TT)AK. DINAMIK(TT)AK es un campo de trabajo dirigido a estudiantes de último curso de bachillerato. Estudiantes que tienen entre 17 y 19 años y que van a comenzar estudios relacionados de un modo expandido con la creatividad (moda, bellas artes, arquitectura, filosofía, diseño, publicidad, cine, periodismo, pedagogía…) El objetivo de las colonias es conseguir que estos jóvenes entiendan la creatividad como una herramienta de actuación en lo real-social, más allá de una serie de técnicas de representación estética. El punto de partida con el que plantean en esta edición de DINAMIK(TT)AK es éste: vivir ARTIUM como agente activo en la ciudad. El museo como parte activa y activadora de la vida en Vitoria-Gasteiz. Diez participantes, tres monitores y una serie de artistas invitados conviviendo durante doce días (del 5 al 16 de julio de 2010), veinticuatro horas al día, haciendo vida en ARTIUM. Incluso durmiendo en el propio museo. Intentando realizar una reflexión práctica y proactiva de cómo y para qué el museo se acerca a la ciudadanía. Para que los jóvenes experimenten el museo, los sientan y lo vivan dentro de unas claves muy diferentes a las que manejan hoy en día. El fin es que entiendan el museo más allá de esa idea de “contenedor de arte” al que acudir En definitiva: es ésta una buena iniciativa para los jóvenes.

SIN HUELGA

2010-08-15T13:31:00.003+02:00

Estuve la otra noche tomando unos potes con un amigo que curra en una institución cultural. Después de dos güisquis, se soltó un poco y me confesó que él estaba en contra de los derechos de autor. Que los artistas no tenían que cobrar ni un solo euro por que alguien reprodujera una obra suya, me cantó. Y, además, apostilló que los organismos encargados de gestionar los derechos de los autores son una mafia. Yo contesté que un servidor es socio desde hace bastantes años de VEGAP, entidad que se encarga de gestionar los derechos de autor de sus socios, todos ellos artistas visuales. Resumiendo: VEGAP opera de una forma similar a como actúa SGAE con sus afiliados músicos. Mi amigo se sorprendió. “No pensaba que tú que eres tan… digamos ‘avanzado’ en eso de la creación fueras socio de VEGAP. Por si no lo sabes muchos organismos no trabajamos con artistas que están afiliados a esa mafia”, sentenció.Yo entiendo que últimamente las entidades dedicadas a gestionar los derechos de los autores tienen mala prensa. Es obvio que dichos organismos se están pasando de la raya. Nos han impuesto el pago de un canon hasta para usar una grabadora de DVD cual pisapapeles ¿Por qué yo soy socio de VEGAP, entonces? Por ejemplo: si un artista sufre un accidente y queda incapacitado estos organismos están obligados a atenderle, ya que por ley dedican un veinte por ciento del dinero –dinero obtenido gracias de los derechos que les ceden los autores- al mantenimiento de un fondo social para los creadores. Y si no tienes tarjeta sanitaria, te consiguen una. Y te hacen un seguro gratuito de tu estudio. En fin, que si eres artista y atraviesas un mal momento los de VEGAP hoy por hoy son los únicos que te echan una mano. Obviamente existen artistas que viajan en jet privado que encima se enriquecen más gracias a explotar sus derechos de autor. Pero la mayoría de los artistas que yo conozco, que son artistas “del pelotón”, que son el noventa y cinco por ciento de los artistas del mundo mundial, viven a salto de mata. Muchos no tienen “perras” ni para cotizar a la seguridad social. En fin que VEGAP es el único organismo que hoy por hoy presta algo de atención social a los artistas, a los creadores. A mi amigo le contesté que no existirían “mafias” dedicadas a la gestión de los derechos de autor si las industrias de la cultura, si las instituciones públicas, fueran más solidarias con los creadores. No puede ser que en un museo de arte contemporáneo, por ejemplo, hasta la señora –o el señor- de la limpieza estén asegurados, teniendo su merecido salario, incluso su paro y jubilación, mientras los artistas que exponen en dicha infraestructura no tengan muchas veces donde caerse muertos. Que yo sepa gracias a los artistas funcionan los museos y los centros culturales. Y toda la gente que trabaja en ellos está asalariada, asegurada. ¿Y los artistas? Ni siquiera pueden hacer huelga en estos tiempos de crisis.

HOMER

2010-07-11T19:13:00.004+02:00

¿Hay alguien que no haya visto alguna vez “Los Simpson”? Difícil. Porque la simplicidad gráfica de los Simpson y la complejidad de su narrativa funcionan como un imán. Constatando que hoy en día, en un mundo híper tecnológico, repleto de productos culturales que emanan efectos digitales cual fuegos de artificio, lo que finalmente se valora es el contenido, la sustancia, de lo que se nos cuenta. Es decir: las ideas siempre estarán por encima de la técnica.
Nadie duda que “Los Simpoms” es una serie pergeñada con suma inteligencia, fruto del trabajo colectivo de un grupo de guionistas. Grupo que consigue insuflar a ese producto cultural grandes dosis de humor y de humanidad, mostrándose, además, sumamente críticos con las instituciones y los medios de comunicación: presentando a la policía como una institución corrupta e ineficiente, señalando el bajo nivel de educación en Estados Unidos, mostrando a la televisión como elemento enajenante... En esta serie nadie se salva.
Homer, el “cabeza de familia” de la estirpe Simpson, es el típico adulto barrigudo y gordinflón que quiere obtener todo en su vida mediante la ley del mínimo esfuerzo. Es conformista, se deja llevar por sus impulsos, y no tiene objetivos trazados en la vida, excepto los que le proporcionan placer inmediato. La mayoría de su tiempo libre se lo pasa viendo el televisor, tirado en el sillón, mientras bebe cervezas y devora comida basura. Su segundo pasatiempo es irse a su bar favorito para continuar bebiendo cerveza. Y hablo de Homer porque el otro día leía que la revista ‘Entertaiment Weekly’ -previa encuesta entre sus lectores- había elegido a Homer Jay Simpson como el mejor personaje que nos ha dado el cine y la televisión en estos últimos veinte años. Y por una vez en mi vida coincidieron mis gustos con alguna encuesta popular. Porque siempre he considerado que la serie de televisión “Los Simpson” no deja de ser un formidable documento en clave de caricatura de nuestra sociedad actual. Un producto multitudinario pero sorpresivamente cargado con grandes pinceladas –más bien brochazos- de crítica, cinismo e ironía utilizados para retratar fielmente a la familia de clase media americana. Así que a un servidor no les extraña que a lo largo de su vida en pantalla, el padre de la familia Simpson -que no deja de ser un mero dibujo animado- haya sido tratado como un magnífico producto de la creación humana. Y así, en 2007, el diario USA Today lo eligió como uno de los 25 personajes más influyentes de los últimos 25 años. Y también hace años el director del Centro para el Estudio de la Televisión Popular de la Universidad de Syracuse afirmó que de aquí a tres siglos se mostrará a Homer Simpson como ejemplo de una de las mayores creaciones en la narrativa humana. En fin, eso es mucho aventurar. Pero yo soy de la opinión que si en un futuro se eligieran media docena de obras de arte, ya sean literarias, cinematográficas o plásticas, “Los Simpson” sería una de las elegidas.

CRIBA

2010-07-11T18:47:00.001+02:00

Un amigo estuvo un tiempo ejerciendo de crítico de arte para un periódico. Aguantó un año. Y no porque odiara el“oficio”, sino porque fue perdiendo un buen número de camaradas del mundillo del arte por el camino. Me contaba el amigo que visto lo visto prefería dedicarse a otros menesteres. Para dejar de tener pesadillas en las que se le aparecían los artistas criticados cual fantasmas iracundos revoleteando por encima de su cama. Ahora se dedica a la enseñanza en una universidad. En fin, el abandono del ejercicio de la crítica es una opción. Otra, es dedicarse a escribir “buenas críticas”. Que es lo que la mayoría del sector crítico hace. Y la tercera, la más “jodida”, supone aceptar que es ésta una actividad fundamental para que el mundo avance y mejore.

En esta sociedad se prima, dicen, el “pensamiento crítico” en el individuo. Pero es imposible educarnos en ese tipo de pensamiento–opinando sobre nosotros mismos, o sobre nuestro entorno, a través del análisis personal y la argumentación para discernir entre lo positivo y lo negativo - si no aceptamos ser criticados. Entiendo que a todos nos puede gustar ejercer la crítica, aunque en cambio es posible que nos moleste que se critique alguna actuación nuestra. Pero asumir esas críticas es sano.

Una día una concejala de cultura -después de un artículo mío en el que criticaba su política en materia de cultura-, me dijo “Iñaki, es que es tu trabajo. Y alguien tiene que hacerlo”. Y esa es la realidad: de la misma forma que a un árbitro se le paga por arbitrar, a un crítico se le paga por criticar. No deja de ser una ésta una actividad, un trabajo. Que, en mi caso, termina cuando acabo mi columna semanal.

Mi opción siempre ha sido realizar críticas divulgativas de ciertas actuaciones públicas en materia de cultura. Esas actuaciones pueden provenir de un artista, de un funcionario, de una empresa, de un político... Y el que realiza una actividad pública –la cultura lo es- es susceptible de que ésta sea criticada.

Critica no es sinónimo de ofensa. No se trata de airear públicamente los defectos de nadie. Se critican los actos, los resultados de un trabajo, o el propio proceso de ese trabajo. Pero nunca se critica a la persona. Y eso pocas veces se entiende.

Crítica, proviene del verbo griego “cribar”. Es decir, ser trata de separar de entre varios elementos “los que sirven” y “los que no sirven”. Pero en vez de usar “los agujeros” de la criba, lo que usamos son criterios. Muchas veces se le objeta al crítico que él utiliza sus propios “agujeros”, pero eso no es así: el crítico habla por boca de otros muchos. Usa la criba de los que no tienen voz pública. El crítico sólo le da forma literaria a esa criba. Y la coloca en el foro público. Para que surja el debate. Así que “matar al crítico” es tan absurdo como “matar al mensajero”.

ESPACIO CIUDAD

2010-06-27T17:31:00.003+02:00

Es difícil escribir sobre cultura con la palabra “crisis” continuamente resonando en los oídos. La reverberación me baja por hombros y brazos, llegando hasta mis dedos y provocando que éstos retiemblen al teclear. “Corren tiempos difíciles para la cultura”, pienso. Cuando no hay dinero, la cultura pública es la que sufre los mayores “tijeretazos”. Esa es la realidad. Pero cuando, años ha, nadábamos en la abundancia, optamos entonces por habilitar grandes infraestructuras culturales –grandes centros culturales, grandes museos- abonadas con dinero público y que ahora son difíciles de mantener. Y claro, ahora en esos espacios no se piensa en aligerar plantilla para nivelar gastos, sino que se recortan los expendios relativos a las compras de arte, a las exposiciones y a las diversas actividades. El mayor perjudicado con la crisis, al final, es el sector productivo del arte (artistas, comisarios, conferenciantes…). Si los creadores -en contra de lo que cavila la opinión pública, que cree que porque “fulanito artista” sale en la prensa es porque nada en la abundancia- vivían hasta ahora precariamente, en estos momentos chungos muchos van a tener que “colgar los pinceles” y dedicarse a otros menesteres. ¿O se refugiarán en los pequeños espacios expositivos, en los pequeños centros de producción de arte y cultura? Difícil. Porque esos pequeños espacios también corren peligro. Cuando paradójicamente su labor en tiempos de bonanza ha sido muy cercana, sostenible, económica, trabajando siempre en contacto con los ciudadanos y con el tejido cultural de las ciudades.

Es el caso de “Espacio ciudad”, un proyecto cultural que viene desarrollándose desde hace diez años en el centro de Vitoria-Gasteiz . Nació bajo el impulso del Ayuntamiento–con “presupuesto cero”- para recuperar la “Sala San Prudencio”, una sala mítica de la ciudad. ”Espacio ciudad” es más que una sala de exposiciones: se hacen cursos formativos y divulgativos, talleres, y existe un apartado de publicaciones especializado. “Espacio ciudad” no es sólo un espacio de arquitectura: se producen exposiciones que van de lo histórico a lo contemporáneo, relacionadas tanto con nuestra ciudad como con el ámbito nacional e internacional. No hay otro referente nacional equiparable. Aunque podría ser comparable a proyectos como el Centro de Cultura Contemporáneo o Caixaforum de Barcelona, con quienes habitualmente colabora.

Dicen que el concierto de Melendi va a costar 80.000 euros IVA incluido (al menos hay presupuestados 59.160 euros para pagar el caché del artista). Ese es justo el presupuesto anual de “Espacio Ciudad”. La pregunta es: ¿no es mejor ofrecer al ciudadano por el mismo capital una sala de exposiciones que se mantiene en funcionamiento con una programación expositiva de calidad, actividades formativas y divulgativas y realización de publicaciones incluidas?
¿Disponer todo un año de una sala céntrica o apostar por un día de actividad?

MOBBING

2010-06-27T17:28:00.001+02:00

Todos pedimos a nuestros representantes políticos -ya que nos representan, son elegidos por nosotros y cobran un estipendio que sale de nuestro bolsillo- que actúen con transparencia, justicia, humanidad… Incluso educación. Por eso, cuando esto no es así, el ciudadano se enfada. Incluso muchas veces se mosquea por temas que igual no son de importancia capital para un país o una ciudad. Pero es que todos los actos, incluso sólo los gestos, son primordiales. Pues retratan a la persona. Si te cruzas por la calle con un conocido y éste no te saluda, ese mal gesto puede herirte en lo más hondo. Y digo todo esto porque estoy viendo que el ayuntamiento y Mariano Bayón –arquitecto que ganó el concurso para la construcción del auditorio- están actuando con desconsideración hacia una obra de un artista local. Y no respetar la obra de un artista local supone actuar mal, por extensión, con la comunidad de artistas locales, y, en definitiva, con los ciudadanos de esta ciudad. Me estoy refiriendo a la escultura “La inocencia, lo inesperado”, escultura ubicada en la plaza Euskaltzaindia que, paradójicamente, ha sido usada por el Consistorio como emblema de modernidad en la feria internacional de Fitur de turismo y en múltiples publicaciones para promocionar el interés sobre la Ciudad de Vitoria Gasteiz, y que, ahora quieren quitarla de su ubicación inicial –en contra de los deseos de su autor e incumpliendo las bases de dos concursos - porque el auditorio se construirá en breve en esa parcela. En las bases del concurso del auditorio se especificaba claramente que dicha escultura debía integrarse dentro del complejo arquitectónico de esa nueva infraestructura dedicada a la música. Parece ser, por tanto, que el arquitecto y el ayuntamiento entienden que esa obra de un artista de nuestra ciudad “molesta” si se sitúa al lado del auditorio más caro del país. Y se la quieren llevar al parque de Arriaga. Mal gesto, mal detalle.“La inocencia, lo inesperado” surge de un concurso público destinado a la realización de una escultura en la plaza Euskaltzaindia. Ésta fue elegida mediante votación popular por los propios ciudadanos de Vitoria. Y la escultura se realizó exprofeso para ese espacio, tal y como se especificaba en las bases del concurso. Pero ahora, si realmente la trasladan, no se respetaría ni esas bases, ni las del auditorio, ni el deseo de los ciudadanos.El arquitecto Mariano Bayón quiere tomar, por tanto, esa decisión, la de “exiliar” a “la inocencia, lo inesperado” de la plaza de Euskaltzaindia, incumpliendo dos concursos. Y lo ha hecho sin consultárselo al propio escultor. Y el Ayuntamiento decide guardar silencio y respaldar la medida del arquitecto. Actualmente han comenzado las obras en la Plaza de Euskaltzaindia y ambas instituciones siguen sin aclarar dicha situación. Resumiendo: sería una falta de respeto hacia los artistas y ciudadanos de esta ciudad que esa obra fuera traslada fuera de su entorno. Lo correcto, lo educado, es no avasallar a nadie y permitir que auditorio y escultura convivan en armonía.

SOUVENIR

2010-05-24T16:54:00.002+02:00

¿Quién no ha comprado alguna vez un souvenir? Si, un souvenir. Esos objetos que traemos de los lugares turísticos que visitamos. Textualmente, souvenirs son aquellos objetos –postales, afiches, prendas…- comprados en esos sitios a los que viajamos y que utilizamos para rememorar nuestro viaje cuando éste ya ha finalizado. Al mirarlo, nos acordamos del ese sitio en el que estuvimos. El objeto se convierte así en un fetiche de la memoria, pues nuestro recuerdo, su reminiscencia, queda enlazado a dicho objeto. Y la persona que los fabrica, lo hace con esa finalidad. Es por eso que no podemos considerar como souvenir, por ejemplo, una foto realizada por nosotros. Ni un objeto de uso cotidiano comprado en el lugar visitado tiene esa categoría. También el souvenir se adquiere para ser regalado a alguien que no ha visitado el lugar: lo compramos con el ánimo de llevarle a ese amigo o familiar una parte de ese lugar que nos ha gustado conocer.
¿Tiene sentido comprar un souvenir en tu propia ciudad? Si es para regalarlo, tal vez. Pero si el souvenir es para nosotros, ese acto es un poco absurdo. En cualquier caso nuestra ciudad no abundan los souvenirs. Eso sí: la cadena Kukuxumusu distribuye sus productos en Gasteiz. Kukuxumusu se fundó en Pamplona en 1989. La única pretensión –según declaran los artífices de la empresa: Gonzalo, Koldo y Mikel- fue hacer algo divertido y sacar pasta para tomarse unos vinos. Con esa finalidad se pusieron a vender camisetas para turistas con dibujos del encierro de San Fermines. Y es que las que había por aquel entonces no les gustaban mucho. La idea fue un éxito así que probaron fortuna en las ciudades vecinas, pero con nuevos dibujos. Y volvieron a dar en el clavo. A ellos hay que agradecerles haber sabido actualizar el concepto de souvenir, digiriéndose a un sector de la población más joven. Aunque a mí personalmente me siguen gustando más los souvenirs de antaño: las figuritas que representan monumentos, las bolas de cristal con nieve… ¿Se acuerdan de Ciudadano Kane? En la primera escena Kane expira su último aliento pronunciando una misteriosa palabra: “Rosebud”. En dicha escena vemos la mano del moribundo dejando caer una bola de cristal. Una bola de cristal con una casita y nieve que, como se desvelará a lo lardo de la película, es un recuerdo de su infancia, del trineo con el que jugaba al que llamaba “Rosebud”. En el fondo la trama esta película -considerada como uno de los mejores filmes de la historia del cine- gira alrededor de un souvenir. No me puedo imaginar a Kane dejando caer un objeto fabricado por Kukuxumusu.

DESDE FUERA

2010-05-19T16:57:00.003+02:00

Llevo días fuera de Vitoria. Otras veces he sido más previsor y he viajado con varias columnas en la recámara. Así que ahora tengo que escribir sobre la cultura de Gasteiz, sin estar en Gasteiz. Cosa fácil: sólo tengo que ver las páginas de los periódicos locales en Internet. Hecho significativo. Porque, ¿es que nadie habla de Vitoria fuera de Vitoria? Sí, pero poco. O de pocos. Y sobre éstos, curiosamente, no se escribe en esta ciudad. Quizá porque "esos pocos" no necesitan andar agitando a la prensa local para conseguir medrar al amparo del localismo. Y leo páginas enteras publicadas en nuestros periódicos locales de personas que justifican sus proyectos hablando de que participan en ellos gente de EEUU. Y parece ser que en Vitoria eso significa algo. Parece ser que si dices que van a venir artistas de EEUU a no sé qué, la cosa es seria. Luego miras quién viene y te das cuenta de que es humo. O sea: cambiamos el fútil localismo vitoriano por otro similar que se desarrolla en EEUU. Llegados a ese punto siempre me ha acuerdo de el caso de un artista vitoriano que hace años declaró que había expuesto en Nueva York. Los periódicos locales casi le dedican sus portadas. Investigando un poquito me enteré que el tío había expuesto en un garito de la "gran manzana". Un hito en su carrera. Aquí también exponía en bares. Opción muy respetable, por cierto, pero no para noticiarlo a bombo y platillo. En fin, supongo que muchos políticos y periodistas desconocen el mundo de la creación, legitimando proyectos de poca calidad. Cuando su labor no es ésa. Su labor es preguntar, investigar, contrastar la información. Y no dar alas a proyectos presentados por gente que se avala así misma. Que alguien venga de New York, señores y señoras, no significa absolutamente nada. En New York también se hace caca. Vean antes si alguien escribe, habla, apoya, debate el trabajo de esos artistas fuera y dentro de Vitoria. Que para eso están los museos, los centros culturales, la crítica especializada, los libros, y la gente que se empapa sobre esos temas. Ellos son los que tienen que legitimar el trabajo de alguien. Pero el ombliguismo de esta ciudad a veces es apabullante. Hace escasos días, por poner un ejemplo, Antonio Altarriba recibía el premio nacional de cómic de Cataluña. Por la realización una novela gráfica espléndida. Léanla y sabrán de qué hablo. Y poco he leído en los diarios locales sobre este hecho. En cambio me trago páginas y páginas de entrevistas realizadas a gente que alaban sus propios proyectos porque han vivido en Estados Unidos y traen a no sé quién de allá. Puro “autobombo”. Y del trabajo de gente que se queda calladita, legitimada por agentes culturales exteriores y de interés, ni nos enteramos. En esta ciudad el contacto con los políticos y con los periódicos es muy cercano. Cualquiera puede usar esa cercanía para promocionar proyectos que son humo, que no aportan nada a nuestra ciudad.

BASURA

2010-05-19T16:51:00.002+02:00

En una de sus obras, allá por 1912, Picasso pegó un trozo de hule. El estampado de este material simulaba la rejilla de una silla. Desde entonces se considera esa obra, “Naturaleza muerta con silla de rejilla” se llama, como el primer “collage” de la historia del arte. Aunque otros dicen que fue George Braque -con su obra “Tête de femme” (1912)- el primer tío que se atrevió a poner un pedacito de nuestra mundana realidad dentro una obra de arte. No obstante, Juan Gris, por aquellos años, también andaba “tirando de pegamento” utilizando diversos materiales encontrados. En cualquier caso, poco importa quién fue el primer artista que introdujo trozos del entorno cotidiano dentro de sus trabajos. Lo relevante del asunto en cuestión es que con la utilización del “recurso pegamento" ciertos materiales que hubieran probablemente acabado en la basura -materiales que pululaban por los estudios de los artistas- empiezan a forman parte de las obras. Y no sólo eso: “tirar de pegamento” es sólo un medio para llamar la atención sobre el mundo que nos rodea, incitándonos a ver, a valorar, nuestra realidad más cotidiana de otra manera. Y desde aquellos años, la realidad, sus objetos, las cosas que nos rodean, han estado presentes en la historia del arte. Vanguardias históricas como el futurismo, el dadaísmo, el surrealismo, el expresionismo, el arte póvera, el pop… no serían las mismas si no hubiesen incorporado esos humildes elementos extraídos de la realidad en sus producciones artísticas. De repente esos objetos introducidos en las obras ya no son los mismos pues los contemplamos de otra manera.¿Es preciso ver un trozo papel pintado pegado a una obra para que lo tomemos en consideración? Quizá sí. En el fondo el arte nos hace ver lo que ya tenemos a nuestro alrededor. Lo que miramos sin ver. Una forma de constatar que el arte está en la mirada del artista y en la mirada del espectador. Y no en el propio objeto artístico. El objeto es sólo el camino en el que convergen esas miradas. Si una de ellas falla, el arte no se da.
Y hoy se inaugura una nueva exposición en la sala alternativa Zuloa. Se trata de una muestra colectiva en la que participan nueve personas: Izaskun Álvarez Gainza, Iban Arróniz, Nalúa Barco, Braun, Neftalí Campo, Ernesto Iriarte, Jokin Lara, Eva López y Koko Rico. Todos ellas comparten un par de características comunes: tienen una vinculación de proximidad con nuestra ciudad y en su trabajo gustan por utilizar materiales de desecho. El pasado lunes visitaron todos ellos el Garbigune, un depósito alternativo de residuos del ayuntamiento, situado en la avenida de Los Huetos. Fueron a la búsqueda de ciertos materiales que les han servido de materia prima para realizar una serie de obras de carácter efímero. Esos materiales que iban a ser destruidos, retornan a la cadena de producción del ser humano. De materia de desecho, vuelven a ser material prima. Han sido “amnistiados”. El resultado de todo ello, repetimos, puede disfrutarse en la sala Zuloa. Pasen y vean.

ABANICO

2010-05-15T12:24:00.005+02:00

Ya dijimos en su día que el mundo de la cultura de nuestra ciudad pasa por un momento curioso, interesante, quizá irrepetible. Pues hace muchos años que lo que por aquí acontecía en el plano cultural no suscitaba desde el exterior tanto interés como en estos momentos. La llegada de un nuevo director a Artium impulsando un necesario cambio de rumbo en nuestra infraestructura cultural más ambiciosa, la puesta en marcha del innovador proyecto de gestión colectiva “Proyecto Amarika”, la próxima apertura de Krea que supone la modernización de la -hasta ahora- anquilosada política cultural de la Caja Vital y la especialización en políticas de género del Centro Cultural Montehermoso, son sucesos, todos ellos, que dibujan un colorido y rico abanico de producción de cultura y de pensamiento. Un abanico que, repito, suscita interés fuera. Pero… ¿y en la propia ciudad? De puertas adentro, paradójicamente, no se aprecia tanto el interés de este momento. Quizá sea necesario que ese dibujo se lleve al plano real, que ese abanico realmente tome forma, que se abata sobre la ciudad, sobre los ciudadanos, mezclándose con ellos. Porque es necesario que la sombra de ese abanico sirva de nicho, de caldo de cultivo, impulsando el pensamiento crítico, recogiendo ideas y difundiéndolas, propiciando debates, incentivando la reflexión, produciendo –¿por qué no?- transformaciones culturales y sociales. Convirtiendo a Vitoria en un gran núcleo de desarrollo cultural y social. Pero para que todo eso se dé, es necesario que dichas infraestructuras se coordinen, se complementen y caminen en la misma dirección. Es necesario también que esas infraestructuras abandonen su timidez endogámica, abran sus puertas de par en par, y avancen hacia la ciudad. Vitoria está aquí. Tienen que mirar hacia su entorno próximo y trabajar de puertas a fuera. Construyendo ciudad, revitalizando el espacio público.
¿Localismo? Lo global está compuesto por las aportaciones locales. Y lo local se contamina de lo global. No hay contradicciones en ese diálogo cuando existe un equilibrio en el flujo que se establece entre ambos paisajes. Como señala Ronaldo Munck, no basta con seguir las directrices del aforismo “pensar globalmente, actuar localmente”. Es igualmente necesario pensar localmente para actuar globalmente. Es decir: si no consigues influir en tu ciudad, olvídate de influir en el mundo.
Si queremos transformar Vitoria, que avance, que mejore, habrá que intervenir y actuar sobre la propia ciudad. Y más hoy en día, cuando el arte está buscando ese compromiso con la sociedad, implicándose en sus problemáticas y alejándose de las ideas asentadas aún sobre conceptos decimonónicos: obra magistral, genialidad, autoría, público, visitantes…

ARTE Y TURISMO

2010-05-15T12:09:00.003+02:00

Cuando veíamos la película “Casablanca” soñábamos con viajar hacia allá y poder respirar la romántica, aunque decadente, atmosfera de aquella ciudad, mientras vivíamos alguna sórdida aventura. Y viendo cierto cine clásico americano –y no tan clásico- nos enamoramos, sin darnos cuenta, de New York. Con ciertas películas ambientadas en la “gran manzana” era inevitable no sentir deseos de volar hacia allá. Y deambular frenéticamente entre sus calles, barbilla apuntando el cielo, sintiéndonos liliputienses contemplando los rascacielos. ¿Y con la literatura? Si de chaval leías “La vuelta al mundo en 80 días”, “20.000 leguas de viaje submarino” o “Los viajes de Marco Polo” estabas condenado a soñar con miles de aventuras en miles de países. Porque pensábamos que había miles… Por no hablar de las historietas de Tintín, o, más tarde, los cómics del aventurero Corto Maltés. ¿Y con el arte? Algunos de los impresionistas marchaban a inaccesibles países para traer consigo temas exóticos. Aquellas pinturas de Gaugin ambientadas en los mares del sur, hacían soñar a sus coetáneos con perderse por esas lejanas tierras. Y algunos lo hacían. Pero el afán de aquellos artistas no era incentivar el turismo, no. Pero… ¿y si hubiera sido así? ¿Tendrían menos valor sus obras? ¿Tiene menor valor la Capilla Sixtina por ser producto de un encargo? ¿O la obra de Barceló para la cúpula de la sede de la ONU? ¿Y la película de Woody Allen rodada en Barcelona?
Y por aquí cerquita y salvando las distancias, la muestra “Vitoria, ciudad del cómic”, inaugurada con ocasión del Festival de Cómic de Angouleme de 2010, tenía entre sus objetivos “vender Vitoria” en el Festival, Se encargaron a una serie de dibujantes vinculados con nuestra ciudad una decena de cómics “rodados” en el Casco Histórico de Gasteiz que mostraban los atractivos de nuestro noble centro. La materia prima fue aportada por Mauro Entrialgo, Santiago Orue, Alvarortega, Iñaki Cerrajería, Abarrots, Furillo, Ata, Nono, Simónides y Kini. De esa forma se conseguía un triple objetivo: difundir a nuestros autores, vender “ciudad” y reforzar el hermanamiento entre Angulema y Vitoria. La exposición, que fue producida en el idioma galo, se cedió a las instituciones de Angouleme y ahora mismo está itinerando por diversos puntos de Francia.
Y el público vitoriano mostró interés en conocer esa muestra. Es por eso que desde el pasado miércoles y por espacio de dos meses, Villasuso acoge ahora la exposición “Vitoria, enclave de cómic”. El título ha cambiado un poco, incluso los contenidos, porque el contexto ha cambiado y los objetivos no pueden ser los mismos. Ahora se trata de ofrecer a los visitantes locales y foráneos la oportunidad de conocer a nuestros autores mientras conocen diversos puntos de nuestra ciudad, recorriendo las calles en las que se ambientan sus historietas. Para ello existe un plano. Un plano “en clave de cómic”. Turismo y cómic se combinan por primera vez en nuestra ciudad.

MUNDO MEJOR

2010-05-15T12:06:00.003+02:00

Invitábamos la semana pasada a todos los vecinos de Vitoria a realizar un gesto: acercarse a Errekaleor bajo el paraguas de una excursión. Sólo nos juntamos diez personas. Pero el “exitoso fracaso” dio sus pequeños frutos. Éste es uno de ellos:
Estimado Iñaki:No nos conocemos. Te escribo porque acabo de leer en DIARIO DE NOTICIAS DE ALAVA, en tu columna AIROTIV, una reseña sobre el barrio de Errekaleor y la marcha que se desarrolló este sábado desde San Cristóbal hasta allí. También hay un artículo de este domingo escrito por Jaione Sanz, en el que se detalla parte de esa visita y aparecen tus declaraciones sobre una posible exposición sobre el barrio, sobre lo que queda.Yo viví en Errekaleor hasta los 7 años. He seguido visitándolo hasta hace dos años cuando mi abuelo dejó de vivir allí. Aquel fue mi paraíso, mi infancia brutal y fresca, alegre y triste a partes iguales. Llevo tiempo escribiendo una novela sobre ese barrio y casi está acabada, lo más probable es que la edite este mismo año. Soy escritor, editor, y tengo una editorial en Andalucía. Te cuento todo esto porque me ha parecido vuestra marcha, vuestra cercanía con ese barrio, fundamental, sobre todo en estos momentos en los que ya casi se da por seguro que lo van a tirar. Creo que lo comentas tú por ahí en uno de los artículos, que Errekaleor, "El mundo mejor", es como un dibujo que quieren borrar del mapa. La especulación inmobiliaria nada sabe de nostalgias ni de paraísos perdidos. Ese barrio fue un enclave fundamental, allí niños como yo aprendimos desde la pobreza material a mirar el horizonte, rodeados de campo, a soñar con la ciudad en la distancia, con esa Vitoria inalcanzable y muchos nos quedamos un poco atascados en aquella primera visión del mundo. Saber que eso va a desaparecer a mí en particular me ha generado un desasosiego tremendo que trato de solventar con la escritura en una pelea contra el tiempo y el olvido. El objetivo de esta carta no es otro que animarte a dejar constancia en esa exposición, en fotos, de ese mundo que se va a perder. Saber que alguien más pelea para que la memoria de Errekaleor no se pierda me ha dado una enorme alegría. Si esa exposición vale para que la gente de Vitoria se acerque al barrio y lo sienta como más suyo e incluso evite su derribo, mejor. Si no, si no llega a eso también es importante por su valor testimonial. Yo he soñado pero creo que no va a ser posible, con presentar, cuando se publique el libro que estoy escribiendo, presentarlo, digo, en el local del antiguo cine del centro social de Errekaleor, pero creo que va a ser imposible, muy difícil, aunque todo se andará. Escrito está para mí y para todos aquellos pobres, perdedores de una guerra y campesinos hastiados, que emigraron a Vitoria y vivieron en Errekaleor durante muchos años, a sus hijos, a los maketos, a todos aquellos ingenuos que pensamos y seguimos pensando que Errekaleor era "el mundo mejor"Un abrazo y mucho ánimo con esa proyecto."Jabo H. Pizarroso.

CENSURA

2010-03-19T11:01:00.001+01:00

Uno no deja de sorprenderse con el nivel cultural de algunos representantes políticos. Y no precisamente porque éste sea elevado, ojalá fuera por eso. Pero cuando éstos, ya de por sí, bajos niveles, caen en picado y atraviesan las profundas capas de la tierra y siguen más allá, ahí donde yace bien enterrada la palabra “censura” y sacan la palabreja de nuevo a la superficie, uno se lleva las manos a la cabeza y aúlla al cielo. Sí, hablamos de censura. Ya saben: cuando los poderes públicos prohíben la difusión de cierto material escrito o visual, impidiendo así que cierta información -que por múltiples razones no es de su agrado- llegue al público. Dicen que la censura suele estar asociada a regímenes autoritarios, dictatoriales. Yo la asocio con la estupidez. Por poner un ejemplo: Franco en 1964 prohíbe la reproducción, edición y venta de historietas de superhéroes americanos en España. Así de estúpida puede ser la censura. Y así de estúpido es el censor. Siempre lo es. Pero esa estupidez no tiene perdón, pues coarta la libertad de expresión, de opinión de los ciudadanos. Y aunque Franco se murió, estúpidos siempre habrá.
Estos días la Diputación de Valencia ha mandado retirar diez imágenes pertenecientes a una exposición fotográfica que documentaban hechos del “caso Gürtel”. Como todo el mundo sabe, la trama corrupta de este caso -que giraba en torno a un grupo de empresarios que conseguía ventajas y beneficios a través la utilización de dádivas y sobornos a funcionarios y autoridades públicas, todas ellas pertenecientes al PP- salpicaba a miembros del PP valenciano. La cuestión es que los fotoperiodistas valencianos habían preparado para el “Museu Valencià de la Illustraciò i la Modernitat (Muvim)” un resumen fotográfico del año 2009 titulado “Fragments d'un any“. En las imágenes se veía el presidente de la Comunidad Valenciana, Francisco Camps, tras pasar por la sede del Tribunal Superior de Justicia en Valencia. O a Ricardo Costa, sumamente desolado tras dejar su cargo de secretario general del PP. Esas fotografías fueron retiradas por orden de la Diputación Valenciana. El resto, de carácter más inocuo, obviamente, no. Y ahora el director del Museo ha dimitido. “Nunca he visto ni he vivido torpeza mayor... jamás", declaró De la Calle, asegurando que esa decisión nunca habría sido una iniciativa suya. "Si no querían que las imágenes se vieran, se han visto más que nunca", explicó el ya ex director. Y así ha sido: estos días la palabra censura asociada a la Diputación de Valencia y al Muvim ha ocupado las portadas de los grandes periódicos de tirada nacional. "Ha sido armarla sin necesidad alguna", explicó ayer De la Calle, "es de una gran torpeza y falta de prudencia; negando la realidad se enfatiza, es querer apagar una colilla con un torpedo".
Cada vez que un representante político intenta censurar, poniendo límites al arte, al pensamiento, sale escaldado. Pero algunos no aprenden la lección. Les falta inteligencia.

ERREKALEOR

2010-03-18T09:32:00.002+01:00

Nunca he estado en el vitoriano barrio de Errekaleor. Y eso es raro. Porque tras tantos años viviendo aquí, por una u otra razón, me he pateado todos los barrios de Vitoria. Incluso algunos me han pateado a mí. Pero nunca he visitado el barrio de Errekaleor. Jamás he tenido amigos que hicieran vida en ese barrio. Y ninguna actividad desarrollada a lo largo mi vida, sea de ocio, profesional… me ha empujado hacia ese lugar. Y esto, me consta, no sólo me ha pasado a mí, sino a la mayoría de la gente que vive en Vitoria. ¿Por qué?
Hagamos memoria: Errekaleor se creó para alojar a parte de los trabajadores que vinieron en a esta ciudad en los años sesenta. Vitoria, por entonces tenía una acuciante necesidad de mano de obra: muchas empresas se habían establecido aquí. Y durante los años sesenta, en sólo una década, Vitoria despegó, duplicó su tamaño, pasando de setenta mil habitantes a ciento cuarenta mil. Y para alojar a las gentes que participarían en la ampliación de nuestra ciudad se tuvieron que crear con urgencia barrios como Errekaleor.
Y ahora, quizá no mañana, pero si en unos meses, este barrio será derribado, pues se ha quedado viejo y desmañado. Y claro, la imagen de un barrio feo –y no tan periférico ahora, pues la ciudad, sin desearlo, se ha acercado a él- no casa con el ideal de urbe cosmopolita que todos llevamos dentro. Así que borremos el barrio del mapa, como si fuera un dibujo mal hecho. Y actuamos como si éste nunca hubiera existido, como si nunca hubiera participado en la historia de esta ciudad. Y se realoja a sus vecinos dispersándolos por Salburua, un barrio del siglo XXI. Ahora podrán vivir como hay que vivir: en un barrio guay. Pero claro, algunos de aquellos trabajadores, que en su día ayudaron a construir Gasteiz y que han visto pasar su vida por las calles de Errekaleor, no quieren irse. No contábamos con que aquella “mano de obra” creara, y se creyese, su propia historia, su propia identidad. Y que se mostrara orgullosa de su “barrio feo”. Ahora treinta vecinos no quieren abandonar Errekaleor. Nos han salido peleones y descarados.
No sé quién dijo que artista es todo aquel que puede entender dos ideas antagónicas. Yo entiendo a la ciudad. Entiendo que el “bien” de la ciudad tiene que estar por encima del bien de un barrio. Pero también entiendo a los vecinos de Errekaleor que no quieren abandonar su hogar. Que quieren ser compensados, sí, pero no sólo con una casa mejor. Ellos piden que no borren a Errekaleor del mapa, que construyan sus nuevas casas ahí, que les dejen quedarse en su barrio.
El sábado 20 de marzo a las nueve y media de la mañana hemos quedado unos cuantos en el pórtico de la iglesia de San Cristobal. La idea es ir paseando, de excusión, a Errekaleor. Visitar el barrio, no mirar para otro lado, intentar entender. Todo el mundo está invitado a esta excursión. Quizá esos treinta vecinos necesiten, al menos, un gesto.

PORCENTAJES

2010-03-17T22:40:00.001+01:00

Hace unas semanas la Asamblea Amarica puso en marcha una mesa de encuentro, de debate, sobre el asunto del uno y del dos por ciento cultural. Como algunos sabréis la ley obliga a que un porcentaje del presupuesto de las obras públicas se invierta en la realización de obras de arte. Y la Asamblea invitó el otro día a todas las instituciones públicas afectadas por esa ley para intentar arrojar luz a este asunto. Hagamos memoria: hace más de un año y dentro de la Asamblea se creó una comisión dedicada únicamente a estudiar todo lo relativo a este porcentaje cultural. Y este grupo ha estado trabajando estos meses, recabando información, intentando –en definitiva- averiguar porque se incumple esta ley. Su intención no es la de pleitear contra nadie, sino ir de “buen rollo”, intentando aportar soluciones, buscar herramientas, fórmulas, ejercer de mediadores, pues se entiende que a todos los departamentos de cultura les interesa poner en marcha la normativa en cuestión. Y más ahora, en estos tiempos de crisis, tiempos en los que todas las infraestructurales culturales públicas han sufrido cuantiosos recortes presupuestarios.
En ese espacio de debate puesto en marcha por la Asamblea, algo se avanzó. Por lo pronto, descubrimos que la normativa municipal de Vitoria -que habla de dedicar no el uno, sino el dos por ciento, de los presupuestos urbanísticos, destinados a la adquisición de obra artística- legalmente no tiene por qué ser cumplida. Es decir: hay una obligación moral, digamos política, pero no legal de asumir ese compromiso. Y también nos enteramos de lo siguiente: cuando el Ayuntamiento construye un nuevo barrio, se crea una especie de compañía privada llamada “Junta de compensación” que se encarga de urbanizar esa nueva zona con el dinero que aporta la Municipalidad. Por tanto, la “obligación” de asumir ese porcentaje recaería sobre esas juntas. Aunque ahí hay un problema: la normativa europea dice que sí, pero la española parece ser que dice que esto no es así.
Pero lo que sí quedó muy claro en esa reunión puesta en marcha por la Asamblea Amarica es que nuestra Diputación está obligada por ley a cumplir con la aplicación del uno por ciento cultural. E incluirlo en los presupuestos anuales que se aprueban en las Juntas Generales. Y eso no se hace. Y se entiende que no es porque no se quiera, sino porque la aplicación de esta ley es compleja. Aunque otras instituciones (Gobierno Central y el Gobierno Vasco) sí cumplen con esta ley. Quizá no siempre. Y quizá tampoco de la manera adecuda, pues muchas veces se dedica a la restauración de patrimonio, o a decorar equipamientos… Pero dejan queda claro que sí hay fórmulas, mecanismos, para su aplicación. Y sería interesante seguirles la pista, ver cómo otros organismos públicos consiguen que ese porcentaje repercuta positivamente en la cultura, un sector que, repetimos, ahora mismo está sufriendo más que ningún otro las consecuencias de la crisis económica.

LO “IRRECREABLE”

2010-03-09T12:36:00.001+01:00

“Espacio ciudad” es un mecanismo de difusión de propuestas vinculadas con la arquitectura y el urbanismo público. Un mecanismo habilitado por el Ayuntamiento de nuestra ciudad, con una sede física desde donde se acogen propuestas relacionadas con esos elementos de “construcción de ciudad”. Pero “Espacio Ciudad” no se queda sólo en eso. No es un dispositivo “monocanal”, pues aunque en él se presentan los grandes proyectos urbanísticos y arquitectónicos que van dando forma a nuestra ciudad -haciéndose así públicos y visibles de una forma comprensible para el ciudadano- al mismo tiempo, y compartiendo espacio y tiempo, en Espacio Ciudad se exhiben proyectos que se surgen de la creación experimental y del pensamiento más contemporáneo. Y este segundo canal, quizá dotando de “menos decibelios”, se cruza con el otro. Y surge del cruce una tercera sintonía. Pues bien: lo interesante es detenerse a analizar esa nueva música, ese nuevo sentido que se genera al “escuchar” esos dos canales que confluyen al mismo tiempo.
Y ayer se inauguró en Espacio Ciudad una exposición de un artista afincado en Vitoria –el fotógrafo Gert Voor In`t Holt- que ejemplifica perfectamente esa “tercera sintonía”: Gert nos presenta fotos aéreas –y nocturnas- de varias ciudades. Fotos realizadas por él en su estudio. ¿Fotos aéreas realizadas en un estudio? ¿No es una contradicción? Es obvio que los grandes proyectos, eso que dar forma a nuestras ciudades, se “crean” en los estudios de los arquitectos. No hay mejor forma de entender una ciudad que cuando vemos una maqueta de ella. No hay mejor forma de visualizar un “proyecto de ciudad” que en el estudio de un arquitecto. En ese sentido no somos conscientes de la forma física de una ciudad hasta que no la vemos representada en una maqueta. O en una foto aérea. Ambos mecanismos, foto aérea y maqueta, sirven para el mismo fin: nos alejan de nuestra ciudad permitiéndonos verla en bajo un plano general. La visualizamos así como un organismo, como una entidad. Y nos es fortuito que estos dos mecanismos –foto aérea y maqueta- confluyan ahora en la obra de Gert: el fotógrafo “recrea” en su estudio la maqueta de una ciudad, y después saca una “foto aérea” de esa maqueta. Una maqueta en la que no se perciben ni calles, ni edificios, ni personas… pues es una “maqueta nocturna”. De esa manera la ciudad se resume, sólo vemos lo fundamental de ella: las luces, la red de iluminación, que desde la lejanía se agrupan en unidad, como si se tratara de un gigantesco ente abstracto compuesto de luz surgiendo de la tierra.
La meticulosidad con que el artista ha creado las maquetas, el esfuerzo empleado para que las fotos se nos presenten como reales, no son casuales. Y en ese sentido Gert ha recreado en la maqueta lo “irrecreable”, lo sumamente vaporoso: las nubes. Nubes flotando entre la ciudad y nuestro ojo. Las fotos no son reales, pero sí sumamente verosímiles. En ese sentido son más creíbles que la propia realidad.

TETRAPACK

2010-03-09T12:33:00.002+01:00

La Asamblea Amarika, después de poco más de un año de existencia, continua –sin prisa, pero sin pausa y de manera intensa- programando en las tres salas expositivas provinciales. También está gestionando el espacio alternativo Zuloa. Y en su seno, ha creado una comisión de trabajo para intentar arrojar algo de luz al conocido asunto del “1 y 2% Cultural”: como algunos sabréis un porcentaje del coste de cualquier obra realizada por las administraciones públicas del Estado tienen que invertirse en la compra de arte. Siempre que las obras superen la cuantía legalmente fijadas. Pero este asunto lo trataremos en exclusiva aquí, en esta sección, en “Airotiv” en nuestra próxima columna. Ahora, sigamos hablando de las actividades de la Asamblea: estos días, también, un grupo de asamblearios y artistas del entorno “Amarika” están realizando un tour por los centros culturales y museos más relevantes del Estado con el fin de dar a conocer el Proyecto Amarika así como la iniciativa de promoción del arte próximo y emergente “Inmersiones”. En fin, está claro que la Asamblea Amarika está demostrando que se puede gestionar cultura de otra manera. De una manera abierta, en colectivo y participativa.
Y hoy se inaugura en la Casa de la Cultura “Tetrapack”. Una iniciativa que se pone en marcha también bajo el paraguas de Amarika. El origen de Tetrapack lo podemos encontrar en el certamen Gazte Klik -certamen impulsado por el Servicio de Juventud de nuestro Ayuntamiento- dirigido a la juventud local y que tiene como objetivos estimular la creación artística y difundir el trabajo fotográfico de los nuevos creadores cercanos. La Asamblea Amarika se ha encargado de la organización de Tetrapack, con el patrocinio de la Diputación Foral de Álava y el Ayuntamiento de Vitoria – Gasteiz, que han contado, además, con la colaboración del programa de ocio nocturno Gauekoak, Krea expresión contemporánea y Extensión Cultural (Universidad del País Vasco en Álava.). O sea: se trata de una iniciativa que aglutina a la mayoría de las instituciones culturales de nuestra ciudad.
“Tetrapack” forma parte del “premio” otorgado a las cuatro seleccionadas en Gazteklik. Un premio algo distinto a los habituales, pues no es conmensurable en euros: consiste en la puesta en marcha de una exposición colectiva en la Casa de Cultura Ignacio Aldecoa. Para esta muestra las autoras han desarrollado sus proyectos bajo el seguimiento de la fotógrafa Ana Nieto. Las jóvenes artistas han contado con un presupuesto para la producción de sus obras y la edición de un catálogo individual para cada una de ellas.Con “Tetrapack” se pretende introducir la fotografía más emergente en las redes del medio fotográfico. Para ello se ha puesto en contacto a estas cuatro creadoras nóveles con artistas con trayectoria y agentes culturales dedicados a la difusión de la fotografía. Y, además, ahora, con la exposición y la difusión de los catálogos, también entrarán en contacto con el público vitoriano.

ARTE PÚBLICO

2010-03-01T16:04:00.001+01:00

En Madrid, y hasta finales de mes, se desarrolla una ejemplar iniciativa en torno al arte público: ocho intervenciones -elegidas de entre un total de 580 proyectos presentados al concurso organizado por la asociación “Madrid Abierto”- dialogan, interactúan, con los ciudadanos que pasean por las calles de Madrid. Pero no estamos hablando de situar objetos, esculturas, “monumentos” en espacio públicos, no. Hablamos de una serie de actividades con las que se construyen pequeños foros públicos que posibilitan el encuentro entre ciudadanos alrededor de una idea generada por un artista. ¿De qué estoy hablando? Quizá lo mejor sea describir alguno de los proyectos que podemos “vivir” estos días en las calles de Madrid.
El proyecto, Time Notes, de Gustavo Romano consta de una “oficina móvil” que recorre las calles del centro de Madrid y de una “oficina fija” instalada en la Casa de América. El público puede obtener en esas oficinas una indemnización en “billetes”, pero no en billetes de dinero, sino de tiempo, a cambio de las horas, semanas, meses que han perdido a lo largo de su vida. La cantidad de tiempo perdido –a causa de circunstancias ajenas a la voluntad del afectado, como una matrimonio frustrado, un trabajo insatisfactorio… - les será restituida con un “billete temporal” en cuyo reverso se escribe la causa de dicha pérdida.
El proyecto, Huert-o-Bus, de Lisa Cheung toma forma de “jardín ambulante”. Éste “jardín” realiza paradas en puntos clave de distintos barrios de la ciudad de Madrid para educar a la gente y promover la jardinería en espacios urbanos, tanto públicos como privados. El jardín-bus alberga en su interior una pequeña plantación, utensilios, información… y sirve como punto de encuentro para el vecindario realizando al tiempo talleres y actividades diversas.
El proyecto Hucha de deseos, de Susanne Bosch a través de un dispositivo de recolecta de pesetas ubicado en una plaza del barrio de La Latina, pretende recoger la mayor cantidad de las viejas monedas que la gente tiene en su casa, depositándolas a cambio de un deseo: qué realizar con el dinero recaudado para mejorar el barrio. El 20 de febrero se hará recuento de las pesetas recaudadas y serán llevadas al Banco de España para ser canjeadas por euros. El 27 de febrero de 2010 todo aquél que quiera tomar parte en el grupo de toma de decisiones, está invitado a asistir a un evento Open Space en el Círculo de Bellas Artes. Este evento tendrá lugar para decidir, de modo colectivo, que ocurrirá con esas pesetas y en qué modo este dinero desempeñará su labor práctica. Este proyecto brinda la posibilidad de formar parte de un proceso colectivo de decisión.
Ojalá el espíritu de esta iniciativa viaje hasta Vitoria. Para que dejen de llenarnos las calles con “monumentos”. Porque lo que se necesita es reactivar el espacio público, ese espacio que es de todos, creando lugares en los que se pueda dar cierta reflexión sobre el espacio urbano en la que vivimos.

HERMANAMIENTOS

2010-03-01T15:58:00.001+01:00

Angouleme, ciudad levantada a la orilla de un río, con un centro urbano elevado, pero sumergido en la historia. Una ciudad plagada de bellos rincones para perderse, con numerosos lugares dedicados al ocio y a la cultura. Y, de entre ellos, destaca el museo del cómic: el mejor espacio dedicado a este medio que jamás yo haya visto. Uno se siente cómodo en esta ciudad. Y si has nacido en Vitoria, más, pues notarás un aroma familiar en Angouleme, como cuando estando lejos de casa hueles un perfume que tenías grabado en tu memoria. Y es que cuando dos localidades deciden establecer, formalizar, esa especie de “contrato matrimonial” que es el hermanamiento –pues a los hermanos no los elegimos, pero a nuestro compañero o compañera sí- muchas veces es porque éstas entienden que entre ellas existen múltiples paralelismos.
Vitoria y Angouleme son ciudades hermanas: hace 42 años decidieron “formalizar” esa relación y los plenos de los respectivos ayuntamientos resolvieron hermanar a ambas villas. Yo, particularmente, nunca me había parado a reflexionar sobre el significado que tiene un hermanamiento. Si indagamos un poco, descubrimos que el uso de esta práctica se pierde, se difumina en los anales de la historia: ya en la Edad Media los pueblos se hermanaban entre sí para resolver conflictos, para aunar esfuerzos, para solucionar problemas que por sí solas no podían afrontar. Pero es después de la segunda guerra mundial cuando esta práctica entra en auge, de forma profusa, dándose fundamentalmente entre comunidades alemanas y francesas. Y uno se asombra al saber que actualmente casi todas las ciudades y pueblos de ambos países están hermanados con otras comunidades. Y los lazos se ramifican, formando una extensa red de complicidad entre localidades de todo el mundo. Angouleme, por ejemplo, tiene cerca de una decena de ciudades hermanas. O sea: familia numerosa. Y en el caso de España, existen casi un centenar de localidades hermanadas con otras tantas pertenecientes a diversos países del mundo.
Los hermanamientos actualmente tienen un carácter cultural: personas de una ciudad visitan habitualmente a su ciudad hermana. Y se realizan intercambios de todo tipo en materias gastronómicas, artísticas, teatrales, musicales... Una forma de compartir conocimiento utilizando recursos mínimos: normalmente se usan las viviendas de los propios responsables del Comité de hermanamiento para alojar a sus “hermanos”. Porque en la mayoría de las ocasiones existe un Comité de Hermanamiento constituido por los propios ciudadanos que se encarga de establecer ese tipo de encuentros entre ciudades. Y digo “la mayoría” porque en Vitoria no es así. Y es una lástima. Porque hoy más que nunca a nuestros responsables políticos se les llena la boca con palabras como: participación ciudadana, creación de redes horizontales... Vitoria no sólo tendría que conformar su Comité de Hermanamientos, sino que debería hermanarse con más ciudades. Y que la red crezca.

VITORIA-ANGOULEME

2010-02-14T11:33:00.006+01:00

Hace ya unos meses se propuso a la Asociación de Dibujantes de Cómic Atiza -asociación dedicada a la divulgación del cómic relacionado con nuestra provincia- la puesta en marcha de una exposición en clave de cómic pensada para ser ubicada en la oficina de turismo de Angouleme. La idea era que la exposición se inaugurara durante el trascurso del Festival Internacional de Cómic de Angulema, festival que todos los años se convierte en la cita relacionada con el cómic más importante de Europa: durante cuatro días, Angouleme duplica su tamaño acogiendo a 200.000 visitantes. Pocos encuentros culturales que se desarrollan en Europa consiguen congregar a tantas personas. Y muchas de ellas, obviamente, pasarán por la oficina de turismo de Angouleme para ver la muestra vitoriana.

La propuesta de esta exposición –titulada “Vitoria, ciudad del cómic”- provino de una doble vía: por una parte de la comisión encargada de la representación de España en Angouleme; por otra del comité de hermanamiento Angouleme-Vitoria. Pues bien, ahora, por fin, el resultado de este trabajo conjunto entre Vitoria-Gasteiz y Angouleme podrá verse al fin el próximo 26 de enero.

Los objetivos de la exposición son múltiples: por una parte "vender Vitoria-Gasteiz", sin complejos, utilizando el medio historietístico, y empleando la oficina de turismo de una ciudad receptiva: no deja de ser nuestra hermana. Por otra, promocionar allá a los autores que guardan relación estrecha con nuestra ciudad. Y finalmente, intentar estrechar un poco más los lazos existentes entre las dos ciudades: son ya 42 años de hermanamiento.

Pero todo esto no sería posible sin la colaboración de los diez autores que se pusieron manos a la obra para realizar sendos cómics. Lo único que se les pidió es que en sus obras hicieran referencia expresa al Casco Viejo vitoriano. Es decir: las páginas que se pueden ver en Angouleme están “rodadas” en nuestro centro histórico. Y traducidas, para su correcta compresión por el público francés, al idioma galo. Mauro Entrialgo, Santiago Orue, Alvaro Ortega, Ata, Abarrots, Furillo, Nono Kadaver, Simónides, Kini e Iñaki Cerrajería son los diez historietistas seleccionados para exportar nuestra ciudad, y nuestras historietas, a Angouleme.

La exposición ha sido patrocinada por el Ayuntamiento de Vitoria, desde su Agencia de Renovación Urbana.
Posteriormente a su cita de Angouleme, la exposición viajará a Vitoria en una fecha aún sin determinar para mostrarse en una sala de exposiciones ubicada en el Casco Viejo de nuestra ciudad.

Resumiendo: es legítimo utilizar la cultura como recurso para “vender ciudad” siempre que se haga de una forma clara, transparente y con coherencia. En este caso, con la exposición “Vitoria, la ciudad del cómic”, alojada en una oficina de turismo de una ciudad por la que pasarán 200.000 personas amantes del cómic, se difunde la imagen de nuestra ciudad fuera de nuestras fronteras y se da a conocer a nuestros historietistas.

GUGGY 2

2010-02-14T11:25:00.004+01:00

Parece que se está armando un buen Belén con la idea de crear otro Guggenheim en Bilbao. La Diputación vizcaína está empeñada en exprimir la gallina de los huevos de oro del sello “Museo Guggenheim”. Piensan que si el primero ha sido un éxito y ha servido para reactivar Bilbao, con el segundo la ciudad despegará hacia el infinito. O más allá. Pero el Gobierno Vasco no ve tan clara la jugada. Y no les falta razón. Porque la inversión, de nuevo, va a ser morrocotuda. ¿Y qué pasa si luego no funciona el invento? Nadie cierra un museo que no funcione… Y ahí andan, en esa pelea, mientras nadie escucha lo que al respecto tienen que decir los creadores afincados en el País Vasco. ¿Y qué piensan? Piensan que la puesta en marcha de otra infraestructura de ese calado significará que muchos planes, líneas de actuación, apoyos hacia la cultura de nuestro entorno desaparecerán o mermarán. Y es que parte del dinero necesario para mantener ese nuevo “parque de atracciones” tiene que salir de “las arcas culturales”. Por lo pronto, algunos ya hablan de “pasarle la tijera” al Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Me llamaron el otro día de la radio para que diera mi opinión sobre esta movida. Les dije que yo no soy economista. Que no sé si un nuevo “Guggy” traerá más ingresos a Bilbao o supondrá más gastos. Porque tampoco sé si el “viejo” Guggenheim genera ingresos o gastos. Y no lo sé porque su sistema de gestión es sumamente complejo y, sobre todo, sumamente opaco. Y según quién haga las cuentas, éstas dan saldo positivo o negativo. Y negativo o positivo según para quién, claro. Si eres hotelero o taxista, positivo. Si eres artista o simple ciudadano vasco, negativo. Porque el “Guggy” se costea con dinero de todos nosotros: se paga desde las tres diputaciones vascas a través del Gobierno vasco. Y también un sinfín de instituciones, empresas, públicas, privadas, semipúblicas, aportan fondos. En definitiva, un buen galimatías.El Gugghenheim es un ente pensado para atraer a los turistas culturales. Y según las cifras de visitantes, sólo un porcentaje mínimo de éstos pertenecen al País Vasco. Lógico: hay pocas exposiciones al año. Aunque eso sí, costosas y espectaculares. Así que no tiene sentido acercarse al museo a diario. Además, la entrada vale un ojo de la cara. Por otra parte, el turista no quiere ver arte complejo que le haga pensar. Lo que quiere es pasar un buen rato, ver algo divertido. Así que, al final, con este tipo de museos la cultura se banaliza, se convierte en puro recreo. Y puede dar dinero, sí… ¿pero qué pasa con la “otra cultura”, la que no da dinero?

Y con el nuevo “Guggy”, pues más de lo mismo. A mí no me parece mal que se creen espacios para atraer turistas, no. Lo que me molesta es que este tipo de infraestructuras se costeen con dinero que sale de los departamentos de cultura. Si realmente éstas se crean porque generan dividendos para las ciudades, lo lógico es que se costeen y mantengan con partidas de otros departamentos.

2010

2010-02-14T11:20:00.006+01:00

¿Qué nos traerán “los Reyes Magos de la Cultura” para 2.010? El “regalo” más caro, con diferencia, es el auditorio. Con un gasto que algunos estiman en 154 millones de euros, y otros (la oposición, por supuesto; son más “listos” y saben sumar el IVA) en 182 millones, la obra para su construcción comenzará en verano de 2010, finalizando en 2014. Tenemos obra para rato, por tanto. Y tiempo para “divertirnos” viendo bailar las cifras a ritmo de chachachá. En serio: la construcción del Auditorio es el mayor gasto –inversión, dicen otros- realizado en la historia de Vitoria. Muy por encima de los cien millones que costará el tranvía, los 15,3 millones que supuso el Artium, o los 15 previstos para construir cada uno de los centros cívicos de última generación; es decir: los proyectados para Ibaiondo, Salburua y Zabalgana. Y “el Guggy”, en su día, costó algo menos de 100 millones. O sea: nuestro auditorio cuesta un 80% más de lo que costó el supermuseo bilbaíno. Por otra parte el Euskalduna de Bilbao supuso un gasto de 107 millones, el Kursaal donostiarra de más de 95, y el Baluarte de Pamplona de unos 93. El auditorio de Logroño costó 40 millones y el que se proyecta en Burgos valdrá más de 66. Y el frustrado auditorio que el ex alcalde popular Alfonso Alonso pretendía levantar en el paseo de La Senda iba a suponer un desembolso de 77 millones. El Ministerio de Cultura ya pagó 3 millones de euros por ese malogrado proyecto. En fin, 3 milloncitos de euros a la basura no dejan de ser “el chocolate del loro” cuando hablamos de cantidades tan astronómicas.
Sí, el auditorio es carísimo, pero, el actual director del centro -que percibirá 125.000 euros anuales; es decir: más de lo que gana el alcalde- nos promete que va a promocionar internacionalmente a nuestra ciudad. Algo difícil de comprobar, por cierto. Y ahora, con esto de la crisis, el alcalde jura que vamos a disponer del mejor espacio de grabación del mundo mundial y que el auditorio va a generar empleo. Es decir: según él se trata de una buena inversión para la ciudad. Pero algo no me cuadra: si realmente hablamos de una inversión, si construiremos un equipamiento que generará dividendos… ¿por qué no nos presentan ya su plan de empresa? Es decir: si yo, por ejemplo, abro una fábrica en mi ciudad y recibo “x” millones de subvención, millones que salen de las arcas públicas, antes de recibir esa pastaza tendré que presentar un riguroso plan de viabilidad, de previsión de ganancias. Ni por el forro me colaría decir: “con mi empresa la ciudad se colocará en el mapa y se generará riqueza”. Me exigirán que avale esas promesas con pruebas firmes. Entonces… ¿por qué ellos no hacen lo mismo? ¿Por qué no nos presentan un “business plan” antes de gastarse nuestro dinero? Pues si las promesas sobre el auditorio no se cumplen y éste genera gastos, a ellos, a los que nos han embarcado en esta movida, no les pasará nada. Como mucho, el ciudadano les retirará su voto en las próximas elecciones.

CANON NO

2010-02-04T19:56:00.003+01:00

Hablábamos el otro día de los derechos de autor. Un asunto que, años ha, estaba en boca de pocos pero que hoy en día -con esto de la piratería y de las descargas en internet- se ha convertido en tema universal: se habla de ello en los bares, en las colas de autobús y hasta en las panaderías. Y es que cada vez que compramos un CD o un DVD nos aplican un canon; es decir: pagamos una cantidad de dinero que -nos dicen- compensa a los autores por la posible copia de una canción o una película efectuada con esos soportes de grabación. Pero ahora nos quieren cobrar otro canon por el “posible uso ilícito” de internet, pues según algunos -esos “algunos” que tienen poder para sacarnos los cuartos-, todos usamos ese medio para “piratear” música, películas… En definitiva: parecer ser que estamos “matando de hambre” a los pobres autores. Aunque el otro día llegábamos a la conclusión de que con el pago de un canon, más que indemnizar a los menesterosos autores, lo que estamos haciendo es indemnizar a las “pobres” multinacionales del mundo del entretenimiento, del ocio y de la cultura. Indemnizarlas por no ganar miles de millones de euros al año, sino sólo unos pocos cientos de millones. Decíamos también que la mayoría de los autores ceden sus derechos por cuatro cuartos a esas multinacionales, muchas veces obligados por la necesidad, otras por el afán de fama (que también para algunos es una necesidad), y que en las que en la mayoría de las ocasiones sólo reciben una parte infinitesimal de los beneficios. Y es que un servidor no entiende por qué todos tenemos que pagar un canon -un impuesto indirecto, en definitiva- para que unos pocos músicos sigan siendo millonarios y unas pocas multinacionales no adelgacen en exceso sus grandiosos beneficios. Se quejan de que con internet algunos se bajan por la cara la música de un autor. Y quieren que paguemos por ello… todos. Pero es que hoy en día hay miles de músicos, que no desean ser ricos sino -cosa extraña- sólo hacer buena música y que mucha gente disfrute con ella: hay autores que cuelgan sus composiciones gratis para que cualquiera pueda bajárselas. Y éste también es un fenómeno de rabiosa actualidad. Realmente a mí me gustaría que los artistas beneficiados por el pago de tal o cual canon, fueran éstos y no los otros. Porque todos conocemos casos de escritores, músicos, artistas que después de trabajar toda su vida han vivido sus últimos años de vida rozando la indigencia. La cuestión es la siguiente: se está acabando el supernegocio de la música. Y eso, está bien. Porque no entiendo por qué todo músico que se precie hoy en día tiene que ser rico. Me parece bien que gane su dinero con sus creaciones. Pero yo, pagando un canon, un impuesto, no quiero costear el palacete de nadie. Quiero pagar, sí. Pero en su justa medida. ¿Y cómo se mide eso? Yo no lo sé. Pero para eso están los políticos. Para resolver problemas. Los problemas de todos los ciudadanos, no sólo de las cuatro multinacionales ni de los cuatro artistas millonarios de turno.

DERECHOS

2010-01-18T10:52:00.002+01:00

¡Menudo guirigay se está montando a costa de los derechos de autor! Como todos sabemos, cuando un autor realiza una obra existen una serie de leyes que regulan los derechos que el creador tiene sobre ella. Por una parte están los derechos morales –protegen la autoría- y por otra parte están los patrimoniales: regulan la explotación comercial de las obras. Estos últimos pueden ser vendidos o cedidos por el autor. Y como de lo que estamos hablando es de dinero, son objeto de discordia permanente.
Hace días Loquillo, Aute, Loquillo y Rosario, entre otros, se manifestaron ante el Ministerio de Industria. Y entregaron un manifiesto con 2.500 firmas en el que pedían “respeto” a su trabajo y medidas legales contra la piratería y, sobre todo, contra las descargas ilegales de sus trabajos en internet. Y parece ser que el suceso fue la gota que colmó el vaso: la ministra de cultura dijo poco después que quiere crear una comisión para cerrar sin orden judicial aquellas webs que se lucren con contenidos culturales, como música o películas. Y claro, ante semejante anuncio, miles de internautas echaron pestes contra la ministra. Y con razón: cerrar un sitio web sin orden judicial vulnera los derechos fundamentales de los ciudadanos, obviamente. Después Zapatero dijo que no, que no se va a cerrar nada. En fin, el lío no acaba más que empezar.
Y días, también, avisé a un amigo de que una película de la que él era guionista se podía “bajar” desde una página web. Su contestación fue: “A mí que la gente quiera ver la peli y se la baje no me molesta demasiado. Si no hay nadie que se enriquezca claramente a mi costa, claro. Quien nos intentó robar de verdad (y nos roban ahora) fue la multinacional “X”. Vendieron 50.000 copias a 20 euros y pretendían no pagarnos nada. Primero nos pasaron unas cifras de ventas falsas, luego conseguimos las reales con un infiltrado en la compañía. Luego pusieron problemas legales y los tíos de la SGAE (Sociedad General de Autores y Editores) les daban la razón y nos dijeron que no podían explicárnoslo porque no éramos abogados. Contratamos a unos que tuvieron que pegarse con los de la SGAE (que se supone que protegen a los autores) y entonces sí: al final cedieron y seis años después conseguimos que nos pagaran. Pero después han seguido vendiendo DVDs y no me han dado ni un euro y es tan cansado pelearse que no sé ni si merece la pena. Por eso ponen las cosas tan difíciles. Eso quiere decir que, en la práctica el 90% de los guionistas jamás cobran nada de las compañías que venden sus DVDs porque para ser contratados por las productoras suelen ser obligados a firmar una cláusula en la que dicen que ceden estos derechos a la productora. Nosotros no lo hicimos, claro, pero somos una excepción rara.”
Me pareció muy ilustrativa la explicación. En resumen: muchos autores ceden sus derechos por cuatro cuartos a grandes empresas y son éstas las que se reparten el “gran pastel”. Pero sobre esa injusta situación no hay manifestaciones.

LA COSA

2010-01-18T10:48:00.001+01:00

Meses ha, estuve en una taberna del barrio de Zaramaga zurito en mano. No recuerdo el nombre de local, aunque ese detalle no es relevante para ilustrar lo que quiero contar. Lo relevante –aunque sin exagerar- es que detrás de la barra de la tasca, sobre las polvorientas botellas, vislumbré un cartel impreso en un folio en el que podía leer: “Prohibido hablar de la cosa”. No entendía. ¿La cosa? ¿Acaso alguien apodado “la cosa” es “persona non grata” en este local? Intrigado le pregunté al camarero sobre el sentido del cartel. “Todo el mundo viene diciéndome que si la crisis tal, que si la cosa está muy mal… Y esto harto.” Me reí con la ocurrencia. Después he visto el cartel en varias tabernas más, constatando así que el humor es el mejor antídoto contra la crisis. Y que la sabiduría popular todavía tiene su hueco en esta sociedad.Cuento esta anécdota porque últimamente en el mundillo de la cultura todo el mundo dice que “la cosa está muy mal”, refiriéndose al entorno cultural. Por lo que yo sé, las “industrias de la cultura” están bastante -con perdón- jodidas con esto de la crisis. La venta de libros, por ejemplo, ha descendido este año más de un veinte por ciento. Y en el mundo del arte, ha pasado algo similar. Eso en el terreno privado, porque en el público nuestras instituciones han pasado la podadora por los montos destinados a cultura. Y así nuestros departamentos de Cultura se han quedado a dos velas. Una vez más en momentos de crisis a los políticos les da por “desmochar” todo aquello que ellos consideran superfluo, accesorio. Las prioridades se desplazan, por consiguiente, hacia la creación de empleo o hacia la asistencia a las personas que económicamente lo están pasando peor. Obviamente, no me parece mal. Aunque no sé por qué es mejor subvencionar a las constructoras que a las empresas culturales. Todas ellas dan trabajo a la gente. Pero me desvió de lo importante… lo curioso de esta situación, lo que no acabo de entender, es que durante años, esos años que ahora nos dicen que fueron buenos, asistimos impávidos a un desplazamiento del concepto “cultura”: ésta –de mano del turismo cultural, fundamentalmente- se convirtió en un recurso que generaba dinero para las ciudades. Y así los auditorios, museos, centros culturales, festivales, conciertos y diversos eventos destinados al consumo cultural, eran dispositivos considerados productivos para las economías de las ciudades. O sea: estaba bien invertir dinero público en infraestructuras culturales porque se generaban dividendos, se generaba empleo. Pero ahora el discurso vuelve a cambiar: en tiempos de crisis hay que recortar expendios, la cultura es una fuente de gastos. ¿En qué quedamos? ¿La cultura es buena o mala para la economía? ¿Es una buena o mala inversión? Pues lo que no tiene sentido es construir museos o centros culturales pensando en ellos en términos de inversión económica y, cuando vienen las vacas flacas, recortar sus presupuestos alegando que generan gastos.

CUMPLE AÑO

2009-12-24T10:35:00.001+01:00

Hoy se inaugura en la Sala Amárica la iniciativa “Inmersiones 09”. Una propuesta destinada a promover el arte próximo, cuya primera edición tuvo lugar el año pasado –funcionando muy bien, con excelente nivel de participación- y que ahora en 2009, con un esquema algo distinto, vuelve a reunir a una treintena de creadores. “Inmersiones”, es un proyecto significativo, que intenta tomar el pulso al mundo de la creación cercana. Y que sirve también de espacio de encuentro entre los diversos creadores que participan en esta experiencia.
Pero no se puede entender “Inmersiones” si nos quedamos flotando en su superficie. Hay que bucear, sumergirse, para poder comprender que la importancia de este dispositivo de difusión de las prácticas artísticas cercanas estriba, fundamentalmente, en el modelo de gestión que lo sustenta: el Proyecto Amárica. Y tiremos del hilo de la madeja: el Proyecto Amarika surgió -hace un año ya- de una asamblea abierta de ciudadanos, artistas, personas preocupadas por la cultura. Y decimos que es una “asamblea abierta” porque no existe un “contrato” entre los asamblearios que la componen, pues no hay un “corpus” jurídico -llámese “asociación”, “federación”….- que lo sustente. Y eso es, cuando menos, infrecuente. Porque en esta sociedad todo, absolutamente todo, está sujeto a tratos contractuales. Incluso las relaciones de pareja están sujetas a contrato. Pero el modelo abierto de la “Asamblea Amarika”, más similar a las relaciones de pareja “sin papeles”, funciona. Eso sí: los nexos, los objetivos, quizá tengan que ser más claros para que algo funcione sin ataduras legales. Aunque no todo es “contigo pan y cebolla”, porque también existen dificultades: es difícil aunar criterios entre personas de diversa índole. Pero “Amarika” funciona, pues actualmente se está programando -desde hace un año- en tres salas expositivas de la Diputación Foral de Álava. Y, ahora, con “Inmersiones 09” se celebra –de una forma simbólica- el primer aniversario del éxito del Programa Amárika.
“Inmersiones 09” ha demostrado también que su filosofía participativa y abierta-ya marcada en su anterior edición- funciona. Porque la actual persona coordinadora del dispositivo ha “emergido” de la primera convocatoria: ella era una de las personas seleccionadas en “Inmersiones 08”. Y esperemos que el año próximo se mantenga este relevo. Pues las gestiones de actuaciones culturales costeadas con dinero público tienen que ser más participativas, abiertas, permeables. Hay que demostrar que es posible gestionar de otra manera. Hay que dejar claro que “participación ciudadana” es sinónimo de “gestión ciudadana”. Que “participación”, “trabajo en red”, “arte emergente” no son sólo meras palabras, coartadas para justificar tal o cual línea de actuación pública. Hay que llenarlas de nuevo de sentido. E “Inmersiones” es una herramienta que sirve para ello. Esperemos que haya “Inmersiones” por muchos años.

ALEGORÍAS

2009-12-24T10:31:00.001+01:00

En este espacio, no suelo hablar exclusivamente sobre artistas. Y no es que me parezca insustancial hablar sobre ellos, sino que me parece más significativo ir un poco más allá, e intentar abrir el ángulo de ese “plano cerrado” –plano ocupado por la figura del artista- para tener así una visión más general del hecho artístico o cultural. Porque por detrás –y a los lados- del “protagonista”, del artista, hay un escenario: un escenario compuesto por múltiples elementos: sociales, culturales, políticos, económicos… ¿Y qué es más importante, hablar del escenario o del personaje? Es obvio que vivimos en un mundo el que el culto al personaje alimenta las industrias culturales, del ocio, del entreteniendo, del arte. Quizá tengamos que apartar a los artistas de todos los planos de las películas en las que actúan para poder ver esos elementos tapados por sus cuerpos.
El artista en definitiva, parte de un contexto–que es un contexto compartido con el público- y desde él nos habla. Y nos habla por boca de otros. Es decir: él no es una isla, no parte de cero. Como todos nosotros, tenemos una herencia: la cultura que nos han enseñado. Y en el caso concreto del artista, son tantas las fuentes de las que bebe, son tantos los elementos externos a él que influyen sobre su trabajo, tantos los mediadores que están por encima de él o a su lado (galerías de arte, museos, críticos, comisarios, mercado, política público…) que podríamos comparar al artista con un actor que representa un guión ya escrito, eso sí, dejándole un hueco a la improvisación. Por eso, a mí me suele interesar más hablar más de ese guión, de esa película, que del actor en sí.
Dicho lo anterior, voy a contradecirme y hablar de un artista en concreto. De alguien que habla precisamente de todo esto que he mencionado en líneas anteriores. De alguien que se sitúa el mismo fuera de ese plano para dejarnos ver los detalles del escenario. O para que nosotros, el público, ocupemos su lugar. No es éste un artista que trabaje con “materia”: pintura, fotografía... Es un artista que trabaja con conceptos. Y hoy se inaugura su exposición –la exposición de Pep Agut- en la galería Trayecto. “Partes de”, se titula. Porque como ya hemos dicho, todos somos “parte de” algo, de este sistema, de esta sociedad. Y también “partimos de” nuestra herencia, de nuestra cultura, para hablar, expresarnos, vivir…
Pep Agut nace en Barcelona en 1961. Es un artista de una generación que supuso un relevo frente a la eclosión de la pintura en los años ochenta. Pep ha dejado una profunda huella en el arte producido en la Ciudad Condal. Para que se hagan idea de su trabajo: en una ocasión se expuso a sí mismo, como artista inamovible, con sus zapatos clavados el suelo “mostrándose” como obra durante toda la inauguración. Para otra muestra, expuso un diccionario Euskara-Castellano/Castellano-Euskara. Los visitantes podían borrar en él la palabra que eligieran en su lengua para sustituirla por su nombre propio.

GUÍA

2009-12-16T11:12:00.001+01:00

Tendré en mi casa unos quinientos catálogos y libros de arte, otros tantos libros de temas variados, y cerca de 10.000 cómics y fanzines. Y lo tengo todo “ordenado” de aquella manera. Pero si alguien me pide un cómic determinado, al final, si lo tengo, lo acabo localizando. Y también puedo aconsejar a alguien qué leer de entre ese material mío: un par de preguntas previas y un poco de psicología aplicada son suficientes para saber qué recomendarle. Pero si alguien viniese a mi casa buscando algo, y yo no estuviera ahí, posiblemente esa persona acabaría perdida, enterrada entre papel, naufragando entre material interesante y otro que no lo es tanto. Supongo que saldría de mi casa maravillada, pero desorientada completamente. En definitiva: ante tantísima información recopilada en hemerotecas, archivos, museos y bibliotecas necesitamos que la gente que ha leído -o visto- mucho, los llamados “especialistas” nos elabore un mapa que nos oriente. Necesitamos que una persona que ha leído, por ejemplo, miles de libros nos recomiende qué leer, o que un individuo que ha visto miles de obras de arte, nos diga cuáles son de interés. Los especialistas son nuestro filtro. Porque no podemos leernos todo lo que se ha publicado en el mundo. Otros tienen que hacerlo por nosotros y, después, guiarnos.
Y estos días en la Fundación Sancho El Sabio, hay una exposición de fanzines. Como muchos sabréis, un fanzine es una revista realizada por forofos, aficionados, de un tema concreto (política, literatura, arte, cómic…) que no tiene una finalidad comercial y que, muchas veces, está realizada con los escasos medios de los que disponen dichos aficionados. Es un universo muy interesante: fresco, espontáneo e intenso. Reconozco que la Fundación tiene una buena colección. Es más: tienen más ejemplares que yo. Recorriendo el otro día esas vitrinas repletas de ellos, acompañado de un amigo mío, reconocí mucho de lo expuesto: estaba el fanzine “El chino”, antecedente de la revista TMEO, el “fanzine Acción”, publicado por la asociación AMBA, el primer cómic editado por la librería de cómic Crash de Vitoria consistente en una fotocopia doblada por la mitad… Una parte de ese material forma parte de mi biografía: porque yo había leído en su día muchos de esos fanzines, había colaborado en algunos de ellos, e incluso varios los había puesto en marcha yo mismo. Y pensé que ese material tenía mucho sentido para mí, pero ningún sentido para el amigo que me acompañaba. Así que le improvisé una pequeña “visita guiada”. Al salir de la exposición pensé que la Fundación tenía un tesoro, sí, pero que faltaba alguien que explicara a los visitantes eso que estaba viendo. Como yo hago en mi casa con los amigos que vienen a verme. Me llevé el catálogo que habían editado, con el índice del material mostrado y con entrevistas a cuatro o cinco personas relacionadas con el universo de los fanzines. Un catálogo interesante, pero insuficiente, pues no sirve como guía.

EL KLIK

2009-11-16T11:28:00.002+01:00

Si hiciésemos una fotografía en la que aparecieran plasmadas las tres grandes instituciones culturales -y públicas- de la ciudad, obtendríamos un retrato a tres bandas. Los “rostros” de Montehermoso, Artium y Caja Vital llenaría dicha foto, representando cada una de ellas a la institución que las sustenta: el Ayuntamiento, la Diputación y la Caja Vital ¿Pero es eso realmente cierto? ¿En esa fotografía no aparecen más talantes? ¿Ni siquiera confundidos con el paisaje? “Haberlos haylos”, otra cosa es que nos cueste percibirlos. Tenemos, por ejemplo, el caso de la Fundación Santa María, dedicada a la restauración de la “Catedral Vieja”. Es cierto que en 2010 el templo estará por fin reparado, pero la Fundación sobrevivirá a su obra, y ésta seguirá realizando diversas labores culturales. También es de rigor mencionar otro organismo que poco a poco adquiere más peso en la vida cultural del Casco Viejo: la Agencia de Renovación Urbana. Con una gran aporte económico por parte del Fondo Europeo (“Plan Urban”) y con la idea de reactivar el corazón de nuestra ciudad, este organismo va influir -ya lo está haciendo- en el rumbo social, económica y cultural de “la Almendra”. Y, finalmente, no podemos olvidarnos de la universidad, tan presente en la vida de otras ciudades. El departamento de Extensión Universitaria de la UPV de Gasteiz aloja desde hace años un sinfín de actividades en el Campus alavés. Aunque en nuestra ciudad la universidad parece cercanamente lejana. O lejanamente cercana. Hecho chocante, porque realmente el Campus está a diez minutos del corazón de Gasteiz. ¿Qué sucede? Posiblemente la barrera física de las vías del tren sean la causa: el campus nos parece un terreno desvinculado, desunido a Gasteiz, como si esas vías de tren fueran la antigua cicatriz de un corte realizado a la ciudad por algún quimérico cirujano. Pero el cambio está por llegar: el ansiado plan de soterramiento de las vías se acerca. Y “la cicatriz” será tapada con un nuevo “injerto” de tejido.Y ayer se inauguró en la sala de exposiciones del Pabellón Universitario una muestra fotográfica enmarcada dentro de un proyecto más ambicioso: “Gazte Klik”. ¿Qué es “Gazte klik”? Es una actividad fotografía destinada a jóvenes que quiere impulsar la creación artística en ese campo. Pero no es una convocatoria ortodoxa: en “la uni” podemos ver todas las fotos que los jóvenes han realizado; y en los espacios publicitarios del Ayuntamiento situados en las calles, una selección de ellas. Finalmente, cuatro de los jóvenes realizarán -el año que viene- una exposición conjunta en la Casa de la Cultura. Exposición coordinada por la fotógrafa Ana Nieto. Es ésta una iniciativa que en su día surgió de la propuesta de una joven ciudadana, a través de un concurso de ideas convocado por el Servicio de Juventud de nuestro Ayuntamiento. Y es que no sólo los Departamentos de Cultura deben de promocionar la cultura. Producir y difundir la cultura, debe ser una labor de todos.

LIBRO

2009-11-16T11:24:00.001+01:00

Reconozcámoslo: en esta era hipertecnológica que nos ha tocado vivir, el ancestral libro sigue revelándose como uno de nuestros mejores inventos. Y es que el libro soporta muy bien las caídas. Y nunca se queda “colgado”. Ni sin batería. Es ligero y algunos aguantan lustros sin quedarse obsoletos. Es más: con el tiempo a veces se convierten en joyas. Así que es normal que el libro siga siendo, desde tiempos inmemoriales, nuestro fiel compañero. También es verdad que hasta el invento de la imprenta hace cinco siglos, el libro se usaba más para conservar, “enlatar”, la cultura y el saber, que para el disfrute del personal.
Cuando pensamos en un libro, muchas veces lo visualizamos como un mero contenedor de texto. Es decir: palabras, frases, escritas sobre papel. Pero también un libro puede estar lleno de imágenes. Y de imágenes y texto. Las posibilidades son múltiples y todas ellas conviven en armonía.
Y el libro puede ser también un buen vehículo para la gente que dibuja, pinta. En ese caso se suele hablar de “libro de autor”. Por aquí cerquita, en nuestra ciudad, tenemos la sede de una editorial que, entre otras muchas cosas, ha publicado también varios libros de ese género, llamémoslo “mestizo”. Me refiero a la editorial Basarai. Basarai ha trabajado con pintores como Xabin Egaña, Lazcano o Mintxo. Y de este último después de editarle “El sueño del dibujante” (2001) y “Poemas del caminante” (2005) ahora han colaborado en el parto del tercero: “A travesura”. Ayer se presentó al público en la sede de la Fundación Sancho El Sabio. Con la colaboración del “Programa Amárica”.
Extraído del propio libro: “A travesura en un bosque de hojas blancas” es un trabajo artístico que se revela sobre las hojas de un cuaderno. No es, por tanto, una simple colección de dibujos aislados, sino una entidad gráfica formada por un conjunto de dibujos que se van entrelazando en las páginas que estaban en blanco, como si al paso de la mano se fueran revelando las imágenes. Esta realidad pictórica en movimiento se completa con pequeños pensamientos que subrayan el ánimo del autor. La memoria y la fantasía recrean las imágenes con una actitud expectante, incluso traviesa, en una trama que surge en la mente del artista y se plasma en un cuaderno de arte que se ofrece al lector para que complete el viaje realizado y se sorprenda por la belleza de las pinturas y dibujos.”
Mintxo es uno de los mejores dibujantes que he conocido en mi vida. Viéndole dibujar parece que los rostros, cuerpos, objetos, paisajes están ocultos en el papel y que él lo único que hace es ayudarlos a salir a la superficie. Usando para ello casi cualquier cosa: un lápiz, un pincel, el dedo, un trapo… “Consigo el grafito en barritas y con ellas dentro de un lapicero, las transformo en imágenes paseándolas por el papel”, apostilla el autor en el libro. Así de fácil lo dice. Y así de fácil lo hace parecer. Aunque la realidad es otra: por detrás de ese “fácil” se esconde mucha sabiduría dibujística.

BELLEZA

2009-11-09T19:11:00.002+01:00

El Artium acaba de presentar un “triplete” de exposiciones. Y desde “Periscopio” se han puesto en marcha once más. Por lo tanto, el ciudadano puede acabar enfermando, no de gripe A, sino de la más enfermedad más “artística” conocida por la ciencia médica: el “Sindrome de Stendhal”. Como algunos sabrán, esta enfermedad escogió como primera víctima a Stendhal. De ahí su nombre. La historia dice que el escritor después de una maratoniana jornada de paseo florentino-allá por el año 1817- visitando museos, iglesias, concentrado en todo aquello que veía, loco por no perderse detalle de nada para poder así describirlo en su Diario, súbitamente sintió intensos mareos, sudores y palpitares. Y, medio arrastrándose, fue a visitar a un médico. Éste, tras tomarle el pulso y chequearle a la usanza de hace un par de siglos, dictaminó: “usted padece una sobredosis de belleza”. Desde luego, hoy en día los médicos ya no dicen cosas tan bonitas…
Pero hoy en día no corremos tanto peligro de pillar ese síndrome, pues la belleza no es valor cardinal a la hora de estimar una obra: lo bello no deja de ser un concepto volátil, subjetivo… y la buena obra no puede levantarse sobre criterios tan vaporosos. Es por eso que valores como la originalidad, la capacidad de seducción, de hacernos reflexionar sobre nuestra realidad… se anteponen hoy al valor “belleza”. ¿O no?
Tomemos el ejemplo de la primera exposición de “Periscopio”: “Maras” de la fotógrafa Isabel Muñoz. ¿Cómo valoramos su obra? En principio vemos imágenes de jóvenes tatuados, pandilleros –llamado “Maras- surgidos de la miseria de “El Salvador”. Pero aunque retrata una cruda realidad, las imágenes no dejan de ser bellas. ¿Debe el artista embellecer, “cocinar”, lo crudo?
Recomiendo la lectura de una “interviú” al fotoperiodista Chistian Póvera - recién fallecido en un tiroteo en el Salvador- en la web: centroamerica21.com/edit/25-7/cultura1. Porque hace dos años, Christian acusó públicamente de plagio a la fotógrafa Isabel Muñoz. Christian llevaba varios años estudiando, fotografiando a los “Maras” cuando Isabel presentó su serie sobre ellos. Serie que ahora podemos ver en Vitoria. Las fotografías de Christian fueron expuestas en enero de 2005 -un año antes de que Isabel fuera a El Salvador a hacer las suyas- en la Photo Biennial de China, bajo el título “Las Maras”. Y en 2006 las publicó en revistas tan conocidas como “Picnic” de México, “Playboy” en español y “Le Monde”. Viendo el trabajo de Póvera y comparándolo con el de Isabel, uno no puede dejar de pensar que, aunque son muy similares, el del primero tiene un valor más documental, más comprometido, resultado de un trabajo riguroso de investigación. En cambio, el trabajo de Isabel es más superficial pero más atractivo visualmente. Isabel estuvo trabajando en “el Salvador” seis semanas, y Chistian cuatro años. Y eso se nota. Es una pena que no podamos ver la obra de Chistian en Periscopio.

PARTICIPACIÓN

2009-11-09T19:05:00.003+01:00

El otro día, varios miembros de grupos ecologistas que acudían al Consejo Sectorial de Medio Ambiente se levantaron airadamente de una reunión y se fueron, argumentando que desde el Ayuntamiento no se hace caso a sus propuestas y que "se guardan en un cajón”. Ese hecho parece ser la punta del iceberg: muchas personas y colectivos que forman parte de este tipo de consejos, se sienten frustrados por la misma causa.
Recapitulemos: la Carta Europea de la Autonomía Local, ratificada por España en 1988, considera necesario que los ciudadanos participen en la gestión de los asuntos públicos. Y la ley española de Medidas de Modernización del Gobierno Local -aprobada en 2003- viene a establecer una serie de órdenes concretas para fortalecer la democracia local: garantizar el derecho de los ciudadanos a participar en las decisiones importantes que afectan a su futuro, buscar nuevas vías de participación, potenciar el papel de las agrupaciones de ciudadanos como socios esenciales del desarrollo de una cultura de participación, etc. A rebufo de esa ley, en Vitoria existen nueve consejos asesores y siete territoriales, además del Consejo de la Ciudad. En total diecisiete órganos de –en teoría- participación ciudadana. Y digo “en teoría” porque sus resoluciones son meramente consultivas. Es decir: se opina pero es el ayuntamiento el que decide. Y la verdad es que no hay nada más frustrante que acudir, gratis total, a las reuniones, preparar proyectos, aportar informes, formular preguntas…. y que el ayuntamiento ni siquiera te conteste. El altruismo no es tan altruista, valga la redundancia. El que aporta su tiempo y su experiencia quiere verse “recompensado”. ¿Cómo? Viendo cumplidos algunos de los proyectos presentados. Porque uno participa cuando puede influir en su entorno. Participar es, por lo tanto, tener capacidad para cambiar las cosas. Si sólo eres un espectador, o una mera comparsa, no se puede hablar de participación. Pero una de cal y otra de arena: el otro día miembros del Consejo Amárica explicaron en la Comisión de Cultura del “congreso alavés” (me refiero a las Juntas Generales de Álava) un proyecto participativo que sí está funcionando: el Proyecto Amárica. Tres salas de exposiciones de la Diputación están siendo programadas desde hace nueve meses por un colectivo amplio –y abierto- de artistas, creadores y personas relacionadas social o laboralmente con el arte y la cultura: la Asamblea Amárica. En este caso el Consejo Amárica “aconseja” una serie de actividades, de exposiciones, de líneas de trabajo a la Diputación Foral de Álava y ésta asume los “consejos”. Se trata, por lo tanto, de un caso real de participación ciudadana. Un caso, desgraciadamente, no demasiado habitual en el Estado. Es por eso que desde multitud de ciudades españolas se está invitando a los miembros de la Asamblea para que expliquen esta interesante iniciativa. Desde aquí les deseo suerte en ese intenso “tour” rebosante de espíritu participativo.

RUIDO Y HUMOR

2009-10-14T21:37:00.001+02:00

Cada uno sufre la actual crisis económica a su manera. En mi caso -que no es el peor, obviamente- la crisis me ataca cual ruido infernal. Me explico: trabajo en la calle Pintorería, así que llevo cuatro meses aguantando las hormigoneras, los martillos hidráulicos, las amoladoras… Es ésta una obra, la de adecuar el pavimento del suelo de la Pinto, bastante surrealista: va a ritmo de caracol. Lo lógico, lo habitual, sería ventilarse una cosa así en un mes, pero no: en esta época de crisis hay que alargar las obras para dar trabajo a la gente. Y todos los ciudadanos tenemos que ser solidarios con estas medidas. Pero tengo un problema: soy un descreído. Es más: observando esta obra uno piensa que este país está acabado. Porque no puede ser que la mejor fórmula que tengamos para sortear esta crisis consista en dar trabajo así: realizando obras por doquier y a ralentí.
Mientras escribo esto, unos tapones de oídos cubren mis orejas, y por encima de éstas y aquellos, llevo unos aparatosos cascos. Unos cascos contra el ruido que compré hace meses. Y la cómica escena se recorta sobre la pantalla temblorosa de mi ordenador, que tiembla, no porque tenga miedo de mi aspecto, sino a causa de las vibraciones de las obras. Y mientras, un servidor se siente un mártir. Pero un mártir gratuito, estúpido, pues no le veo utilidad a esta sobredosis de contaminación acústica. Y me resulta complicado concentrarme. Por mi cabeza pasan idean absurdas. Como que parte de ese dinero que se están gastando en estas obras -cada uno de los cartelitos anunciadores del “Plan Ñ” ha costado la friolera de 6.000 euros- se inviertan en la realización de una estatua en homenaje al vecino sufridor. Sufridor por los ruidos de las obras. Y así daríamos trabajo a los escultores. Que también son trabajadores.
Sí: lo único que mantiene mi sesera sana en estos ruidosos momentos es el humor. Porque me siento ridículo escribiendo con tapones de oídos y cascos. Pero me río de ello. Y de la crisis. Y pienso que es una lástima tener tan poco humor en nuestras vidas. Es una lástima que la cultura, el arte, los museos, la música… casi no nos aporten humor hoy en día. Porque lo necesitamos. El humor es cosa seria.
Pero, afortunadamente, estos días podemos visitar una muestra salpicada de humor: los hermanos Roscubas exponen en la galería Trayecto. Mucho humor y mucho erotismo. La exposición se titula “Punto ciego (secret sex)” y se divide en tres partes bien diferenciadas: la primera muestra imágenes de seducción reconstruidas a partir de pequeños segmentos de imágenes eróticas de los años 50 y 60. Imágenes que invitan a pensar en el secreto del deseo, pues estas imágenes no muestran sexo, sino cuerpos. La segunda parte se compone de dos objetos que mezclan la obscenidad de la marca y la publicidad. Y en la tercera se funden ilusión, fantasía y juego: una serie de espejos y objetos de cosmética sirven de reclamo para la transformación más allá de las identidades y el género.

El VUELO

2009-10-14T21:31:00.003+02:00

El otro día, debajo del brazo, en una inauguración de arte, llevaba un cómic. Rodeado de gente supuestamente culta, mi cómic debajo del brazo desató cierta inquietud: la mayoría no se habían leído un cómic en los últimos veinte años. Y es que en eventos de ese tipo, en los que los parloteos giran sobre arte, cine, literatura, el cómic es un medio exiliado, nunca objeto de interés. Y así, no es raro que un artista, un crítico de arte… te reconozcan que no leen cómics. Para mí este hecho es un sacrilegio, pues no hay más que ponerse a leer ciertos cómics -de autor, fundamentalmente- para percatarse de que este medio está aportando a la cultura sus obras más maduras. Sobre todos estos últimos años. Y un servidor, que lee literatura, ensayo, cómics, y visiona películas o asiste a múltiples movidas artísticas, compara lo que se está haciendo en esos campos y no puede dejar de llegar a una conclusión: el nivel medio de las obras que surgen del campo historietístico sobrepasa en calidad al de otros medios artísticos.
Pero volvamos a ese cómic de “debajo del brazo”, porque ejemplifica lo que acabo de comentar en líneas anteriores. Era “El arte de volar”, del escritor Antonio Altarriba y del dibujante Kim. Si no sonara a tópico, simplemente lo tildaría de obra maestra.
“El arte de volar” narra la vida del padre del coautor del título: Antonio Altarriba. La historia arranca con un hecho trágico: el 4 de mayo de 2001 su padre, con noventa años, se arroja al vacío desde la cuarta planta de la residencia de Lardero (La Rioja). Sólo después de leernos la novela entenderemos esta frase escrita, casi grabada con tinta, en sus primeras páginas: “mi padre tardó noventa años en caer de la cuarta planta…” Porque “El arte de volar” reconstruye la dura vida de un idealista frustrado, desengañado. De una persona que luchó toda su vida por ser libre pero que no pudo conseguirlo, pues sus circunstancias -sociales, económicas, históricas…- parecían aliarse siempre para impedirle alcanzar ese sueño.
Y Antonio utiliza un recurso narrativo perturbador y efectivo: se introduce en el papel de su padre, relatando su vida en primera persona. “Mi padre, que ahora soy yo, no conserva buenos recuerdos de su infancia”, dice al comienzo el autor. Y así, página a página, en plena simbiosis con el excelente dibujo de Kim, Antonio reconstruye la biografía de su padre, mutada ahora en autobiografía. Una vida de un español medio que vivió lo que le tocó vivir, siempre arrastrado por los sucesos de la historia: infancia en un pueblo de la España profunda, guerra civil del lado “rojo”, exilio en Francia, vuelta a la España de Franco para crear una familia… y en ese largo camino le van arrancando sus ideales. “El arte de volar” es una obra grande y honda, madura, con múltiples niveles de lectura. Una obra sentida, pero no trágica. Una obra que más que biografiar a una persona, nos hace vivir la historia de un país, de sus gentes. Y de sus sueños y anhelos arrancados por la historia.

CIERRE

2009-09-29T10:16:00.003+02:00

En cuatro días se gastaron 240.000 euros. Buena parte de ellos en pagar viajes y hoteles a una legión de famosos salidos de la “caja tonta”. ¿La finalidad? Promocionar sus culebrones en Vitoria. Y era un presupuesto destinado a cultura. Pero nadie dijo nada. Y hoy parte de ese “nadie” dice: “el Artium cierra sus puertas por sorpresa un mes”. Ahora parece que sí les interesa la cultura… Paradójicamente, el rotativo que se “inventaba” el cierre forma parte del patronato –del grupo gestor- de Artium. O sea: ellos mismos aprobaron en diciembre pasado el proyecto del nuevo director. Proyecto en que se refleja la necesidad de no realizar en Artium exposiciones en septiembre –es el mes con menos visitas del año- para iniciar la nueva temporada presentando al unísoro las nuevas exposiciones. Conclusión: algunos de los patronos no se han leído el proyecto que aprobaron. Su mano derecha no sabe lo que está haciendo su mano izquierda. O haciendo un chiste fácil: su cabeza lleva “cerrada” varios meses.
El Centro-Museo Artium no es sólo un museo al uso, sino que también es un centro de arte, por lo tanto su biblioteca, las visitas guiadas, las múltiples actividades… siguen vivas durante este mes. Y durante el resto del año. Artium, en definitiva, no es sólo un sitio donde sólo se cuelgan cuadros para que los turistas puedan hacer “zapping” con ellos, sino que es un lugar en el que se enseña, se divulga, se estudia, cultura contemporánea. Así que no se puede hablar de “cierre” de Artium-Museo, sino de un parón temporal de la programación expositiva de Artium-Centro de Arte. Un parón que servirá para sincronizar las inauguraciones de las exposiciones consiguiendo así un mayo “gancho” de cara al ciudadano. Y ese cambio de rumbo no se puede hacer con el motor en marcha. Porque si queremos sincronizar los relojes, tenemos antes que pararlos para mover sus agujas. Otra cuestión es que algunos patronos de Artium no estén de acuerdo con esa decisión. Pero que lo hubieran dicho en diciembre y no ahora. No han hecho sus deberes a tiempo.
La pregunta es la siguiente: ¿por qué un centro de arte tiene que estar ofreciendo exposiciones sin parar? Para algunos hay que emular a las fábricas de churros… siempre produciendo. Por poner un ejemplo cercano: desde el Consejo Amárica se está programando en tres salas expositivas de la Diputación. Y no siempre éstas permanecen abiertas: hay semanas en las que no se hace nada en ellas. Y nadie se ha quejado de ello, pues se apuesta por la calidad, no por la cantidad. Y es que en nuestro territorio hay una oferta desmesurada de exposiciones. Quizá sea porque en este territorio la cultura se entiende como un recurso o como un servicio. Es decir tiene que funcionar como un parque de atracciones (atraer turistas) o como un restaurante (dar a la clientela lo que te pide para comer). Y no es así: la cultura es como la educación, pues nos forma como personas. Por lo tanto, pidamos calidad y no cantidad.

PASO ATRÁS

2009-09-18T10:07:00.007+02:00

Sinopsis del primer episodio de “Sin tetas no hay paraíso”: unas menores asisten a las fiestas de "el duque" -“macizo" traficante de drogas que habla como si acabara de beberse un bote de lejía- para animar con sus cuerpos a señores forrados y muy “salidos”. El objetivo de las chavalas es convertirse en fulanas de postín para darse así la gran vida. Pero la “prota” del culebrón conoce al tal "duque" -tío al que le da igual matar, extorsionar... aunque ¡oh! ¡tiene su corazón!- y se enamora locamente de él. En resumen: un folletín que las púberes devoran sin apenas masticar babeando por “el duque”. No es de extrañar que muchas pidan después a sus papis unas tetas “talla noventa”, pues sin ellas –según la serie- es difícil llegar a ser algo en la vida.

Y más de 1.000 “fans”, la mayoría quinceañeras, acudieron al FesTVal de Gasteiz para recibir a los “protas” del culebrón que vinieron a promocionar el primer capítulo de la nueva temporada. Nada que objetar a la movida si nuestro Ayuntamiento, nuestra Diputación y la televisión pública ETB, no la hubieran apoyado. Es obvio que desde el FesTVal también se han realizado actividades de interés, pues no sólo se ha difundido un culebrón machista y frívolo, se ha traído a participantes del “Gran Hermano”, se ha homenajeado al “inventor” de “Operación triunfo” o se ha dado cuerda a grupos de niñas “fanáticas” (“fan” es el apócope de fanático-a). Pero, señora concejala y diputada de cultura, no se puede servir en el mismo menú cultura e idiocia. Esa mezcla despista al ciudadano. Pues no es de recibo, por una parte, apoyar una cultura de igualdad, una cultura que genere reflexión y pensamiento crítico para, al mismo tiempo, apoyar algunos subproductos descerebrados de las industrias del entretenimiento por mucho que les guste ver a miles de posibles votantes acudiendo a un evento apoyado con ese dinero público que ustedes gestionan.

Y es que no es de rigor que desde la cultura pública se apoye a las macro televisiones privadas: sus fines son únicamente conseguir un gran público al que poder inculcar nuevos -y viejos- hábitos de consumo. Pero si se empeñan en programar cultura tal como se programa televisión, intenten al menos difundir la escasa televisión de calidad y no legitimar la que promueve alevosamente el meretricio gratificado a base de silicona, carrazos de lujo, copas, rayas y bolsos de marca. Eso es un paso atrás para nuestra ciudad.
Leonardo Baltanás, director de contenidos de Telecinco, argumentaba hace días que los festivales de televisión como el de Valladolid, León, Vitoria, Isla Antilla y Barcelona son necesarios porque pueden ayudar «a limpiar la mala imagen que la televisión tiene». Ana Rivas, directora de programas de Antena 3 decía también al respecto: «En televisión tenemos el problema de que a veces nos avergonzamos de nosotros mismos y de lo que hacemos». Pues bien: parece ser que nuestros departamentos de cultura no son tan puntillosos como los que fabrican “telebasura”.

DESATINOS

2009-09-09T19:16:00.006+02:00

Una nueva revista se presentó en el museo Bibat el otro día. Cascobizia-así se llama la publicación- “servirá como guía de servicios del Centro Histórico, soporte de orientación para quienes nos visitan e instrumento de divulgación a través de cuidados reportajes de la actividad de todo tipo que se desarrolla en el Casco Medieval”, explicaron sus artífices. Es un proyecto editorial –dijeron- financiado por el Plan Urban de la Unión Europea, orientado a poner en valor los recursos comerciales, hosteleros, de servicios y socioculturales del Casco Medieval. Y han distribuido 50.000 ejemplares por la ciudad. Es innegable que toda herramienta que sirva para dar a conocer la realidad del Casco Viejo es bienvenida. Pero para que esa herramienta sea efectiva es fundamental que la información ofrecida se elabore con sumo cuidado. Pues un medio de comunicación puede causar más perjuicios que beneficios si ofrece una imagen distorsionada o incompleta de la realidad. Todos sabemos que actuar con premura en las elaboraciones de proyectos pero con suma eficacia en sus difusiones, es un mal de nuestro tiempo. Y así lo que podrían ser “proyectos vacunas” se convierten en “proyectos-virus”. Virus que se propagan con rapidez.

Al grano: me parece incomprensible que en una revista que quiere ser una guía del Casco Viejo no aparezca ninguna referencia al Centro Cultural Montehermoso. Aparece sólo su sede referenciada como “monumento histórico”. Y suma y sigue: en el listado “centros y asociaciones” no se nombra al Centro Cívico el Campillo, ni al Centro Cívico Aldabe. Para la revista no existe la Federación de Asociaciones Gauekoak ni el programa de ocio nocturno que -desde hace diez años- se dirige especialmente a los jóvenes que hacen vida en el Casco Viejo de nuestra ciudad. Tampoco se menciona a Zuloa Espacio como lugar expositivo que lleva una década mostrando el arte emergente de nuestro entorno. Ni se menta a la mítica revista de cómic TMEO, que desde hace quince años tiene su sede en la calle Herrería. Por otra parte la galería de arte contemporáneo Trayecto aparece en un apartado que lleva el título de “Arte, muebles y decoración”. No entiendo cómo se puede meter en el mismo saco a una galería de arte contemporáneo y a una tienda de muebles. Y se me acaba el espacio… ¿a qué vienen tantos errores? ¿Será porque la dirección editorial de la revista está en Bilbao? ¿Es que los propios editores de una publicación que quiere divulgar la realidad de nuestra “almendra” la desconocen? ¿No debería ser ésta una revista pergeñada por los propios agentes sociales y culturales que desarrollan en el Casco Viejo sus actividades?

Termino diciendo que la revista tiene sus aciertos: se referencia a personas y a organismos que sí forman parte de la vida del Casco Viejo. Pero esa mezcolanza de atinos y desatinos puede despistar más a todo aquel que se acerque a la “almendra” con el Cascobizia bajo el brazo.